当代唐人艺术中心荣幸地宣布，将于2月7日在香港黄竹坑空间推出欧洲艺术家群展“太阳从不同的地方照耀”，展览由杨慢慢策划。

来自欧洲不同世代的14 位艺术家，以各⾃的创作路径回应现实、记忆与想像。他们描绘的对象或许各不相同——⼈物、家庭、城市、神话、情绪与象征——但共同之处在于，绘画成为⼀种理解世界的缓慢过程。

“太阳从不同的地⽅照耀”指向的并不是差异本⾝，⽽是观看的位置。当观看的位置改变，光线的⽅向也随之改变，世界因此呈现出不同的层次与质地。

这场对光源⽅向的探索，不断挑战视觉认知的极限。冯·沃尔夫（Von Wolfe）以荒诞离奇的剧情和构图模糊了传统油画与AI 共创的界限，⽣成⼀个真假难辨的视界。相对应的，乔纳斯·伯格特（Jonas Burgert）对⼈类内在精神的挖掘。他构建了⼀个充满象征意义的微观世界，叙事主题如同⼀场场发⽣在末世边缘的战争，捕捉了⼈类灵魂中难以⾔喻的迷失、恐惧与挣扎。

在这种极致的内向探索中，马⾥内拉·塞纳托雷（Marinella Senatore）引⼊了集体的⼒量，她将“光”转化为⼀种社会性的媒介，将创作空间升华为共享的剧场。⽽亚历桑德罗·吉安尼（Alessandro Giannì）则利⽤拼贴技术在跨⽂化的符号堆叠中，试图寻找个⼈在当代社会中的座标。

随着叙事转向私密的情感维度，弗⾥达·万纳伯格（Frida Wannerberger）与爱丽丝·赫布斯特（Alice Herbst）展现了细腻的⾃传⾊彩。万纳伯格将⾝体与服饰转化為交流⼥性特质的感性⼯具，编织关于⾝份的情感传记；赫布斯特则透过对⽇常物件的冷静分解，重组⾃我观察的视野。在这种⾝份重构的过程中，阿明·勃姆（Armin Boehm）以⾼度密集的画⾯结构，回应当代社会中的焦虑与⽭盾。

这种对现实的剖析在展览中进⼀步演变为对符号与结构的深度再造。迈克尔·亚历⼭⼤·坎贝尔（Michael Alexander Campbell）从摄影中提炼结构，创作出⼀种处于“再现之前”的原始张⼒；瑞安·莫斯利（Ryan Mosley） 则创造了⼀个荒诞的⼈物剧场，探讨社会与家庭关系的变迁。阿莉莎·帕科斯（Alicja Pakosz）则更进⼀步提醒我们，请重新考虑那些看似理所当然的⾏为，这些⾏为和思想如何渗⼊⽂化，她从研究波兰传说与当地⼤众⽂化，将那些被忽视却已在⽇常⽣活中被正常化的⾏为定义成“平庸的⺠族主义符号”。

在绘画纯粹性的极致表达上，艾莉诺·庄逊（Eleanor Johnson）与吉莉安·艾尔斯（Gillian Ayres）展现了超越时间的对话。庄逊的⼈物在抽象与具象的云层间翩然起舞，带著古典⼤师壁画般的永恒与崇⾼；⽽艾尔斯则以⾼度饱满、具庆祝性质的⾊彩能量，将⾃然经验固化为视觉的庆典。最终，埃德加·普兰斯（Edgar Plans）与 HIMBAD 以街头艺术的直觉与反讽符号、流畅的涂鸦线条，他们两位幽默且带点反叛的灵魂，将这些宏大的叙事重新拉回当代生活的烟火气中。

