《使不可见者可见》

展览前言

世界并非全然可见。那些涌动的情感、积淀的文化、无形的哲思与材料的记忆，共同构成了一个“不可见”的维度。艺术最深刻的使命之一，便是成为一座桥梁，将这些“不可见”转化为我们所能感知与对话的“可见”。

本次展览以“使不可见者可见”为题，正是对这一艺术使命的回应。我们汇聚了八位背景迥异的艺术家，他们如同一位位独特的“转译者”，以各自精深的实践，照亮了那些潜藏于表象之下的真实：

比安卡·罗兰多转译了文字与图像之间的诗性空间；马可鲁转译了跨越半个世纪对绘画本质的精神叩问；姚邦亮转译了大漆在光影中呼吸的东方美学；邵帆转译了古典筋骨与当代灵魂的巧妙同构。煤球转译了粘土与火交融中的自然印记；张周捷转译了数字算法中蕴藏的自主形态；于洋转译了当代语境下物质与精神的困顿与求索；刘小康则转译了汉字笔划与器物造型中的文化场域。

从古老的漆艺、陶瓷到前沿的数字创作，从东方的哲学思辨到全球化的个体表达，他们的作品共同构成了一场多元的“可见之光”。我们诚挚邀请您步入这个光影交织的现场，不仅用眼睛观看，更用心神感知——去见证那些被艺术之手从无形中召唤出的、璀璨的“可见”世界。

比安卡·罗兰多
Bianka Rolando

比安卡·罗兰多(Bianka Rolando)，1979年出生于华沙，波兰艺术家，诗人，亚当·密茨凯维奇大学教授，华沙Foksal艺廊合作艺术家，工作生活于波兹南。她用极具个人特色的方法将画面与文字结合起来。其作品中表现的诗歌和视觉艺术的巧妙融合，体现了艺术家将两种艺术形式的潜在表现力进行结合的探索。

比安卡认为，文字的抽象性与图像的具象性并非对立，而是可以通过隐喻与象征的手法实现深度融合，共同构建起一个充满想象张力的艺术空间。这种将图像叙事与文字隐喻熔铸一体的创作方式，形成了独属于她的艺术语法。

马可鲁
Ma Kelu

马可鲁，1954年生于上海，成长于北京，是中国当代艺术重要的代表人物之一。从20世纪70年代的自然写生，到80年代初期迈向抽象，再到旅美时期的文化融合，以及近年来对绘画精神性的持续探索，他的创作始终保持着对艺术本质的深刻追问和极强的个人表达。

其作品被中国国家博物馆、英国泰特现代美术馆、广东美术馆、四川美术学院美术馆、元典美术馆、银川美术馆、中间美术馆、上海喜马拉雅美术馆、香港M+艺术博物馆、顺德和美术馆、美国高盛银行、德山艺术空间等海内外众多国际公共机构及私人收藏。

自2016年起，马可鲁开启了“啊打”系列的创作，这不仅是他近年来最为重要的创作线索之一，也标志着他的艺术进入了一个全新的阶段。该系列的诞生，源于他在2011年举办个人四十年回顾展后的深刻反思。面对过往作品中所呈现出的种种尝试与风格转换，以及那些积累其中的情绪与思想，马可鲁产生了对自身创作路径的疑问，也激发了重新出发的冲动。

与他早期对具象、抽象或文化符号的探索不同，“啊打”系列聚焦于“绘画动作”与“视觉呈现”之间的关系本身，尝试回到最本源的创作状态。这一系列中，他放弃对画面形式的控制，转而通过身体性、直觉性的动作来生成画面，使每一次创作都更接近一场当下的行为与精神的释放。“啊打”不仅是一次风格上的转折，更是一种态度的变化，它体现了艺术家在长期创作之后对“何为绘画”这一问题的重新思考与回应。

姚邦亮
Yao Bangliang

姚邦亮，出生于湖南郴州， 2015年毕业于广州美术学院，获硕士学位。 2023年第三届“智慧之手”中法工艺交流项目获奖者，并获前往巴黎访学交流。现工作生活于广州。

姚邦亮的漆艺作品，始终在尝试突破传统漆画的平面性，让大漆这一古老材料在当代空间中重新呼吸。他的创作不是简单的“物派”或“单色画”的延续，而是从东方美学的内在逻辑出发，让漆的质感、光的流动、空间的留白形成一种微妙的平衡。 漆的厚度：从平面到空间，传统漆画往往局限于二维画面，但姚邦亮的作品常常通过叠加、雕刻、打磨，让漆层本身成为空间的载体。作品中让漆面形成微妙的起伏，光线照射时，漆层之间的阴影会随着视角变化而流动，使静态的漆面产生动态的视觉体验。

煤球
Ryan Matthew Mitchell

Ryan Matthew Mitchell（中文名“煤球”）1978年出生于美国科罗拉多州丹佛市，Mitchell高中时期便对中国历史和宋明时期的艺术产生兴趣，尤其着迷于山水画中的自然意象（如固体与液体的交融、植物与水的柔美）。2007年首次来到中国后，他逐渐从早期抽象化、工业化的雕塑风格转向更具戏剧性的表达，试图通过历史素材解读当代中国社会的巨变。他的作品常以瓷土与陶土结合（瓷土捏合技法），从中国历史器物中提取线索，通过破碎重组的形式模仿自然，探讨人与自然的关系。他关注历史如何被重述，将陶瓷这一传统材料置于当代语境中，质疑文物脱离原始语境后的叙事重构现象，近年创作聚焦“自然的力量”，作品如山川、河流、动植物等常呈现破碎后重组的状态，灵感源于他在美国蒙大拿山区的生活经历及中国艺术家石涛“感受自然语言”的理念，展现从物质探索到抽象哲思的转变。

