当代唐人艺术中心荣幸地宣布，将于2025年3月25日至5月10日在香港中环空间推出国际艺术家群展“仪式、创伤与寓言”。展览开幕酒会将于3月25日下午6-8点举办。

此次展览由陆向怡策划，展出​艾纽克·拉姆·艾纽克​（Anouk Lamm Anouk）、​乔纳斯·伯格特​（Jonas Burgert）、​吉格·克鲁斯​（Jigger Cruz）、​吉列尔莫·洛尔卡​（Guillermo Lorca）、​拉菲·纳佩​（Raffy Napay）、​冷广敏​、​埃德加·普兰斯​（Edgar Plans）、​罗德尔·塔帕雅​（Rodel Tapaya）、​禹国元​（Woo Kukwon）、许宏翔这十位艺术家的精彩绘画创作。

当代绘画在全球化与技术裂变中，不断经历物理与隐喻层面的暴力语法革命——从画布的物质撕裂到文化符号的冲突解构，再到身份叙事的破碎重组。这种革命绝非简单的美学姿态，而是艺术家们在文明断层带上发起的认知游击。此次群展选择了十位来自不同文化背景的艺术家，通过“仪式”“创伤”“寓言”三个视角，揭示绘画如何通过自我毁灭完成新生。聚焦他们对绘画物质性、文化身份及存在困境的激进探索，我们目睹的不仅是绘画媒介的自反性实验，更是对文明创口的诗性缝合。

在菲律宾艺术家​吉格·克鲁斯​（Jigger Cruz）的画布上，当色彩和线条缠斗不止、激情和活力共同作用，全新的图像就此产生，但同时也破坏了覆盖于颜料下方图像，呈现出仪式的圣洁感。他像一位后殖民时代的萨满，将巴洛克圣像的黄金与贫民窟的涂鸦喷漆混合，用火焰灼烧出信仰与身份的共犯结构。那些无逻辑的泼洒、刮擦、灼烧，实则是殖民暴力的拓扑学标本——破坏行为本身成为祛魅的当代仪式。

这种暴力语法在中国艺术家冷广敏手中转化为更隐秘的图像实验。他以理性的精确构筑完美，又以破坏暴露真实。通过反复地覆盖与刮刻，将绘画降维为“图形塑造”的工程，但刀痕的深浅、颜料的厚薄仍泄露创作时的呼吸节奏。作品里的“物”既是具体的，又是寓言性的；他的技法既是克制的，又是充满挑衅的。这种矛盾性，恰恰构成了其艺术的张力。

荷兰艺术家​艾纽克·拉姆·艾纽克​（Anouk Lamm Anouk）则将身体作为破坏的仪式。画面中的身体常以碎片化或融合形态出现，模糊主体边界，暗示身份的流动性。未打底的画布背面成为“未完成”的隐喻，以极简主义的克制包裹激进的社会议题，书写着边缘群体的生存诗学。

因对颜料过敏，​拉菲·纳佩​（Raffy Napay）用线和织物进行创作，以针为笔，将线和织物作为颜料，这种独特的材料选择使他的作品既有绘画的构图与表现力，又有织物的质感和纹理。缝纫动作本身成为创作仪式，针线的重复与修复暗示了对情感的疗愈，将个人记忆、文化身份与普世存在编织成网。

这种破环仪式超越了物理性，暴露出全球化的精神溃烂，人类正面临普遍的精神离散，展现出跨文化创伤的共时性表达。色彩的狂欢、人物的创变、时空的错位，构建了一个既令人不安又引人入胜的精神迷宫。德国艺术家​乔纳斯·伯格特​（Jonas Burgert）的作品以具象人物为核心，却赋予他们扭曲的躯体、奇异的服饰，如褶皱衣物、植物状叶片和戏剧化的姿态。肢体与丝带、植被相互交织，难以分辨生物与非生物的界限。

智利艺术家​吉列尔莫·洛尔卡​（Guillermo Lorca）的魔幻现实主义场景，则是拉美创伤记忆的炼金术实验室。在拉美艺术常被政治叙事主导的语境下，洛尔卡以私人化的超现实寓言开辟新径：他的艺术语言既是对古典巴洛克美学的致敬，也是对当代人精神困境的隐喻。在奢华与暴力、童真与异化的撕扯中，寻找“使我们远离虚无主义的精神空间”。这种融合了巴洛克灵魂与现代感性的创作，使他成为拉美具象艺术中极具辨识度的“造梦师”。