当这些作品在同⼀个空间交汇时，我们看⾒了⼀场关于“绘画⾏为作为缓慢认知”的集体实践。这群艺术家在图像⽣成极其快速的AI时代，依然选择回归画布，⽤层叠的颜料去固化游离的思绪。冯·沃尔夫的视觉幻象、伯格特的末⽇焦虑、万纳伯格的情感传记，以及庄逊的空灵崇⾼，在空间中形成了强烈的互补张⼒。尽管每个艺术家的光源不同，但当这些光线交织在⼀起时，它们共同照亮了当代欧洲绘画那种既尊重传统、⼜勇于挑战现实的多元深度。

⽂/ 杨慢慢

关于艺术家

​吉莉安·艾尔斯​（Gillian Ayres）

吉莉安·艾尔斯于2011年荣获大英帝国爵级大十字勋章

​吉莉安·艾尔斯​，英国抽象抽象画家先驱，1930年生于英国伦敦，2018年逝世于英格兰北德文郡。1989年，她入围了全球顶级视觉艺术大奖——透纳奖，并于1991年当选为英国皇家艺术院院士。2011年，艾尔斯被授予大英帝国爵级大十字勋章。《纽约时报》、《英国卫报》、《金融时报》、《独立报》等国际重要媒体曾为她撰写评论文章。

在伦敦圣保罗女子学校就读期间，艾尔斯在周末教授战争轰炸下的斯特普尼儿童美术。1946年，年仅16岁的她入读坎伯威尔艺术与工艺学校。艾尔斯于1949年参加年轻当代艺术家展，1951年参加伦敦艺术团体展。她的第一次个展于1956年在伦敦的一画廊举行。次年，她受委托为南汉普斯特德女子高中创作一幅大型壁画。1963年，她的画作被纳入白教堂艺术画廊开创性的展览《60年代英国画作》。除了她最为人知的色彩鲜艳、艺术效果丰富的画布外，她还是一位专注的版画家。

她的作品被世界各地的主要博物馆珍藏，包括：纽约现代艺术博物馆；伦敦大英博物馆；伦敦泰特美术馆；伦敦艺术委员会；伦敦维多利亚与阿尔伯特博物馆；利物浦沃克美术馆；贝尔法斯特奥斯特博物馆；卡迪夫威尔士国家博物馆；波士顿美术馆；耶鲁英国艺术中心；里斯本高卢本基安基金会；堪培拉澳大利亚国家美术馆；巴西利亚现代艺术博物馆等。

艾尔斯的个人作品展览曾在多个重要场馆举办，包括：香港当代唐人艺术中心（2025）；北京中央美术学院美术馆（2017年）；威尔士国家博物馆，卡迪夫（2017年）；南安普顿市立美术馆（2005年）；伦敦皇家艺术学院（1997年）；曼彻斯特市美术馆（1993年）；伦敦蛇形美术馆（1983年）；牛津现代艺术博物馆（1981年）；剑桥凯特尔院子博物馆（1978年）和布里斯托尔阿诺芬尼画廊（1964年）等。

她的公共收藏还包括美国加利福尼亚州橙县艺术博物馆、美国俄亥俄州克利夫兰艺术博物馆、美国密苏里州坎萨斯城现代艺术博物馆、德国汉堡美术馆、德国杜塞尔多夫艺术博物馆、德国柏林国家美术馆、挪威奥斯陆阿斯特鲁普·费尔内利现代艺术博物馆、丹麦路易莎现代艺术博物馆、西班牙马德里皇后索菲亚国家艺术博物馆、巴西利亚现代艺术博物馆、荷兰阿姆斯特丹斯泰德尔美术馆、苏格兰现代艺术国家美术馆、英国曼彻斯特惠特沃思美术馆、耶鲁英国艺术中心等。

阿明·勃姆（Armin Boehm）

阿明·勃姆，1972年生于德国亚琛，现生活工作于柏林。1995年至2001年师从康拉德·克拉菲克(Konrad Klapheck)和约尔格·伊门多夫(Jörg Immendorff)于杜塞尔多夫艺术学院。1998年获德国国民学术基金会资助。2001年获杜塞尔多夫艺术学院资助，驻留巴黎国际艺术城。

