讲座现场
2013年12月13日下午15：30，由中央美术学院学术委员会、中央美术学院人文学院以及中央美术学院美术馆共同主办的当代艺术开放讲堂第二讲在央美美术馆开讲，本次讲堂汇聚了孙景波、徐冰、隋建国、彦风、吴帆、尹吉男、西川、邵亦杨、陆亮九位美院知名教师，由宋晓霞担任讲堂主持人。在本次的艺术讲堂上，九位美院大咖将结合正在央美美术馆展出的“CAFA教师展”以及自己在美院的教学经验和艺术创作实践，对艺术的创作形式、艺术创作内涵与精神以及当代艺术中的问题与思考等多个方面的问题进行了对话，共同探讨“今天我们怎样做艺术？”
孙景波：致美院的“情诗”
中央美术学院学术委员会副主任、壁画系主任孙景波作为讲堂首位发言的嘉宾，讲述了中央美院从1918年建立到如今历经95年风雨的成长历程，他认为美院作为中国美术的最高学府，用它的成长写就了一部属于中国的美术史，它不仅为新中国培养了大批的美术人才，更影响了新中国美术的发展，而在如今这个多元化的时代当中，美院更是以一种兼收并蓄的包容精神，在不断地探索前行着，美院让自己学到了许多东西，就像现在，自己虽然是一个老师，但是自己还是会经常在学生们的创作中去找寻重新起步的灵感。孙景波的发言虽然没有具体到自己是如何创作艺术的，但是就像宋晓霞所总结的那样，作为讲堂开讲的一个引子，孙景波表达出了对美院的情感，这是致美院的“情诗”。
隋建国：雕塑是关于时间与空间的艺术
第二位发言的嘉宾是来自雕塑系的隋建国教授，他认为自己在做艺术的过程中绕了一个大圈子，最开始的艺术创作是跟随国家的，之后开始跟随集体，而到了最后的现如今，自己的艺术创作才真正的开始做自己想做的艺术。现在在雕塑系任教，自己也在思考，给如何去做艺术，不仅要对艺术还要对自己的工作负责。隋建国认为，雕塑是关于时间和空间的艺术，但是它需要一个肉体来承接它，而这个肉体就是你自己。
邵亦杨：艺术要“Sharp”
邵亦杨认为，作为艺术家，在艺术创作中一个很重要的点就是作品要有想法，而这个想法是一种艺术的语言、艺术的观念、艺术的表现。以“CAFA教师展”为例，在这些美院教师的作品中，邵亦杨感觉还有一些作品不够“sharp”，艺术的语言没有太大的创新，不能够让你感觉的眼前一亮，不能吸引你在这个作品前驻足感受，所以当今的年轻艺术家应该重视到这个问题，好好地来思考，作为一个艺术家，我们应该怎样来做，才能让自己的艺术作品更尖锐、更有社会批判性，换言之就是让自己的作品更“sharp”。
徐冰：在中国文化中探求艺术新思维
在徐冰的发言中，徐冰结合了此次展览中得作品来进行了阐释，他认为他的这件动画装置作品，就是想让自己在中国文化中去思考，是什么决定了我们的思维方式和根本特性，想通过自己的艺术创作来找到探讨和触摸中国文化，把艺术与文化建立一种独特的联系。
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讲座现场
尹吉男：我们缺少真正欣赏艺术的人
在尹吉男的发言中，他十分有趣的将鲁迅笔下的阿Q与赵本山做了一个对比，尹吉男认为当今这个社会是一个浮躁的、荒诞性的社会，人民将赵本山作为这个时代的一个符号或者说是追捧人物，似乎重视的只是娱乐性的、搞笑的东西，这种现象也让我们会产生许多的思考，总体来说，在如今这样一个“赵本山时代”的社会，我们缺少的是真正欣赏艺术的人。
西川：尊重艺术
作为诗人的西川，从文学的角度来思考当今文学界的问题，从而延伸到艺术之中，艺术和文学在当今都具有很多相似的问题，在同一的社会环境中，艺术的环境是及其残酷的，许多人都会被这种残酷所淘汰，但是为什么会淘汰，就需要诗人们、艺术家们去思考，他认为，不管怎样，艺术创作都要有一个前提，那便是尊重艺术。
彦风：创作是双向性的
彦风在谈到艺术创作时讲到，如何进行艺术创作是一个很难回答得问题，但是他认为艺术创作的过程是双向性的，不仅仅依靠技术手段来完成一件作品，艺术创作不仅要体现你的技术、技巧更需要你参与到里面来阐述你自己的内心。
吴帆：设计是痛苦而享受的
作为一个平面设计师，吴帆认为他面对的是一个很残酷的环境，设计和其它艺术所不同的是，设计师一直在牺牲自己，设计师因为要面对客户，所以设计没有自己独特的工具语言、没有概念、没有既定的表达形式，设计区别于绘画雕塑的是它要放弃掉全部的内容与形式来做，所以说这种背景和身份的转换，极其痛苦，但是却又享受在其中。
陆亮：艺术要有指向性
陆亮认为，艺术创作要有指向性，作为一个艺术家要明确艺术是为谁服务的？你存在的价值是什么？你努力的挣钱生活到底是为了什么？现在中国的现状，使得不同学科或者说不同的领域割裂了，艺术家为公众创作的艺术往往却不被观众所理解和接受。
除了嘉宾们发言外，本次讲堂打破了嘉宾演讲、观众听讲的一贯模式，在嘉宾简单阐述完自己的主题理解之后，大部分的时间是在与观众的提问和互动中进行的，嘉宾们与观众就不同的问题进行思考，共同对“今天我们怎么做艺术”这个主题进行了深度的对话。
【编辑：冯漫雨】