版画专业背景赋予中国艺术家许宏翔对材料的敏感。他以版画的步骤性驾驭材料实验，用图像的破碎抵抗信息洪流。每一道笔触的溢出、每一块铝片裂痕的创口，都是对时代的真诚回应。《等待的人》（2024）描绘的是两位游离于系统之外的个体，身体交错缠绕，身下螺旋状的草地图案密集而令人目眩。这幅作品捕捉了从工具理性的桎梏中短暂夺回人性领地的瞬间。

当创伤成为人类的共同基因，艺术家们也不约而同地选择用寓言寻找解药配方。寓言的重构是天真者的认知，韩国艺术家​禹国元​（Woo Kukwon）像是寓言的解构者与治愈的诗人。“加利利海”是以色列著名的淡水湖，在《马太福音》第八章末尾，耶稣在湖上平静风浪的神迹，不仅是地理坐标的转换，更是天国权柄的终极宣告。耶稣时代的加利利海，隐喻今日信徒的生存处境。经济压力、人际关系、信仰逼迫，皆如忽然起的暴风。艺术家将圣经故事、自创的童话人物与传统的日本“浮世绘”绘画风格相结合，将西方宗教巧妙且寓言式的融入本质上东方的美学中。

西班牙艺术家​埃德加·普兰斯​（Edgar Plans）的大眼小孩形象，构成展览中最具欺骗性的寓言形态。作品中反复出现大眼的拟人化动物形象，它们身着彩色头盔、手持工具，以稚拙的形象和饱满的色彩跃然于画布。在《水资源垄断者》（2024）这件作品中，艺术家描绘了一个水源被少数人垄断的星球，暗指一种激进的帝国资本主义。这些角色既是童年幻想的投射，也是艺术家对周遭社会的分享，和对权力话语的视觉解构。

菲律宾艺术家​罗德尔·塔帕雅​（Rodel Tapaya）的绘画既是“写给家乡的情书”，也是“给世界的寓言”。他拒绝猎奇式的“东方主义”，而是以菲律宾伊洛卡诺神话为棱镜，折射全球化时代的普遍困境：生态危机、身份焦虑与历史健忘。

当目光掠过吉格·克鲁斯画布上灼烧的焦痕，触碰到冷广敏刀刻下的颜料记忆，或是被禹国元画笔下加利利海的浪尖刺痛。这些被暴力淬炼过的画面，最终都化作了文明创口上的盐与蜜。十位艺术家以不同的方言，共同书写着同一个真理：绘画从未死去，它只是学会了在废墟中呼吸。那些撕裂的画布、重叠的图像、异化的躯体，何尝不是当代人的精神切片？当罗德尔·塔帕雅的神话生物在热带雨林中饮泣，埃德加·普兰斯用大眼小孩讽刺迷恋构建权利者，都指向了：所谓创伤的寓言，本质上是人向死而生的宣言。艺术家们没有沉溺于伤口的溃烂，而是在文明的缝隙处缝合起星图。

文/陆向怡

关于艺术家

​艾纽克·拉姆·艾纽克​（Anouk Lamm Anouk），1992年出生于奥地利维也纳。2021年，艾纽克荣获国际斯特拉巴格艺术奖主奖。艾纽克被列为奥地利最有影响力的三位年轻艺术家之一。

艾纽克·拉姆·艾纽克的艺术实践涵盖绘画、素描、雕塑、装置和写作。艾纽克的自我宣言声称：「无年龄、无性别、无出身」，或者如艾纽克所说：「我不是任何人，我什么都不是」——这源于艾纽克所信奉的禅宗。艾纽克的身份是跨性别且非二元的，因此，同时作为一名自闭症患者，摆脱来自规范社会的外在界定和标签对艾纽克来说至关重要——只有这样才能在没有分类和期望的暴力下看待和接触他人，做到真正的开放。