阿明·勃姆的作品对场景进行了极为复杂与深入的描绘，不论在内部叙事还是外在构图上，都无比真实地捕捉到了现代社会的现实情况。艺术家的作品中融合了多层次拼贴和丰富图案，将观者迅速带进一个充满赛博格、政治家和鲜花的奇幻城市宇宙中。

作品中错综复杂的碎片化表面反映了现代生活中裹挟我们的精神裂痕，并呈现大家日常生活中都要面对的“现实”所包含的多个层次。与二十世纪初德国表现主义对当时技术创新结果进行的探讨相呼应，阿明·勃姆也敏锐洞察到了世界的现状，即现代社会中精神与道德的变化是由现代技术以及控制这些技术的少数权势者所主导。

阿明·勃姆的作品中贯穿着一种挥之不去的焦虑感。“我们最近的生活正在被未经深究的积极性所支配”，这位艺术家如此说道。在当前这个网络点赞量越来越重要的时代，艺术家主张不要压抑自己生活中的焦虑和悲观，这样才能让精神不断趋于稳定。

他在欧洲和亚洲多次举办个展，包括“盛宴，克制的欢愉”（当代唐人艺术中心，新加坡，2024），“欲望，焦虑，痛苦，狂喜”（国王画廊，柏林，2024），“眼睛告诉我” （Francesca Minini，米兰，2024），“作为意志和表象的世界”(狮语画廊，上海，2023)，“滚动在路上的眼睛”（Peter Kilchmann画廊，苏黎世，瑞士，2022），“从晦暗到黑夜”（Choi&Choi画廊，首尔，2022），“Wider die Zumutungen der Gegenwart”（Anita Beckers当代艺术与项目画廊，美因河畔法兰克福，2021），“夜间咖啡厅” (Hans Alf 画廊，哥本哈根，2021），“Auf der Wunde hält die Farbe nicht”（Meyer Riegger画廊，柏林，2020），“激进存在”（Meyer Riegger画廊，卡尔斯鲁厄，2019），“北”（Hans Alf画廊，哥本哈根，丹麦，2019）等。

迈克尔·亚历山大·坎贝尔（Michael Alexander Campbell）

迈克尔·亚历山大·坎贝尔，1999年生于英国，成长于瑞士。他在英格兰的兰卡斯特大学学习，获得了荣誉美术学士学位，并在纽约完成了一年的学徒训练，师从著名艺术家朱利安·施纳贝尔。

在创作实践中，坎贝尔创作的大型油画处于再现之前的时刻。他从摄影图像中汲取灵感，通过扭曲原始图像，保留其基本结构，提炼出本质的形状、节奏和构图张力。留存下来的，是一种继承的结构——一种摆脱主题负担的图像回响，在这种结构中，叙事超越了其立即形式，类似于那些随着角色变化而持续存在的神话。

他的作品以生动、时而近乎迷幻的色彩运用为标志，创造出沉浸式和富有表现力的视觉体验，同时与细致的古典画笔法相共存。结果是一个同时原始而精致的作品系列。

乔纳斯‧伯格特 (Jonas Burgert)

乔纳斯‧伯格特，1969年出生于德国柏林。他于1996年毕业于德国柏林美术学院，后师从Dieter Hacker教授，攻读硕士学位(Meisterschueler)。他每次提笔都会描绘出一个舞台：一笔一布景。巨大的画布上挤满了不同比例的幻想人物，作品上演一幕幕永无止境的戏剧，展现伯格特对人类存在的认知：理解自身存在的人生目标。这是一个似乎尚无定论的追求，但打开了推理、想像和欲望等多个领域的大门。

