逸空间画廊荣幸地宣布群展「大地深处的呼吸」将于1月17日在逸空间（江宁）开幕，展览将展出李百舸，刘广隶，黎勤斌，松郎，徐浩洋，喻志冰洋，郑梓程7位艺术家近期全新创作。我们目睹了艺术的繁荣景象，它被展示、讨论和收藏。然而在光环之下，许多实践陷于对潮流的追随或对符号的消费，与后疫情时代复杂的社会情绪之间存在着微妙的脱节。至关重要的，或许是重建艺术与社会现实之间那道生动的呼吸。

展览前言

个体叙事即证据：

后疫情时代艺术群像的“地听”侧写

言说即是我们与遭受的废墟共存的方式。

当下的国内当代艺术，正处在喧哗与寂静交替的换季地带。上海与大湾区艺术季的余温尚未褪去，行业的视线已投向三月的香港巴塞尔。上海双年展同期启幕，在聚光灯下，中国当代艺术仿佛已稳固跻身全球体系的竞技场，被展示、讨论与交易。然而，在这种表面的“在场”背后，始终萦绕着一层身份上的暧昧：我们迎来的，究竟是真正的系统接入，抑或只是一场现象级的热闹，转眼便会被下一场观看盛宴取代？

资本不断涌入，其支持往往附着明确的意图——或成为某种被定向塑造的文化名片，或作为资产配置中一件高雅且流通的标的。[1]于是，一个根本的疑问随之浮现：在这些条件下生长出来的艺术，能否孕育出超越名利场的包装、超越那高悬的“精英中的精英”标签的真正创造？

而真正的创造，在今天还面临着另一种来自系统内部的消解。艺术界日渐形成一种闭环循环：由少数掌握话语权的机构、藏家与媒体，共同构筑起一套审美场域，界定何谓“值得关注”。新一代艺术家为获取可见度，不得不调适自身的语言与议题，去贴合那套被圈定的美学与话题清单。其结果，是艺术生产愈发趋近一场精巧的圈内游戏——作品或成为对国际潮流的遥远呼应，或是对传统符号的轻盈挪用，却在整体上回避了后疫情时代具体而沉重的现实：经济的波动、个体的困境、精神的失眠[2]。这种有意的疏离，令艺术与其所扎根的社会之间，呼吸变得愈发微弱。

因此，我们或许需要重新学习倾听另一种声音。它不来自舞台中央的宣告，而来自聚光灯尚未抵达的叙事深处，来自贴近生命本身的“呼吸”，来自如文学修辞般“换气”的隐喻。它们或许微弱，却如“翕动的嘴唇”，试图道出真实处境中那些晦暗未明的体验与预感。本次展览名《大地深处的呼吸》，便源自曼德尔施塔姆的诗句：“我躺在大地深处，嘴唇还在嚅动……[3]”在一个严酷的年代，正在失去自由的日子里，曼德尔施塔姆经历过迫害与流放，而他的诗却透出“空间、广度和一种更深沉的呼吸[4]”。今天，我们依然站在这片浸透着历史与矛盾的土地上，在阵阵喧哗与寂静交替之后，或许更需要找回那种贴近大地的、源自深处的呼吸，去触及“这个地区浸在黑水里”的现实之中，仅有的、坚硬的“一个海洋的核心”。

“个体叙事即证据[5]”——循此逻辑，每一件作品都可能成为一份关于现实存在的档案载体，记录着个体、社群与时代相互交缠的感知痕迹。这些碎片拼贴出更为立体的真实——不是单一宏大叙事，而是多声部的“低语”[6]。本次展览所关注的90后艺术家，正是这一面貌的地听者。作为数字时代的原住民，他们经历了从全球化的解体到后疫情时代的剧烈社会转型，他们的作品或许尚未被经典化，但在这个信息爆炸却意义贫乏的当下，他们尚未坠入风格的窠臼，也未被市场的喧哗吞没。他们正走向各自的深处，寻找自己的音节.......