艾纽克绘画的起点是亚麻布原料，画布本身就至关重要。未涂色的亚麻布正面作为其作品一个有生命的部分，成为了连接多个系列作品的视觉元素。艾纽克的调色板有严格的限制，最常见的是泥土色，也有黑色和米白的色调；还原是关键。艾纽克的作品既有系列作品，也有独立的作品——有些画作是纯粹的抽象画，而另一些则以具象为主——所有这些作品都由独特的笔迹和笔触连接在一起。文字片段也是其创作实践的一部分。这些文字往往处理得不引人注目，有时需要观者去寻找，这个过程中往往能得出艾纽克提出的线索或问题。

艾纽克的个展包括：《从人类、马匹与猎犬出发》，Patricia Low Contemporary画廊，威尼斯，意大利，2024；《后/前女同志爵士乐》，弗劳恩博物馆，威斯巴登，德国，2023；《不同的寺庙视野》，König画廊，首尔，韩国，2023；《优雅与坟墓仅一字之差》, STRABAG艺术论坛，维也纳，奥地利，2022；《女同志爵士乐：阿尔卑斯山冥想》，Patricia Low Contemporary 画廊，格施塔德，瑞士，2022；《后/前女同志爵士乐》，萨赫酒店大理石厅，维也纳，奥地利，2021；《虚空是我的寺庙》，史瓦辛堡沙龙，维也纳，奥地利，2020等。

​乔纳斯·伯格特​（Jonas Burgert），1969年出生于柏林，德国；现生活及工作在柏林，德国。乔纳斯·伯格特于1996年毕业于德国柏林美术学院，并师从Dieter Hacker教授，攻读硕士学位。他每次提笔都会描绘出一个舞台：一笔一布景。伯格特的作品上演了无止境的戏剧，演出他认为人类存在的意义：理解自身的人生目标。这是一个似乎尚无定论的追求，但它打开了推理、想象和欲望等多个领域的大门。巨大的画布上挤满了不同比例、身穿服饰的幻想人物。鲜艳大胆的用色则为观众留下难以言喻的情感。

自1998年开始，伯格特的作品以参加群展的形式登上世界舞台，包括2003年在德国汉堡艺术馆举办《Geschichtenerzaehler》以及2006年在伦敦萨奇画廊举办的展览《Triumph of Painting Part VI 》。同年，他开始在世界各地的画廊及美术馆举办个人展览，包括《荒野之息》，当代唐人艺术中心，首尔，韩国，2024；《Stirn sticht》，DSC 画廊，布拉格，捷克共和国，2023；《ein Dorn weich: 近期绘画作品》，Stephen Ongpin Fine Art，伦敦，英国，2022；《raub und bleib》, Produzenten 画廊，汉堡，德国，2022；《绽放与谎言》，龙美术馆，上海，中国，2021；《暗线》，当代唐人艺术中心，北京，中国，2020；《 Ein Klang Lang 》，当代唐人艺术中心，香港，中国，2019等。

参与群展包括东京现代艺博会，当代唐人艺术中心，东京，日本，2024；《金色：28周年展》，当代唐人艺术中心，北京，中国，2024；《春展》，Galerie Thomas，慕尼黑，德国，2024；《艺术釜山》，釜山会展中心，釜山，韩国，2023；《Art Basel 艺术博览会》，香港会议展览中心，香港，中国，2023；《启封 展现 释放》，当代唐人艺术中心，首尔，韩国，2023；《花》，Choi&Choi 画廊，首尔，韩国，2022；《German Painting Now》，电报画廊，奥洛穆茨，捷克，2021；《Szene Berlin》，霍尔艺术基金会，德国，2020；《Kirchner·Richter·Burgert》，Collectors Room Berlin，Olbricht 基金会，德国，2019；《Where is the Madness You Promised Me》，哈德逊河河谷当代艺术美术馆，纽约州，美国，2019 等。

其作品被世界各地重要艺术机构收藏，包括上海龙美术馆，香港Burger Collection，美国丹佛大学美术馆，美国Rubell Family Art Collection以及日本Taguchi Art Collection等。