自2006年起，伯格特开始在世界各地的美术馆及画廊举办个人展览，包括2021年上海龙美术馆的“绽放与谎言”，2020年德国Arp博物馆的“Sinn Frisst” 和北京当代唐人艺术中心的 “暗线”；2017年意大利博洛尼亚现代艺术博物馆的 “Lotsucht”；2013年德国汉诺威凯斯特纳协会展览馆的 “Schutt und Futter”；2010至2011年德国图宾根艺术馆举办的 “Jonas Burgert: Lebendversuch”；2010德国汉堡Produzentengalerie的 “Jonas Burgert” 等。

伯格特的作品也曾参加过多个机构的群展，包括2017年维也纳美术学院美术馆的 “博斯&伯格特” 和日本群马县现代艺术博物馆田口艺术收藏馆的 “新千年的艺术” ；2011年德国鲁尔米尔海姆博物馆的 “Schach”；2008年美国丹佛当代艺术博物馆的 “Zweiter Tag Nichts” ；2005年在德国汉堡艺术馆举办的 “Geschichtenerzaehler” 等。其作品被世界各地重要艺术机构收藏，包括上海龙美术馆，美国丹佛大学美术馆，以及日本Taguchi Art Collection等。

亚历桑德罗·吉安尼（Alessandro Giannì）

亚历桑德罗·吉安尼，1989年出⽣于罗马意⼤利。

他的创作⽅式包括从网络上收集美学碎⽚，并试图给它们⼀个新的存在形式。他的实践涉及绘画的类⽐与新媒体、互联网和数字⽂化相融合，研究数字宇宙、平⾏宇宙和⼈类梦幻般的内省世界之间的联系。在他的研究中，包含不同类型的作品，既有传统性质（绘画和雕塑），也有技术性质（AI、VR、视频、动画、3D 打印）。2019年，亚历⼭德罗创造了「VASARI」，这是⼀种⼈⼯智能，能够模仿他的创作和⽣产概念的过程，并帮助他创作草图。2020年，他成为 Spaziomensa 的创始⼈之⼀，这是⼀个旨在提升罗⻢艺术氛围的艺术家运营空间。除此之外，他还在第73届威尼斯电影双年展上担任 EGH（⼀个由恩⾥科·盖兹和埃⽶利亚诺·蒙塔纳⾥合作的项⽬）的艺术总监。

亚历桑德罗·吉安尼的展览包括：《亚历桑德罗·吉安尼：多重虚幻》，当代唐⼈艺术中⼼，香港，中国，2025；《亚历桑德罗·吉安尼：冲破⿊暗》，当代唐⼈艺术中⼼，曼⾕，泰国，2023；《DUE TO THE IMAGE》，Postmasters 画廊，纽约，美国，2023；《Frammenti da lontano》，Galleria Mazzoli，莫德纳，意⼤利，2023；《竞赛#3》，与克⾥斯塔洛、斯特鲁图拉共同举办三⼈展览，奥德斯卡契宫，罗马，意⼤利，2022；《后我世代：如何书写年轻艺术家》, 当代唐⼈艺术中⼼, 北京，中国，2022；《全球之歌》, 当代唐⼈艺术中⼼, ⾹港，中国，2022；《失语》，当代唐⼈艺术中⼼，⾹港，中国，2021；《源于图像》个展，Postmaster 画廊，纽约，美国，2021；《II》与卢卢·努蒂共同举办双⼈展览，Spaziomensa，罗马，意⼤利，2021；《Questa Razza Di Diavoli Non Conosce Regole! 》，制汇嘉年华，《时代的启示》，由洛伦佐·吉⼽蒂策划，AlbumArte 协会，罗马，意⼤利，2019；《Messincéna》，由 Numero Cromatico 策划，Pastificio Cerere 基⾦会，罗马，意⼤利，2019。