松郎在《安塞尔提》系列中，将指甲剥墙皮这一无意识的重复手势，转化为身体在焦虑中的微小仪式。墙皮剥落后的残痕与女性蕾丝图案的有意重合，将私密的身体经验引向了公共的性别政治领域。作品以近乎生理性的直接，触碰了在泛政治化语境中，那些依旧被压抑、难以言说的集体创口。

徐浩洋在《Blue Horizon》与《Barefoot On the Beach》作品中，以高度电影化的构图与光线，塑造出对情感共同体的未来想象。通过对身体局部的聚焦与夏日海滨氛围的渲染，他营造出一个充满感官暗示却面部模糊的舞台。这种对胴体的迷恋与描绘，并非止于情欲，更映射了个体身份如何在被观看与欲望投射中逐渐溶解与重构。

喻志冰洋在《顶碗》与《拦路虎》作品中，将城市体验转化为一场漫游的游戏或表演性景观。他以马戏团这一古老场域为透镜，审视当下无处不在的“观看”权力。画面上反复涂抹与修改的痕迹，如同昏黄火把下投在墙上、不断变幻的探险者影子，隐喻出当代人在都市迷宫中的生存状态——既是表演者，也是自身命运的旁观者。

刘广隶在《第二次降临》的九屏影像中，将古埃及太阳神的陨落与埃隆·马斯克的星舰坠落并置，以技术的“降临”与“失事”隐喻文明的循环轮回。《如何将大海一分为二》则借摩西分开红海的圣经故事，探讨在大型科技企业构筑新信仰体系的今天，关于怀疑、信念与出路的当代寓言。他利用数字技术重组公共影像与虚拟素材，在真实与虚构的模糊地带，审视技术如何塑造我们对过去与未来的认知。

黎勤斌的创作聚焦于人类进化成神的永恒欲望。他的作品《潮》将构图溯源至波提切利的《维纳斯的诞生》，却把“创造”的权柄交付于“终极人造物”AI。他的工作方法是一种渐进式投喂：向机器输入其过往的作品，并在其中上演一场不断迭代、不断融合再生的进化过程。这一过程摹拟了从“神创”到“人造”直至“自动生成”的链条，戏剧化地揭示了人类潜意识中对“造神”的渴望。并最终指向一个悖论：被我们赋予智能的机器， 是否会悄然编写出迭代人类自身的新叙事？

郑梓程的绘画建构出个人与历史交织的私人影院。他以珠三角移民家族史为底色，让私密记忆与宏大叙事在画面中碰撞、妥协，上演充满张力的魔幻现实图景。在《靡靡》与《浅水湾》中，流行偶像邓丽君与作家张爱玲的经典姿势相遇；而《晚钟》则描绘了无名的第一代香港移民，身着白衬衫和军绿色长裤，抽烟伫立。通过拾取被大历史忽视的细节，在个体命运与时代浪潮的对照间，放映出九十年代以来社会转型的胶片。

李百舸的作品始终聚焦着个体与外在规训的处境与对峙。在《一号船》中，面布中间的背影身着现代蓑衣，立于对称而空寂的船头，构图令人联想到宣传画中的社会主义美学，而人物姿态却透露着一种背向的、沉静的出走。《数盲症》进一步深化了这一主题：画面消解了报道战争伤亡的记者面容，仅余一抹冷色调中的嘴唇，声音被痛苦吞噬。李百舸的画面常呈现出叠压与修改的质感，仿佛不断被覆盖的公共广告。在这种对集体视觉语言的反复涂写之下，一种试图逃离规训、确立自我的精神动作，被顽强地记录。

严峻峰

新年伊始写于金陵

1.鲍里斯·格洛伊斯（Boris Groys）在其著作《艺术力》中指出，艺术以两种方式被生产并呈现给公众：一种是作为商品的艺术，另一种是作为政治宣传工具的艺术。然而在当代艺术界，后者的功能却很少受到关注。
2.乔纳森·克拉里（Jonathan Crary）在其著作《24/7：晚期资本主义与睡眠的终结》指出，“在24/7的环境中 我们失去了做白日梦或任思绪游荡进行自我反省的能力......在全球资本主义文化造成的茫茫记忆荒漠里，图像成为可以被任意删除和丢弃的元素。但图像的触手可及、源源不断、从来没有完全被丢弃，造成了更扁平，更没有未来感的当下。”
3.[俄]奥西普·曼德尔施塔姆. 永存我的话语：曼德尔施塔姆沃罗涅日诗集[M]. 王家新,译.北京:北京联合出版公司,2024:41.
4.在《回忆曼德尔施塔姆》一文中，安娜·阿赫玛托娃写道：“从曼德尔施塔姆的诗中却透出了空间、广度和一种更深沉的呼吸：‘当我重新呼吸，你可以在我的声音里/听出大地，我的最后的武器……'”
5.“个体叙事即证据”这一视角，是对艺术家杨志麟在“失乐园”主题展（2025）中提出的“艺术即证据”理念的延伸与具体化。
6."低语" 这一概念源自帕斯卡尔・吉伦（Pascal Gielen）的著作《艺术大众的低语：全球艺术、政治与后福特主义》，指的是一种能够抵抗主流思想和意义泛滥的生活涌动，书中指出“今天的艺术界是一个充满矛盾意义的领域，这些意义不断相互矛盾、破坏和召唤。它确实是一种集体的视觉或听觉低语。”

