前 言

在人工智能的浪潮又一次拍打堤岸的今天，“绘画已死”的论调如潮声般再次响起。回头看，从相机问世到数字革命，艺术——尤其是架上绘画——似乎总是被推向“穷途末路”的边缘。然而，危机像一面镜子，照出艺术的韧性：它始终活着，并以新的姿态继续生长。我们至今仍在谈论绘画，这本身就是一个值得追问的起点。

尤其在今天，算法已能生成无穷无尽的图像风格，为什么还有年轻人愿意画画？本次展览所聚焦的，是一群95后、00后的青年艺术家。他们成长于屏幕闪烁、代码流动的世界，却转身走向画布和颜料，用双手的温度与时间的痕迹，对抗虚拟世界的湍流。他们的创作，首先是一份私人的情感记录。在这个意义上，“他们还在画画”本身，就是一种无声的宣言：在技术的宏大叙事里，人的感受依然需要被身体、被双手诚恳地保存下来。

只是，艺术从来不止于画室之内的独白。当作品完成、走向公众，它就踏入了一个公共社会的复杂场域。这里有话语、有资本、有权力交织成的规则，有他人审视的目光，也有市场冷酷的估价逻辑。艺术家带着“眼泪”创作，但艺术圈未必相信“眼泪”。个人最珍贵的情感，进入公共领域后，往往面临被稀释、被误读，甚至被完全忽略的处境。我们常常听见这样的困惑：为什么有些看不太懂的作品被称为艺术？为什么它们能参展、能卖出高价？艺术家进入商业与学术共筑的体系后，最初那份纯粹的感受，似乎变得无足轻重。价格、名气、资源，成了更现实的通行证。

而我们，作为这个时代的亲历者与参与者，既理解创作之不易，也深知系统的复杂。我们或许无法立刻改变什么，但至少可以提出问题、展开对话——尤其在这个特别的时刻，我们的展览与成都双年展同期开幕。这像是一次机缘的并置，却也映照出一个清晰的镜像：那些代表权威、主流与学术认可的大型平台，与青年艺术家鲜活、野生甚至尚未被完全“规训”的创作之间，究竟存在多远的距离？他们要跨越的，除了才华，还有什么？

或许答案并不在今日，而在每一位依然选择提笔的青年艺术家的未来之中。