HIMBAD

HIMBAD，1983年出生于英国伦敦，毕业于英国中央圣马丁学院。HIMBAD在伦敦的街头以涂鸦艺术家的身份开始了他的艺术之旅。多年来，他成为一位备受推崇的当代艺术家，以他独特的风格和引人入胜的视觉叙事而受到赞扬。他的艺术作品成为一个批判的平台，挑战社会常规并引发对话。

除了街头艺术之外，艺术家还在他的工作室创作中探索了各种媒材，包括绘画、雕塑和装置艺术。他的多样性体现在他能够适应不同形式的艺术视野上。他的作品受到凯尔特神话、埃及传说和东方神话等主题的启发，融入了他独特的幽默感，通常以鲜明的色彩、精致的图案和动态的构图为特点，展现了他敏锐的美学感和故事讲述的能力。

2015年，伦敦泰特现代美术馆展出了HIMBAD的作品，此后他一直积极参与涂鸦艺术创作，每年在世界各地举办展览。他的作品遍布世界各地，包括纽约、迈阿密、伦敦、伊比沙群岛、柏林、中东、巴基斯坦、东京、曼谷、北京、上海、长沙和杭州。除了涂鸦艺术，他还参与了若干时尚与音乐领域的跨界项目。

爱丽丝·赫布斯特（Alice Herbst）

爱丽丝·赫布​斯特1993年出生于​瑞典，是⼀位常驻斯德哥尔摩的艺术家。童年时期她频繁迁徙，最终回到斯德哥尔摩就读于斯德哥尔摩艺术学院，并于2017年毕业于格勒斯堡美术学院。完成学业后不久，赫布斯特便受邀前往意⼤利⻢拉内罗的法拉利设计中⼼（Ferrari Design Center）举办讲座，以表彰其卓越的艺术视野。

赫布斯特的创作以具象绘画为核⼼，独特地融合了抽象与写实。她常常以⽇常材料（如纸板、纸张和布料）制作道具，并将其置⼊画⾯中，以赋予绘画空间与氛围上的⽣动感。她如同舞台设计师⼀般，精⼼编排这些物件，引导观者在其中想象展开的叙事。诸如纸板制成的餐边柜或被压扁的茶杯等熟悉之物，通过意想不到的材质转化⽽获得新⽣，有时逼真地模仿真实质感，有时则强调平⾯性或⼈⼯痕迹，从⽽邀请观者在其中发现⾃我理解。她对服饰图案和⾊彩搭配的敏锐关注贯穿于作品之中，并不时将⾃⾝置⼊画⾯，化⾝为新的⻆⾊。通过这些⽅式，赫布斯特不断探索材料的转化与⾝份的流动性。

赫布斯特的作品曾在国际范围展出，并被世界各地的收藏机构收藏 ， 其中包括享有盛誉的意⼤利玛拉莫蒂收藏（Collezione Maramotti）。在成为艺术家之前，她曾是⼀名职业模特，并登上《Harper’s Bazaar》《L’Officiel》及 BBC等国际媒体。她⽬前⽣活和⼯作在斯德哥尔摩，持续拓展具象绘画的边界，并挑战当代艺术中的传统观念。

艾莉诺·庄逊（Eleanor Johnson）

艾莉诺·庄逊1994年生于英国，毕业于伦敦大学学院(University College London,UCL)艺术史专业(学士)，并获得伦敦艺术学院(City& Guilds of London Art School)美术硕士学位。2019年，她赴意大利布雷西亚的蒙蒂宫(Palazzo Monti)驻留两个月；2025年，她荣获杰克逊艺术奖(Jacksons ArtPrize)一等奖。目前，她生活和工作于英国牛津郡。