​吉格·克鲁斯​（Jigger Cruz），1984 年生于菲律宾，就读于菲律宾马尼拉远东大学并获美术学士学位，之后在圣贝尼杜德拉萨学院接受专业训练，后成为全职画家。现生活和工作在菲律宾马尼拉。

吉格·克鲁斯的艺术创作特色鲜明，他善于运用污损及破损等创意，以粗暴的方式将油彩与喷漆直接铺陈于画布之上，有时他还会灼烧甚至划破画布。他的每一件作品，都以他亲手临摹的弗兰德画派与后文艺复兴风格的名作作为基底；随后，再以显而易见缺乏逻辑性和计划性的方式，一层一层涂抹厚重油彩，隐去原来的古典风格图案，为作品增添几许神秘性。艺术家运用这种方式，透过艺术创作探索画布及其意义、过去与现在、具象和抽象之间的深刻关系。画布底层若隐若现的古典形貌，令观众想起绘画创作的艰辛历程，以及当代画家肩负的艺术历史包袱。

克鲁斯的作品颇受世界各地的国际拍卖行青睐，多次在菲律宾当地及世界各国举办个展并参与群展，作品在菲律宾、泰国、印度尼西亚、新加坡、日本、德国、瑞士、法国、意大利、奥地利和美国等地展出。个展包括《乌托邦的向往》，当代唐人艺术中心，香港，中国，2023；《范式陷阱》，当代唐人艺术中心，曼谷，泰国，2021；《在叙事和假纪念碑的景观中》，Artinformal 画廊，马尼拉，菲律宾， 2021；《走向彼岸的画面》，Albertz Benda 画廊，纽约，美国，2018，等。众多公共收藏机构都有他的作品，例如：美国科罗拉多州丹佛市的 Dikeou 收藏馆；美国纽约古根海姆博物馆；英国伦敦的 Saatchi 收藏馆；以及英国伦敦的扎布罗多维克茨收藏馆。

​吉列尔莫·洛尔卡​（Guillermo Lorca）是一位著名的智利古典油画家。他的早期画作曾在伦敦阿斯普里展览和智利最重要的博物馆举办的“永恒的生命”展览。如今，他正在与著名的行动主义者 Simon de Pury、艺术画廊和博物馆合作，其中大部分都集中在欧洲展出。

童年时，他收到一本浪漫主义画家古斯塔夫-多雷（Gustave Doré）绘制插图的童话故事书。他以此为灵感，创造了一个充满美丽、恐怖、欲望、恐惧、奢华、偏执和享乐的诡魅世界。如今，巨型的黄眼猫、天使般的女孩与未知的生物构成了洛尔卡鬼魅而感性的世界。

他独特的风格来自于对古代绘画大师技巧的学习，并受到文艺复兴和巴洛克时期的影响。他将魔幻和现实主义融为一体，创作出充满超现实叙事和梦幻般情节的大型油画。在他的每一个充满戏剧性的场景中，都蕴含着大自然与人类之间力量与竞争的黑暗平衡。“我的个性无疑是通过绘画来表达的。这是一次穿越我生命中无意识感觉的旅程。”（吉列尔莫·洛尔卡）

他的个展包括：2024“别室之光”，当代唐人艺术中心，首尔；2022-2023“夜晚的辉煌”，巴塞罗那MOCO博物馆；2019伦敦Asprey个展，伦敦；2019“会议”，El Tranque文化中心，智利圣地亚哥；2018“夜行动物”，GAM文化中心，智利圣地亚哥；2014“永生”，国家美术博物馆，智利圣地亚哥；2012“Casita de dulce”，Hilario Galguera画廊，墨西哥城；2010“潜伏中的绘画”，CCU美术馆，智利圣地亚哥；2007年“Diebushka”，Matthei画廊，智利圣地亚哥等。

​拉菲·纳佩​（Raffy Napay），1986年生于菲律宾马尼拉，2009年毕业于Eulogio Amang Rodriguez科学技术学院。纳佩最初的创作媒介是油画颜料，一直到他对这种媒介产生了不良过敏反应。在过敏恢复期间，他一边实验着其他材料的潜力，一边探索出使用家庭生活材料，如线和纺织品，作为创作材料的方法。他的母亲是一位裁缝，纳佩在成长过程中接触到了各种各样的线、棉和织物，这些材料激发出他的创造力，成为他进入全新艺术世界的坚实基础。此外，艺术家也意识到，创作的过程其实别无二致：无论是早期的概念成型，还是对作品的最后润色。如今他以针代笔、将线和织物作为颜料，面对画布时与之前绘画一样。他的创作既保持着真实也把玩着光影，有力地超越了绘画作品和挂毯织物之间直观的界限。