邵帆
Shao Fan

邵帆（字昱寒），1964年出生于北京艺术世家，自幼随父母学习绘画，毕业于北京工艺美术学校。他不仅是一位画家、雕塑家，还涉足设计、园林、建筑等多个领域，他的艺术创作跨越了传统与当代、东方与西方的界限，并以鲜明独特的观点贯穿始终，游走在雕塑、油画、水墨、家具、园林等艺术形式之间。

其作品从1988年始被世界许多美术馆收藏，如纽约大都会博物馆、美国皮博底博物馆、中国美术馆、英国维多利亚和阿尔伯特博物馆（V&A）、香港M＋美术馆、日本福冈美术馆等。

邵帆的家具设计不仅关注结构设计，还注重材料的选择和文化内涵的传递，通过解构和重组，将传统家具带入现代文化空间，形成独特的符号意义和文化象征。

邵帆认为，传统文化中的“老”具有永恒的真理性和生命力，能够帮助人们看清真相，获得自由。所以“审老”观念是一种独特的美学理念和艺术态度，是对传统文化的重新审视与追认，强调从古老的智慧和经验中寻找永恒的价值，并将其融入当代艺术创作中。

张周捷
Zhang Zhoujie

张周捷，1984 年出生于浙江宁波，工作生活于上海。数字艺术家、独立设计师，同济大学设计创意学院教授，中国美术学院创新设计学院客座教授。 自2010年创立张周捷数字实验室以来，一直是数字创作领域的先锋实践者。他的作品带有鲜明的独立性、实验性和未来性，探索数字形态的演化及制造。其作品在世界范围内被广泛展出，并被众多博物馆、画廊及私人收藏，获得了《Wallpaper*》、《纽约时报》、《CNN》等主流媒体的关注与报道。

张周捷认为，数字语境中的事物可 以像自然界万物般生长变化，他所做的即是寻找其中的原理和迹象。他的作品主要关注逻辑的极简性、结果的多样性和不可预见性，这一切都源自他对自然的理解。

刘小康
Freeman Lau

刘小康1958年出生于香港，香港设计师及艺术家。靳刘高设计合伙人、香港设计及创意产业总会主席、亚洲设计连副主席、香港理工大学设计学院院士、香港知专设计学院顾问委员会主席，曾任香港设计中心董事局副主席、香港贸易发展局原理事会成员、汕头大学长江艺术与设计学院学术顾问。光华龙腾奖中国设计贡献奖银质奖章获得者。2006年，获香港特别行政区政府颁授铜紫荆星章。

在从事设计的逾40年间，刘小康活跃于不同的创作领域，且皆有所成，所获荣誉多达300项。他的平面设计作品有着强烈的个人风格，尤其擅长使用中国文化元素、书法。他将书法与其个人创作符号--“椅子”相结合的《椅子书法》系列作品分别获得2010年香港国际海报三年展“评审大奖”和“铜奖”，以及2011年德国红点奖“传达设计大奖” 等大奖。

书法和椅子是刘小康生命中非常重要的两项创作元素。书法和椅子，似乎是难以调和的两个概念。书法是平面而椅子是立体；书法是虚而椅子是实。事实上，这虚实的概念足以教人茫然。书法真的是虚、椅子必然是实吗？书法一般都是实在的一个整体，反之，椅子却存在虚位，留待人们上坐。这两个概念之间存在着微妙的关系，亦是这种关系牵引着他。刘小康亦钟情于明式家具，渐渐将明式椅子与书法优美流畅的线条融合起来。我的书法椅子，无论用以观赏还是切实地坐在上面，都能体会到椅子和书法转动、流畅的感觉。

于洋
Yu Yang

于洋，1986年出生，河北沧州人，2011年天津美院本科毕业，2015年中央美术学院硕士毕业，2021年清华大学美术学院博士毕业，现河北师范大学教师，讲师，中国雕塑学会会员，河北美术家协会雕塑艺委会委员。

于洋的创作经历学院的写实教育背景后，开始转向用木头、金属、石头等生活中的终极材料去探究雕塑语言的可能性，并同时构建属于他的雕塑秩序。在进行物质二维和三维空间的穿梭转化的同时，不放弃物质精神力的表达。他的创作展现了绘画性、材料物性、客体制作、空间感知等等的形态特征，并力求以简约的品质呈现出对于现代艺术的反思和怀旧意味，走进了对于观众、材料和场域关系的探索，似乎具有了“实在主义”特质，而他在自己的创作中也在不断的思考雕塑的“现代性”如何才能隐喻东方的、亚洲的，乃至于中国本土的气质。

于洋的作品是在对传统美学观与方法论的背离中产生“去主流化”的思考与探索，对“物品的重置”，也是他迷茫、质疑、判断后的抉择！以摒弃传统雕塑的叙事性而追问雕塑的自律性，在对日常用品进行抽象性的再造与空间重置中，消解器物原初的功能属性，而在荒谬的重构中试图建立某种“器物精神”，进而逐渐剥离出情感、现场、物性三者共同作用的潜在力量。