艾莉诺·庄逊的绘画以大尺幅画布与强烈的笔触著称，将古典语汇与当代图像融为一体。她早期在意大利与法国接触古典大师的绘画与雕塑，并多次造访伦敦国家美术馆中的纪念性作品，这些经历奠定了她的视觉语言基础。她的技法通过观摩并临摹大师传统逐步形成，从鲁本斯(Rubens)到马蒂斯(Matisse)，皆成为其养分。她常以安尼巴莱·卡拉奇(Annibale Carracci)或尼古拉·普桑(Nicolas Poussin)的色彩为起点，继而叠加来自互联网的当代图像。作品多以神话或童话中的人物与氛围为起点，逐层构建复杂的画面，邀请观者长时间凝视与解读。巴洛克艺术的繁复与幻想特质，对她的绘画感性有着深刻影响。

近年来，艾莉诺·庄逊意识到自身视觉感知的独特性:由于双眼视觉条件的限制，她对世界的感知更像是重叠的平面，而非三维深度·这种视觉特质塑造了她作品的平面化与梦幻氛围，画中人物常被置于同一平面之上。她将这一经验延展为“非稳定感知“的主题，力图捕捉现实在清晰与消解之间的摇摆-仿佛徘徊于清醒与梦境的临界点。

艾莉诺·庄逊的作品已被英国、美国、欧洲、亚洲、非洲及南美洲的私人和机构收藏。其将古典与当代神话与感知交织的创作实践，已在艺术界与艺术市场获得了广泛认可。

瑞安·莫斯利（Ryan Mosley）

瑞安·莫斯利1980年生于英格兰切斯特菲尔德，现居谢菲尔德并进行创作。

瑞安·莫斯利是一位叙事画家，他使用图像线索——从胡须到砖墙再到高顶礼帽——作为艺术历史参考、阶级评论和纯形式主义的触发点。自2020年起，莫斯利由乔什·利莱画廊代理，此时距离他在画廊首展已有11年，在此十年间，他曾在伦敦的阿莉森·雅克斯画廊、安特卫普的蒂姆·范·拉尔画廊，以及柏林和莱比锡的EIGEN + ART画廊举办多次个展。他还参加了2020年春季在怀特查佩尔画廊举办的重要具象画展《激进人物》。

阿莉莎·帕科斯（Alicja Pakosz）

阿利采·帕科什，1996年生于波兰，现居克拉科夫。毕业于克拉科夫美术学院，并于2018年短暂学习于纽伦堡美术学院。她目前在克拉科夫教育大学的博士生项目中攻读学。通过她幽默的绘画、装置和大型立体场景，探索集体记忆与历史之间的裂缝，并在民族主义和身份政治的矩阵中可视化记忆政治的变化。她曾在安特卫普的Office Baroque（2023年）、华沙的Galeria Raster（2023年）、波兹南的Pani Domu（2023年）、比图姆的CSW Kronika（2022年）及克拉科夫的Galeria Piana（2021年）举办个人展览。

埃德加·普兰斯（Edgar Plans）

埃德加·普兰斯，1977年出生于西班牙马德里。2002年毕业于西班牙奥维耶多大学，获艺术史学位。现居住及工作于西班牙希洪。

埃德加·普兰斯被誉为最受欢迎的西班牙当代艺术家。获得奥维耶多大学艺术史学位后，他开始参加当地画廊的小型展览。如今，他的作品已在俄罗斯莫斯科MMOMA和中国日照潇美术馆等博物馆展出。他曾多次在VILLAZAN举办个展，并与贝浩登画廊合作，最近于香港艺术中心举办了个展。

埃德加·普兰斯将涂鸦、街头艺术、漫画书、插图和动画电影视为他的主要影响因素。然而，真正帮助这位艺术家赢得知名度并在西班牙多家画廊展出的，是他的人物形象，普兰斯称之为“小英雄”。他的作品在二级市场上的需求量很大，他的画作曾卖出六位数的高价。尽管普兰斯的画作色调鲜艳，具有卡通美学风格，但他的画作却涉及严肃的主题：他希望通过他的动物英雄来批判性别暴力、种族主义和嫉妒。