2013年，纳佩荣获著名的Ateneo艺术奖并成为当代艺术类别的获奖者，这也使得他从菲律宾各地艺术家中脱颖而出。该奖项为他提供在英国利物浦希望大学和新加坡Artesan Gallery +工作室的两个艺术家驻地项目。他已先后举办五次个展，比如2015年1月由Artesan画廊在Art Stage Singapore艺博会举办的个展，以及同年8月在Ateneo Art画廊举办的名为《庇护所》的个展。2015年10月，纳佩在意大利第十届佛罗伦萨国际当代艺术双年展获得了Il Lorenzo Magnifico国际艺术奖项的一等奖。

​冷广敏​，1986年出生于山东青州。作为80后绘画艺术家中的佼佼者，冷广敏早在天津美院油画系学习的时期就已然极为自觉的摸索出打破传统油画创作范式的个人化路径。与用颜料堆积的笔触相对，冷广敏以切割的动作在画面中打开全新的物理空间。切割既是他的创作手段，也是他对于艺术的态度，锋利、果决。冷广敏以相对恒定的绘画技法来不断解剖物质或图像，它们或许会由一定的线索牵引，却不曾存在某种可被精准概括的主题。冷广敏绘画最具魅力之处在于画面之中无处不在的由于对峙而形成的张力，是色彩上的对撞与互补，是材质上的平整与刮痕，是质感上的硬边与渐变，是结构上的负形与正形。冷广敏正是在以此提炼某种纷繁物象之下的内在秩序，一种极其抽象的唯有借物象以显形的不断流变中的状态。

重要个展包括：《垂直的伤口》，当代唐人艺术中心, 北京，中国（2024）; 《分割黄金》，南京艺术学院美术馆，南京，中国（2023）；《光，总在表面停留》，当代唐人艺术中心，香港，中国（2023）；《壳，仅如蝉翼一般》, MAHO KUBOTA GALLERY，东京，日本 (2023）；西岸博览会个人项目，上海，中国（2019）；《涟漪》, MAHO KUBOTA GALLERY，东京，日本（2018）；《完美破坏》, 蜂巢（北京）当代艺术中心，北京，中国（2017）； 《冷广敏》，蜂巢当代艺术中心，北京，中国（2014）； 《看见表象》, 蜂巢当代艺术中心，北京，中国（2013）等。

​埃德加·普兰斯​（Edgar Plans），1977年出生于西班牙马德里。2002年毕业于西班牙奥维耶多大学，获艺术史学位。现居住及工作于西班牙希洪。

埃德加·普兰斯被誉为最受欢迎的西班牙当代艺术家。获得奥维耶多大学艺术史学位后，他开始参加当地画廊的小型展览。如今，他的作品已在俄罗斯莫斯科MMOMA和中国日照潇美术馆等博物馆展出。他曾多次在VILLAZAN举办个展，并与贝浩登画廊合作，最近于香港艺术中心举办了个展。

埃德加·普兰斯将涂鸦、街头艺术、漫画书、插图和动画电影视为他的主要影响因素。然而，真正帮助这位艺术家赢得知名度并在西班牙多家画廊展出的，是他的人物形象，普兰斯称之为“小英雄”。他的作品在二级市场上的需求量很大，他的画作曾卖出六位数的高价。尽管普兰斯的画作色调鲜艳，具有卡通美学风格，但他的画作却涉及严肃的主题：他希望通过他的动物英雄来批判性别暴力、种族主义和嫉妒。

