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当我在某个阴天走过伦敦时髦的新兴文艺区Shoreditch时，我闻到了从附近的越南餐馆里飘来的姜和芫荽的味道。虽然我以前从来没有到过这里，但我仍轻易地从一堆廉价鞋店和堆满了破烂的冰淇淋海报的烟店中找到了由未经装饰的玻璃组成的Flowers画廊。画廊的空间比我想象中大，这里正在举办三场截然不同的展览——居然丝毫没有拥挤感。我在楼上的展厅发现了我要找的展览：“Brush It In”，这是一场小规模的群展，所有的作品都在一个整洁通风的展厅里展出。
基本以观念摄影为中心，“Brush It In”是一场让人急于了解而且能激发观众兴趣的展览。初看上去，那些以照片为基础的作品似乎没有什么共同点：它们有的俗气且带有浓重的金属味道，有的像图画一样而且超现实，还有一些优美的静物照。这些照片被直接固定在墙上，或是印刷在像雕塑一样的塑料制品上。照片中的“主角”包括了花瓶、运动鞋、工具、家具、石头、雨滴和抽象的图案，有的色彩异常明艳，有的却是冷淡的黑白色。虽然整场展览充满了普通的物品，但我很快明白了——从策展的角度来说——这些照片的主题并不一定是这场展览的主题；相反，它的主题应该是过程和概念的多样性。明显这场展览是关于如今照片的特性的。
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正如展览的名字所暗示的那样，这场展览强力关注了数字摄影和计算机生成的图像——“Brush it in”指的是在照片生成之后对其做修改的过程。这种表现方式暗示了错误或是缺点的隐藏——强调了多种修改或是优化一张已经存在的图像的方式。“brushing it in”在如今已经成为了一个完全独立的媒介的一部分——这几乎不需要说明；数字修改是一个有目的的过程，在其中，许多艺术家都将自己的创造力完全投入到了图像制作之中。尽管Photoshop在上世纪80年代后期就已经出现了，但某张照片被数码技术处理的实现仍然遭遇了不同程度的质疑——数字修正被讽刺地与某种损坏、伪造关联到了一起。
撇开人们的质疑不说，数字修改过程的确为艺术家带来了大量的可能性。达伦·哈维-里根（Darren Harvey-Regan）的一系列静物照包括了在白色物体上覆盖灰色格子图形，这暗指了数码设计中还未经开发的领域。达伦·哈维-里根（Darren Harvey-Regan）将自己的注意力放到了这种由Photoshop发展起来的视觉语言中，但是仔细观察你会发现那些格子并不是完美的，它们是用手绘制而成的。在展厅另一头，安东尼奥（Antonio Marguet）色彩鲜艳的照片拍下了一些布置奇特的物品，它们几乎具备了一种比喻性的感觉，橡胶似的表面变得像皮肤一样，包含了强烈的色彩饱和度。约书亚·奇塔雷拉（Joshua Citarella）的数字拼贴作品很显然经过了大量修改——色彩和对比的强度达到了一个丑陋的程度。此外，约书亚·奇塔雷拉（Joshua Citarella）像彩虹一样的方形作品让人感到尤其的熟悉——事实上，这是对标准的Photoshop程序里常规的色谱的再创作。
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这场展览同时还不太认真地处理了简单的概念主义——有的作品比其它的作品更有意思。比如达伦·哈维-里根（Darren Harvey-Regan）的作品“The Halt”，这是对元素的一个简单的结合：一把斧子野蛮地插进了一幅画中，生硬地将照片纸“弯曲”出了一个现代主义的弧度。