他的近期个展包括：“无畏之心”，当代唐人艺术中心，香港，中国，2024；“在我的咖啡时间”，S2A美术馆，首尔，韩国，2023；“我的每日新闻”，Diario El Pais展位，马德里，西班牙，2023；“造夢者：埃德加·普兰斯个展”，潇当代美术馆，日照，中国，2023；Art Central 2023, VILLAZAN 画廊，香港，中国，2023；“GAME ON”全球巡回香港站, 官方 NBA 75周年纪念全球巡展，香港，中国，2023；“绘画时间”，VILLAZAN画廊，马德里，西班牙，2022；“梦想和想要成为的自由”，莫斯科现代艺术美术馆，莫斯科，俄罗斯，2021；“艺术笔记”，VILLAZAN画廊，马德里，西班牙，2021；“旧日的法国文学”，阿尔敏·莱希画廊，巴黎，法国，2021等。

马里内拉·塞纳托雷（Marinella Senatore）

马里内拉·塞纳托雷（Marinella Senatore），1977年出生于意大利南部城市卡瓦·德·蒂伦，跨领域艺术家，接受过音乐、美术和电影的训练。她的创作实践以强烈的集体性和参与性为特征，既作为方法也作为内容，将严谨的美学研究与社会参与的变革力量相结合。通过运用传统与民间语言形式，包括流行文化、舞蹈、音乐、大型活动，马里内拉反思集体的形成及其文化和仪式性，以及推动社会更新的可能性，创造出交流分享的时刻与场地。马里内拉的作品基于对潜在元素的无限包容：她的方法结合周围的语境，将艺术作品成为功能性结构，并通过多种媒介，如灯光装置、拼贴、纺织品和表演，来创造新的氛围。

2012年，马里内拉·塞纳托雷创立了SOND（“叙事舞蹈学校”），这是一所游牧式、免费且非等级制的学校，提倡基于解放、赋权与自我教育的替代性教育体系。通过SOND，艺术家创建了平台，邀请非专业社区成员参与特定场地的集体动作和叙事活动，这些活动与公共节庆的集体仪式相呼应。该学校的活动根据举办空间而有所不同：在十年间，这些活动已在超过23个国家举行，涉及约800万人。

马里内拉·塞纳托雷的作品曾在世界各大国际机构展出，包括2025年瑞士巴塞尔艺术展，伦敦海沃德美术馆/南岸中心，巴黎蓬皮杜艺术中心，苏黎世艺术馆，纽约高线公园，巴黎东京宫，法兰克福施尔恩艺术馆，苏黎世艺术馆，蒙特利尔当代艺术博物馆，上海明珠美术馆，斯德哥尔摩现代美术馆，蛇形画廊，芝加哥当代艺术博物馆，布鲁塞尔博扎尔，圣加仑艺术馆，萨尔茨堡现代艺术博物馆，罗马国家现代艺术博物馆，阿肯色州贝顿维尔的FORMAT艺术节，都灵Kappa未来艺术节，罗马维洛博尔盖塞，米兰二十世纪博物馆，佛罗伦萨斯特罗齐宫基金会，那不勒斯母亲博物馆，威尼斯格拉西宫，佩奇奥利M.A.C.C.A.，特拉维夫当代艺术中心等。

马里内拉·塞纳托雷曾参与诸多当代艺术双年展，包括第54届威尼斯双年展，圣保罗双年展，里昂双年展，萨洛尼卡双年展，利物浦双年展，雅典双年展，哈瓦那双年展，哥德堡双年展，昆卡双年展，普纳双年展，南蒂罗尔双年展，曼谷双年展，欧洲当代艺术双年展，马尼菲斯塔艺术展等。

马里内拉·塞纳托雷曾获得国际上的各种奖项：杜卡迪艺术奖（2025），Lio艺术奖（2023），阿卡西娅奖（ACACiA）（2021），Cantica21意大利当代艺术奖，第四届和第七届意大利理事会奖，伊夫林奖，艺术资助——德累斯顿艺术与音乐基金会（2017），MAXXI 和 AMAC（意大利当代艺术博物馆协会）奖（2014），里沃利城堡奖学金（2013），罗马美国学院奖学金（2012），特尔纳（2010），德纳当代艺术基金会奖学金（2009）等。

