赵文量与杨雨澍的自由世界

文：卢迎华

1979年7月9日，赵文量与杨雨澍十分敬仰的艺术家刘海粟借来京举办个人回顾展之际，前往北海公园画舫斋参观从7月7日开始内部观摩的无名画会作品展览。看完展后，他给予了高度的评价,还为画展题写了“无名画会”与“美在斯”两幅字。84岁高龄的刘海粟的到来和赞赏，给无名画会的成员们极大的鼓舞和信心。

刘海粟一直是赵文量仰慕的艺术家。1978年冬，刘海粟在中央工艺美术学院演讲，特地带着作品前去听讲的赵文量、杨雨澍和刘是等，上台去给刘海粟看自己的画。刘海粟以“心怦怦地跃动”来形容他看到这些画时的感受，“这是打破学院派老格式、别开生面的画。主题植根于对生活的爱，笔触充满着音乐的旋律感，粗狂中流露出深沉，生机蓬勃，那些稚嫩的地方也显得天真可爱，有理想，有潜力，有憧憬，有追求。”^1^ 他对画中的生活和情感产生了强烈的共鸣。他认可这些作品的语言：“他们的作品从中国画以少胜多，以情感驱使笔墨的优良传统中，找到了一往情深而又洗练的绘画语言。”^2^ 与此同时，他与他们的共鸣还有一部分原因是来自于他个人的经历。在此前艰难的条件下，刘海粟从未停止艺术探索的脚步，而是将写字、作画当作精神上的寄托。甚至在此期间通过反复琢磨，在中国画笔墨用法和意境的基础上，融合了油画的艺术效果，磨练出泼墨泼彩的新技法，实现了自己在艺术上的创新。此时，当他看到赵文量和杨雨澍等在充满禁忌险阻的年月中依旧排除万难坚持创作，并形成了自己不流俗的风格时，不免令他“如同一位白发斑斑的歌唱家坐在台下听完一支曲子努力给新秀鼓掌，一位老花匠用赞美的眼光看到一对青年花匠担着新品种去赶集那样”，击节称赏。^3^

当场有个女孩子发问道，“什么最美？”刘海粟脱口而出，“艺术，生活，人的情操！”并用笔为他们写了三个大字：“美在斯！”在刘海粟看来，“离开人的情操、艺术、社会生活与大自然，美就没有存身之地。”^4^ 跟文学一样，1960年代中至1970年代中的艺术也分裂为不同的部分。一个部分，是公开印发的作品，宣传画、漫画，歌颂领袖与宣扬革命主张的主题是这一时期艺术的主流；另一部分，则是隐在的，分散的，是当时艺术的“异质”力量。而无名画会的作品，正是表现了“异端”特征而处于“地下”状态。在红卫兵把老画家纷纷打成牛鬼蛇神，到处烧画的时候，他们正在远郊创作恬静优美的风景画。

离开展厅前，刘海粟不忘夸奖推动无名办展的刘迅。此时的刘迅任北京美术家协会书记处书记，1979年初他在无名成员之一石振宇家看到赵文量、杨雨澍、石振宇和韦海的画后，当即表示有可能为无名办展。从刘海粟到刘迅，都激赏了无名画会成员作品对“美”的表达。这是因为从1970年代末到1980年代初这一过渡期中，老艺术家们在经历了多年的政治磨难之后，出于对禁欲的逆反，纷纷以“美”为旗帜，意在争取艺术的“非政治化”和自由表达的权力。这也就是为什么刘海粟和刘迅，都不约而同地在无名画会成员的作品中发现了自然的美，艺术表达手法的美，更发现了心灵的美。在他们眼中，自然与美成为了心灵的内在背景。

1978年，在思想解放的背景下，“美学热”拉开序幕。各种美学书刊如雨后春笋，层出不穷，整个社会对美学倾注了极大的热情。在艺术实践中，从吴冠中力倡美的言行到印象派风景画和追求精致的线条组合与装饰化造型的装饰美，到将现实浪漫化的诗意美等等，共同构成了这一时期美术的主调，点燃了“美”这一时代精神的火花。

从劫难中复归的学院艺术家们在此时才有机会开启用优美的线条、斑斓的色彩、肆意的笔触和自在的抽象形式刻画风景、追求诗情画意的表达。相比之下，无名画会的艺术家们，特别是赵文量与杨雨澍，在整个六七十年代却能始终坚持画自己的画。这些创作经历和无法公开的作品是他们获得在情感、心智和艺术上超越现实的凭借。

作为赵文量杨雨澍艺术中心第八次围绕两位艺术家开展的研究展，“美在斯——赵文量与杨雨澍的自由世界”聚焦于两位艺术家在1970年代初至1980年代初用创作为自己建构的自由世界。目前我们所能找到的他们在这个时期的作品近300张，这是一个相当可观的数量，也再次印证了艺术对于他们是生存的重要构成这一事实。正如1979年为在画舫斋办展而成立无名画会时他们所写下的宣言，“贫困、疾病、打击、诽谤，一切在政治、经济、时间和精力上的不利都不能使我们动摇。”^5^