他的近期个展包括：“无畏之心”，当代唐人艺术中心，香港，2024；“在我的咖啡时间”，S2A美术馆，首尔，韩国，2023；“我的每日新闻”，Diario El Pais展位，马德里，西班牙，2023；“造夢者：埃德加·普兰斯个展”，潇当代美术馆，日照，中国，2023；Art Central 2023, VILLAZAN 画廊，香港，中国，2023；“GAME ON”全球巡迴香港站, 官方 NBA 75周年纪念全球巡展，香港，中国，2023；“绘画时间”，VILLAZAN画廊，马德里，西班牙，2022；“梦想和想要成为的自由”，莫斯科现代艺术美术馆，莫斯科，俄罗斯，2021；“艺术笔记”，VILLAZAN画廊，马德里，西班牙，2021；“旧日的法国文学”，阿尔敏·莱希画廊，巴黎，法国，2021等。

​罗德尔·塔帕雅​（Rodel Tapaya），1980年生于菲律宾，他的作品核心源于他的记忆和历史的框架内不断融合民间叙事和当代现实。利用各种媒体——从大型布面油画到探索玻璃下绘画、传统工艺品、立体模型和绘画，通过民间故事和对前殖民历史研究他重新观察这个世界，创造出具有他特色的异想天开的蒙太奇。

其个展包括：《双城记：奥斯卡·古塞尔与罗德尔·塔帕雅双个展》，当代唐人艺术中心，香港，中国（2023）；《随机数》，当代唐人艺术中心，香港，中国（2021）；《日月星辰在南国》，何香凝美术馆，深圳，中国（2020）；《神话与真理》，当代唐人艺术中心，北京，中国（2018）；《城市迷宫》，阿亚拉博物馆，马尼拉，菲律宾（2018）；《罗德尔·塔帕雅：来自菲律宾的新艺术》，澳洲国家博物馆，坎培拉，澳洲（2017）；《罗德尔·塔帕雅》，辛德尔芬根市美术馆德国（2016）等。

其部分群展包括：《艺文荟澳：澳门国际艺术双年展》，澳门，中国（2023）；《第十五届亚洲艺术节》，宁波美术馆，宁波，中国 (2017)；《未知领域》，Hilger BrotKunsthalle美术馆，维也纳，奥地利 (2017)；《激情与前进：菲律宾艺术》，新南威尔士美术馆，悉尼，澳洲；《第二十届悉尼双年展》，悉尼，澳洲 (2016)；《很久很久很久以前 - 菲律宾艺术百年之旅》，新加坡美术馆，新加坡(2009) 等。

他的作品得到众多国际美术馆及机构收藏，包括悉尼新南威尔士美术馆、澳洲国家美术馆、东京森美术馆、新加坡美术馆、菲律宾Bencab博物馆、菲律宾雅典耀美术馆、菲律宾Pinto美术馆以及菲律宾中央银行等。罗德尔·塔帕雅曾在诺基亚艺术奖中获得最高奖项；2011年，他获得了由新加坡艺术博物馆和新加坡APB基金会共同颁发的杰出艺术成就奖；2012年获得菲律宾文化中心艺术家奖。

​禹国元​（Woo Kukwon），1976年生于韩国首尔，2003年毕业于日本东京设计师学院，现工作和生活于首尔。

禹国元的作品专注于现实和幻想之间的差距；主要用油画以及纸上绘画和装置来创作。在小时候艺术家就接触到了生命与死亡这个沉重的话题，促使他躲避现实，进入充满幻想的童话世界。长大后，他渐渐发现美丽的童话故事背后隐藏的残酷，使他从一个新的角度重新了解世界，也启发他对于哲学和宗教研究。另一方面，禹国元的作品围绕“美丽”、“婴儿”、“美好”三个元素，并将其与死亡主题结合。现实与幻想之间的矛盾，驱使艺术家在童话中寻求真理，在哲学中寻求幽默，在圣经中寻求自由。

禹国元的早期作品主要由粗糙的划痕组成，表达了放荡自我的原始危险性。近年他的作品演变成一种更稳定的形式，通过厚厚的油漆层堆积成丰富的材质来表达。禹国元的作品将残酷的童话场景和粗略涂抹的名言与他自然的色彩天赋相结合，创造出一种混合了波普艺术和具象艺术的独特流派。

禹国元被选为韩国重要奖项之一的第32届 JoongAng 美术奖的20位艺术家之一。他的作品被韩国国立现代美术馆（MMCA）、首尔国立大学美术馆、科隆集团、日新文化基金会和LVMH基金会等多家重要美术馆和机构收藏。