弗里达·万纳伯格 (Frida Wannerberger)

弗里达·万纳伯格，1989年生于瑞典。弗里达在中央圣马丁艺术与设计学院获得学士学位，此后，出于对“衣着”的兴趣，她创作了一系列作品。弗里达致力于探索男女之间的权力动态，人改变既认身份的能力则是至关重要的主题。在皇家艺术学院攻读绘画硕士学位期间，弗里达以《爱丽丝梦游仙境》等经典作品与当代权威后女性主义文化为素材，继续探讨顺从和主体之间的并置关系。正是在皇家艺术学院，弗里达尝试了不同的尺度，带来了一系列探讨形象与表征的新作品。

她的作品是在当代背景下的女性及少女时代中融入自我观测下的思考。在她的肖像作品中，飘渺的女性形象身着华丽服饰，让观众随心所欲地解读她作品中的女性特质，同时也将身体转变为交流想法的工具。艺术家的生活是最有影响力的视觉来源，她的生活也将她的绘画变成了围绕身份和机构主导的象征主义及视觉线索的情感传记故事。

弗里达·万纳伯格曾在北京当代唐人艺术中心、伦敦Haricot 画廊及上海逵园艺术馆举办个展，并曾参加2023上海ART021博览会。她参加的群展包括：“软核硬核”（D Contemporary，伦敦）；“像墙壁发问”（当代唐人艺术中心 x 颂艺术中心，北京）；“Look Mum No Hands” （9 French place, 伦敦）等。万纳伯格的作品曾被斯德哥尔摩Solo House收藏。

冯·沃尔夫（Von Wolfe）

冯·沃尔夫，生于1966年，是一位拥有德国和波兰血统的英国艺术家，毕业于约克大学，主修哲学。他是巴伐利亚国王路德维希二世的宫廷画师冯·施洛斯伯格男爵的曾孙。现在伦敦生活和工作。

其作品主要探讨身份认同、亲密关系、心理深度与权力关系等主题，细腻地反映了普遍存在的人类经验。这些作品常常聚焦于控制与自主之间的张力，揭示出社会、科技与心理等看不见的力量如何影响并塑造个体的能动性。

冯沃尔夫的艺术作品深受列奥纳多·达·芬奇和阿尔布雷希特·丢勒的影响，同时他的创作过程又体现了经典的油画传统与前沿科技之间的无缝融合。他在直觉与精确之间取得了平衡：一方面依靠人类的感知力，另一方面则使用基于扩散模型的节点系统。他在数字与手工之间的边界游走，通过“适配”与“再诠释”的方式，将经过精心策划的图像转化为油画作品，使得每种媒介既独立存在，又彼此关联，形成有机统一的整体。

他的作品曾在巴黎布朗利码头博物馆、赫尔辛基阿黛浓美术馆、斯德哥尔摩国家博物馆和法国里尔美术宫等机构展出，作品被众多私人和公共收藏机构收藏。

关于策展人

​杨慢慢​，1991年出生于上海，毕业于苏富比艺术学院。作为一名艺术顾问，她拥有深厚的专业敏锐度和丰富的专业知识，在艺术行业任职长达十年之久。2023年，杨慢慢加入备受尊敬的当代唐人艺术中心，担任备受关注的香港黄竹坑空间总监。在这个职位上，她带领团队努力与备受瞩目的国际艺术家建立合作关系，策划引人入胜的展览，并将艺术家的学术诚信置于至高无上的地位。她积极主动运用娴熟的方法，巧妙地驾驭市场波动，并熟练地利用繁荣与逆境时期，推动画廊走在国际艺术舞台的前列。