关于艺术家

李百舸，1999年出生于中国湖南，生活并工作作于中国北京。2024年于中央美术学院取得版画硕士学位。2020年获得中央美术学院的版画学士学位，作品已被纳入千里行基金会、中国版画博物馆、中央美术学院美术馆、塞尔维亚展览馆等重要艺术机构、基金会及个人的收藏。李百舸善于在真实与虚幻之间建立一种“凝视的距离”。他通过版画式的图像转译、层层覆盖的绘画手法以及丰富的创作手段，将私人经验与影像记忆与精神经验交织在一起，形成一种诗性的现实主义，安静而深沉。画面如在背光处触手可及又隐匿的光影，如晃眼后残留的视觉，散落在画面的每个角落。

刘广隶，1990年生于湖南冷水江市，现工作、生活于巴黎。毕业于 Le Fresnoy法国国立当代艺术研究中心。刘广隶的创作通常在描述历史或事件不同方式的狭缝中吸取养分，最后在装置、视频、纪录片和绘画中找到它们自己该有的姿态，它们暗示我们对当下的理解是由信息媒介格式、预先存在的语言和社会规范所塑造的。它们或多或少以虚拟数字技术、图像和公共记录为材料，关注历史的书写模式、社会政治现实的描述框架和关于过去和未来图景的当代再制作。

黎勤斌，1996年生于中国安徽。2019 年本科毕业于中国美术学院油画系。2022 年硕士毕业于中国美术学院油画系。现工作生活于杭州、厦门。黎勤斌的创作关注进化与扩张这一生命的永恒欲望。其系列创作“天堂制造”从模仿神创世界的一般人造物，到隐喻与叙事的意义探索，再到终极人造物 AI 的自动创造，人类完成了“由人入神”的进化。而 ai 又将成为“新神”的子民被赋予生命，再次上演“机器成神”的进化历程。对未知与危险的探索与挑战指向的正是对于不断扩张的人类能力的向往。

松郎，1998年出生于江苏省徐州市，2020年本科毕业于西安美术学院实验艺术系，现生活工作于江苏。松郎的创作关注人与其生存空间的关系。她切身进入多种现实场景，通过对生活末枝的的异化来撬动惯常经验，打乱并重组日常规制，以精心营造的间离感或戏谑、或诗意地形成观念输出。

徐浩洋，1998年出生于山东烟台；2016年毕业于中央美术学院附中；2020年本科毕业于中央美术学院，同年保送央美油画系；2023 年硕士研究生毕业于中央美术学院；目前于澳门大学攻读博士学位。徐浩洋绘画，如凝练一段影像，捕捉和展现人性与情感中的灰色地带。其中包含了对人、事、物间游离关系的默想，呈现一幅基于现实而抽离现实的景象。这种静态的凝练随着被观看的过程逐渐流动显现，画面中亦真亦幻的色彩衍生出一种隐忍之下的张力：所触及的，总是人意识中那幽暗却柔软的内里。

喻志冰洋，1998年生于重庆，2021年毕业于四川美术学院版画系。喻志冰洋的作品围绕一个持续建构中的表演团体展开，画面常常停留在那些幕间的时刻，角色在剧目里悄然脱离情节，在这些不断生成的场景里，他并不试图确立一个完整世界，而是让观众在变形、暂停和谢幕中循环。
郑梓程，1990年出生于广东汕头，于2013年本科毕业于广州美术学院油画系，2016 年硕士毕业于广州美术学院油画系，2022年博士毕业于澳门科技大学，目前工作生活于广东广州。郑梓程长期关注南方家乡沿海地区近代以来的移民历史，近期作品基于家族离散故事展开对海洋、风俗、血缘的追溯和想象，引领观众徘徊于离去与归来的情感之间。在他的作品中带有地域性的元素被反复呈现，火焰、月亮、大海、防风林和造型各异的贡品等，被安排与虚设的地理空间、身体形象错置在同一个画面里，从而形成一种陌生的、疏离的叙事方式。

关于策展人

严峻峰，策展人、写作者、高校教师。其学术实践聚焦于全球化语境下的文化流动性研究，系统探索中国千禧一代、Z世代艺术家的创作生态与本土文化主体性建构。