通过这些作品，我们既可以看到赵文量和杨雨澍之间密不可分的关系，也可以看到作为无名画会的核心人物的赵文量，因具有更成熟的心智、更复杂的思想，与更内敛的艺术控制力，而与更年轻一代的杨雨澍之间的区别。在一定程度上，这些区别也是赵文量与跟随着他画画的其他无名成员们的区别。赵文量出生于1937年，是无名画会中最年长的艺术家，他对无名的青年画家们诲人不倦，又善于因材施教，善于帮助后进发展自己的艺术个性，是位良师，也被友人誉为“学院外的义务教授”。刘海粟则认为赵文量是一位基本功扎实、技法老练、变化很多、感觉敏锐的画家。^6^ 赵文量在这个时期的两百多张画作充分展现了其多变和主动创作的高度自觉。这些以静物和风景写生为主的作品或非常写实，或非常写意，在充分感受了对象之后，或突然纵笔畅流，或画中突然收笔。他往往通过揉与擦的方式形成轻薄的画面语言，多以概括性的手法表现对象，用色高雅脱俗，神采兼得。在创作中，他注重主观体验和心理真实，讲究具实与象征的交融，结合意象与情绪，使作品走向一条向精神世界、心理本质以及生命理想境界拓深的道路，具有浓郁的象征主义色彩，是对当时创作语言和情感普遍性的粗糙倾向的一种自觉的偏移。

杨雨澍在艺术的理念上始终紧紧跟随赵文量。出生于1944年的杨雨澍比赵文量年轻7岁，是赵文量的第一位学生。在性格上，相比赵文量沉潜深邃的情感，杨雨澍更加直接外向，爱憎分明。他的画作也体现了这样的性格特点，明朗、简练、洒脱、艳丽，雍容舒展。在画面上，杨雨澍常用粗大刚健的笔触、明亮厚实的油彩和大面积的色块来表现对象。在学习油画之前学习国画的经历，使杨雨澍常用油画的语汇来表达国画的散点透视，书法线条之美，墨分七彩，大片留白。刘海粟将杨雨澍的画视为“大写意的油画”，其狂挥的短笔触令他忆起“凡高和特朗的味道”。

我们从赵文量杨雨澍在这个时期的数百张作品中挑选出60多张画作，展现了严苛年代中留存下来的微光，这些画面传导的是心灵的消息。在这十年间，美作为一个精神领域为两位艺术家支撑出一片个体的自由天地。他们通过花蕾、垂柳、鸽子、大海、小桥、长廊、晨曦、夜雾、日出、月夜等等意象，赞美自然，哀痛对美的毁灭、谴责专横残忍。赵文量和杨雨澍在不堪的年代从心灵出发，发现了风景、发现了诗情画意，描绘纯真美好的人与淳朴的生活，抒写温馨、感伤的情感，表现朴素、纯净的人性。^7^ 在这些画面中，作者和他们的描绘对象反复交流，精神得到高度契合，技法变成不惹人注目的角色潜入后台。沉酣凝蓄，意在弦外。这些心灵化的风景见证了艺术家在恶劣、严酷的环境中，保存自我，坚持独立的思想与创作的方式，“不懈地追求自由与自然，追求那古老而又永远年青的‘真、善、美’”。^8^ 这对今天的我们应该说具有启示的意义。

注释

1. 刘海粟：《美在斯——谈几位青年无名画家的创作》，《齐鲁谈艺录》，山东美术出版社出版1985版，第377-400页。
2. 同上。
3. 同上。
4. 同上。
5. 《无名画会宣言》，《新月——赵文量、杨雨澍回顾展》，北京中间美术馆2018年版，第191-192页。
6. 刘海粟：《美在斯——谈几位青年无名画家的创作》，《齐鲁谈艺录》，山东美术出版社出版1985版，第377-400页。
7. 高尔泰：《“无名画展”印象记》，《论美》，兰州甘肃人民出版社1982年版，第104-107页。
8. 《无名画会宣言》，《新月——赵文量、杨雨澍回顾展》，北京中间美术馆2018年版，第191-192页。

关于艺术家

赵文量

艺术家赵文量生于哈尔滨。1956年报考央美时创作了真正意义上的处女作《大树麦田》，但因评价当时绘画“千篇一律”而落榜。次年进入北京熙化美术补习学校正式开始学习油画，1959年与杨雨澍相识，并逐渐结识后来成为“无名画会”中坚力量的张达安、石振宇等人，常常相约一同绘画。在多地创作受阻后开始外出至玉渊潭公园等地写生，此即“玉渊潭画派”的起点，1979年为办展而更名为“无名画会”。之后的六年里赵文量一直照顾母亲，在母亲离世后近20年中多次远游写生。终其一生，赵文量一直坚持创作，以艺术为志业，直至2019年因病离世。

杨雨澍

艺术家杨雨澍生于北京，自小对绘画感兴趣，但因出身问题屡次被艺术学院拒之门外。1959年在北京熙化美术补习学校结识赵文量，并于1962年成为其第一个学生，开始了两人长达一生的友谊。1966年的“红八月”和“破四旧”等运动更加坚定了他持续创作的想法，参与组织了“无名画会”在1979年和1981年举办的两次公开展览，并于1980年代在友人家中举办多次非公开展览。1986年短暂的工作经历后，一直出游各地写生。