由著名评论家、策展人廖雯策划的《声音在场》展，将于2025年12月6日15:00在声音艺术博物馆声艺空间开幕，展览将持续到2026年3月6日。此次展览将展出李博、刘索拉&于捷、刘耀华、孟奇、单凡、松郎、王宝菊、王劲松、张咏9名/组艺术家的影像、声音装置相关作品。

展览前言

文/廖雯

这是一个关于“声音”作品的艺术展览，我们将重新认识“声音”这一日常无所不在却最容易被忽略的存在，探讨什么是声音，声音在不同语境中呈现出的无限可能性，声音对于个人表达的意义。当声音成为表达的媒介，个体的独特性便有了出口，当声音超越了语言的局限，构建起个人化的精神场域， 其他方式难以表达的情绪与思考才能被听见。

将自然、日常的“声音”作为个人表达的媒介，应该是自六十年代的法国作曲家皮埃尔·谢弗（Pierre Schaeffer）和皮埃尔·亨利（Pierre Henry）的具体音乐（Musique concrète），二人的合作与探索彻底打破了传统音乐对乐器与旋律的依赖，重构了“声音”作为音乐素材的可能性，“具体音乐”对后世电子音乐产生了深远影响，在音乐领域中被广泛使用。“具体音乐”将具体的声音（如自然声音、日常生活中的声音等）作为素材进行创作，比如皮埃尔·谢弗 《铁路上的夜曲》是由火车汽笛声、加速声、货车通过声、运河船声等声音组成，《铁路练习曲》是由地铁的行驶声、刹车声、车站广播声等声音组成。比如皮埃尔·亨利的《平均律话筒》，利用话筒等设备对声音进行处理和变形，创造出独特的音响效果，《一扇门和休止符的变奏曲》，以门的开关声、叹息声等为基本声音素材，进行创造性的音乐加工，居然由十二个乐章组成。两个皮埃尔合作完成的《为一个人而做的交响曲》，通过对各种自然声音、生活声音等的处理和编排，表达出一种独特的情感和氛围，探索了声音在音乐中的新可能性。

六十年代，两位皮埃尔以“预先存在的声音”为创作基础，通过技术处理重构声音的意义，七十年代，英国、美国诞生的环境音乐（Ambient Music），将“环境声响”作为音乐的重要组成部分，强调音乐与环境的融合，营造氛围体验。比如，1978年布莱恩·伊诺的《机场音乐》，将飞机起降声、环境噪音与柔和电子音结合，为特定空间创造听觉环境，定义了环境音乐的“功能性”。这些音乐实验都为声音不再依附于“音乐结构”， 关注声音本身的质感与观念性，成为独立的艺术表达媒介奠定了基础。1970年代，美国女艺术家劳瑞·安德森做的系列作品，将人声、电子音效与叙事结合，探索声音与语言、观念的关系。

1974年，韩国艺术家白南准的《电视佛》，将佛像与电视画面、电子声音联动，声音素材成为装置艺术的重要组成部分，成为经典的声音作品。

声音在这个展览中呈现了出人意料的可能性，聋儿童以真正意义上的“天籁之音”，朗诵他们自己的心声（“无声合唱团”的《诗》）；十字路口红绿灯的提示音阻隔了诗的韵律（王宝菊《配乐诗朗诵：荒原》）；声音的 “桥梁”是否能从情感和精神上拉近距离（松郎《建造桥梁的几种方法（4）》）；每日夜深人静的独自的声音练习是否能释放一天的紧张回归真正的自由（刘耀华《自由练习》）；一段特定时代慷慨激昂的朗读词是否真的代表了大众的心声（王劲松《长征号角》）；当绘画成为“声音”，它与绘画本身的关系是什么（单凡《听音》）；当音乐变成类似抽象绘画的曲谱，它与音乐本身的关系是什么（刘索拉《自在魂》），当声音与影像共同表述一个经典的文学故事（刘索拉和于捷《烧》）；当自制的“乐器”弹奏出内心的感觉（《尘入水底》）；当自制的乐器被不同的人触摸出与每个人内心对应的不同的声音（孟奇和Trent《Horizon》），当背着太阳能感光片的“蟋蟀”如同真蟋蟀一般叫声一片（孟奇《蟋蟀》），声音不仅是转瞬即逝的“在场”体验，声音也成为独立的审美核心、思维媒介与社会隐喻。