部分个展包括：“宇宙无垠”，当代唐人艺术中心，首尔，2024；“从前的「她」”，当代唐人艺术中心，北京，2023；“嘉年华”，当代唐人艺术中心，香港，2022；“我是你的父亲”，Noblesse Collection空间，首尔，2021；“耶利米亚是个牛郎，乐天LOTTE Avenuel 空间，首尔，2020；“第三次的幸运”，BK艺术空间，首尔，2019；“Querencia”，PYO画廊，首尔，2018；“Art Plage”，乐天蚕室LOTTE Jamsil空间，首尔，2018等。部分群展包括：“Moa Invite”，首尔国立大学艺术博物馆，2011；“Korea Tomorrow”，首尔艺术中心，2013；“Story Shower”，Space K博物馆，2015等。

​许宏翔​，1984年出生于湖南长沙，2007毕业于中央美术学院版画系获学士学位，2011年毕业于中央美术学院版画系获硕士学位，现生活工作于北京。

许宏翔的艺术创作形式多围绕绘画展开，项目式带有叙事情节的组画和以风景为主的布面油画是他一直以来并行的两个创作方向。“图像”、“身体”以及“绘画与现实之间的关系”是其多年在多媒介绘画项目中探讨的主题，而那些使用大量浓郁色彩等具有强烈个人风格的架上绘画是那些主题的切片。

许宏翔部分个展和项目包括：“许宏翔：逍遥”（震旦博物馆，上海，2024）“许宏翔：新开铺、黑石铺、大托铺”（谢子龙影像艺术馆，长沙，2023）、“许宏翔：错图”（艺·凯旋画廊，北京，2022)、“许宏翔:热土野望”（湖北美术馆,武汉，2021）、“Xu Hongxiang: One Night while Hunting for Fearies”（LOFT8画廊，维也纳，2019)、“许宏翔：黑夜未至”(艺·凯旋画廊，北京，2018)、“洗牌 ParallelVienna 2018”（维也纳，2018)、“李强”（长沙，2016）、“下地”（长沙，2016)、“许宏翔个人作品展”（圣之空间艺术中心，北京，2014)。部分群展包括：“追随兔子：藏品概况及其在中国当代艺术中的反响”（列奥尼格美术馆，奥地利，2023)、“历史与现实 - 中国当代艺术展”（保加利亚国家美术馆，索菲亚，2018)、“视态之问”（广东美术馆，广州，2017）、“东方物语”（中国美术馆，北京，2017）、“向心力”（悉尼美术学院美术馆， 悉尼，2017）、“静置”（悉尼市政厅，悉尼，2014）。

关于策展人

​陆向怡​，1992年出生，策展人，当代唐人艺术中心展览部总监。策展工作围绕艺术家群体代际研究、艺术行业机制研究、虚拟艺术等方向，尤其关注于新兴艺术现象的研究与策划；致力于挖掘和推动年轻一代艺术力量。

策划的展览包括：“仪式、创伤与寓言”国际艺术家群展（2025）、“塔迪斯”方贤晨个展（2024）、“影的回音”吴晶玉个展（2024）、“光，总在表面停留”冷广敏个展（2023）、“库柏勒之躯”刘悠然个展（2023）、“野餐”侯佳男个展（2023）、“层叠之肤”国际年轻艺术家群展（2023）、“数字原始主义”高航个展（2023）、“氵”吴晶玉个展（2022）、“一片盛大的记忆”久事美术馆（2022）、“工具已验证”皆藤斋个展（2022）、“后我世代：如何书写年轻艺术家”（2022）、“武艺个展：心源日记”（2022）、“朱金石个展：意外美学”（2022）、“岳敏君个展：拈花一笑”（2022）、“间有闲时多云到阴”草场地春季艺术季（2022）、“记忆、戏谑与意识流”（2022）、“全球之歌”（2022）、“低烧的绘画”（2021)、“控制”李尔鹏个展（2021)、“今天的天实在是太蓝了”郭宇恒个展（2020）等，曾入围上海当代艺术博物馆“青策计划”（2018）。