【编者按】“五一劳动节”前一周的艺术圈相当欢腾，上海当代艺术博物馆举办的“CCAA中国当代艺术奖十五年”大展引人关注。此次展览是CCAA从1998年成立至今，规模最大的一次，将展出CCAA15年中由国际国内评委共同评选的结果，以时间和人物为线索，以评选文献为展出内容的基础，梳理和全面呈现CCAA15年之于中国当代艺术在中国和国际共同视角下的历史。上海将作为此次大规模展览的首场展出地，展期将持续三个月，并计划在未来几年巡展至中国其他地区。
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CCAA中国当代艺术奖十五年
展览时间： 14/04/26-14/07/20
展览地点： 上海当代艺术博物馆5楼
CCAA中国当代艺术奖将于2014年4月26日在上海当代艺术博物馆（PSOA）举办“CCAA中国当代艺术奖十五年”大展。
本次展览的策展小组由4人组成：栗宪庭，刘栗溧,李振华, 李立伟（Lars Nittve），其中李立伟担任国际策展顾问。CCAA15年以来共产生了25位获奖艺术家和批评家，此次展览将呈现19位获奖艺术家的50余件作品，探讨艺术家个体从时间，题材，内容的转变发展到作品展现方式等诸多元素，区别于通常的群展。展览以点带面的文献梳理方式将阐释这个作为中国当代艺术界重要的国际学术奖项，如何在15年间为中国当代艺术与国际的交流架构桥梁；如何以公正, 独立，学术的原则，和以朴素、严肃的态度在不同阶段不懈地鼓励充满活力但缺乏成熟发展机制的中国当代艺术，并表彰具有独立创造立场的艺术家和批评家。
CCAA的15年，正是中国当代艺术波澜起伏,从半地下状态到茁壮成长的15年, 中国当代艺术经历了从艺术要自由到媒介和个人语言、方法上的转型。CCAA这一独特的历史线索带给了中国当代艺术界许多思考：什么是中国当代艺术？中国当代艺术奖的标准从何来？中国当代艺术存在的国际化与自我传统文化理解的差异等等…..对这些问题的探讨，将在本次展览中得以延续。而此展览的另一重要作用是将中国当代艺术奖的研究成果与更多的公众分享,并以互动等方式拉近当代艺术与广大观众的距离。不但使大众更加了解这个奖项的设置及运作方式，也通过这个奖项更加理解中国当代艺术的现状。
整个展览位于上海当代艺术博物馆的5楼空间，大约1500平米的展区根据功能被划分为不同的区域。CCAA将开启15年文献资料可视化工程，对其进行信息分类、分析、关键词提取，并采用多媒体方式与观众互动，更大限度地争取观众的参与。此外，展览还将由一部纪录片作为整体线索的串联，纪录片通过第三者的视角，凝视CCAA和参与者的历史，从设定了时间节点和成就的现在，进行对过去的解构和重组。
CCAA15年展希望在艺术史书写的线索上提供研究的可能性，从另一个角度，艺术与大众的关系也被微妙地引入并体现，它是中国当代艺术15年发展中独特视角下的卓越艺术成就的一种集体呈现，也是探寻未来发展的一个独立的开端，希望观者能倘佯其中回味其中并引发对艺术对社会的思考。
展览海报
展览时间：14/04/26-14/06/03
展览地点：凤凰艺都上海空间
中国文人的隐逸传统中既有儒家“天下有道则见，无道则隐”的进退权宜，又有道家宁愿曳尾涂中也不愿供奉于庙堂的顺性而为。在这个每个人都急匆匆地冲出去的时代，啸傲田园山水和山石林泉成了一种遥远的怀想。但是世界越喧嚣，我们越需要让自己的心歇歇气，越需要一种“结庐在人境，而无车马喧”的精神力量，一种心灵和现实之间的悠游空间。
参展的四位艺术家柴一茗、何赛邦、蒋奇谷和于彭皆身居现代大都市，置身于繁华扰攘之中，却都保持着与现实某种的疏离；但在疏离中并无愤世嫉俗，也不刻意求标新立异，所以能得一种平和冲淡，作品也因此呈现出不同于某些所谓当代艺术那种烟烧火燎的急迫，而呈现出宁静和沉潜。
我们的古人爱山水，他们在尘嚣羁绊之外的尺幅之上和笔墨之间，求合于天地，修养心性。这四位艺术家身上有着宝贵的传统文人士大夫对自己心性修养的珍视，和对艺术并不苦心孤诣，而是在品茶开卷中，让一切都自然而然的如活水流动。因为自然，所以他们的作品中，也暗藏着现代生活给予他们的机锋，让我们在面对他们的作品时，既可以触及厚重的笔墨传统，又能在那些轻松的会心处，依稀揣摩出他们内心各自不同的质感。
展览海报
展览时间：14/04/26-14/05/25
展览地点：S.O艺术空间
生于1982年的付豫，内向、敏感，从他的绘画中可以感受到，他对笔触和色彩非常敏感，若不是绘画的时候极端地投入和忘我，便不可能营造那种独特的气氛。在喧嚣的现实中，付豫有点固执地保持着传统意义上的艺术家气质——强调内心感受，并且拥有一个宽阔的、完整的内心世界。
初看付豫的绘画，也许他会被粗略的归入到前些年比较流行的“卡通一代”之中。的确，在视觉上，他的绘画具有很当代的视觉形象：色彩鲜艳与黯淡构成的强烈对比，具有颠覆性的童话场面，看似有些肆意的笔触，都在颠覆大众对传统绘画的共识：唯美、精致、愉悦。然而，这种“当代”的感觉实际上是在视觉层面上与传统绘画进行对比而得出的简单结论：跟传统不一样，跟常人不一样，“有个性”，不被理解就是“当代艺术”。大多数被称为“卡通”的作品，都是仅靠着视觉上的颠覆感来获得一种“当代”的身份。但是付豫的艺术显然不是如此，把他归纳到卡通一代中，实际上是片面的。
从对绘画的执着这方面来说，付豫其实是偏于传统的。仔细品味他的绘画，可以感受到从画面到气氛，都带有传统和经典的气质。在相当长的一段时间内，付豫的艺术主要是思考绘画的表现力究竟有多大，为此，他尝试了很多架下艺术，装置、行为、影像等等，而这种不满足于传统油画表现力的欲望，在他后来的绘画中表现得很明显——他经常在展览中把自己的绘画作为现场装置的一部分，同时在他许多绘画比如《历史备忘录》系列中，也明显的表现出装置的意图。许多经典的艺术家如八大山人、齐白石、黄宾虹，到传统的民间剪纸，都被付豫吸收进自己的油画，与他在山西生活所体验的乡土、民俗、原生态产生了共鸣；同时基于艺术学院的视野，他又从法国现代主义艺术家杜布菲的原生艺术、儿童涂鸦中找到了某种相互呼应的东西。相对宽阔的视野和打碎的知识体系，让付豫确立了自己的绘画风格：象征童趣的物品和造型，在新鲜、亮丽的明快色彩中却又整体置于灰暗、残缺，带有死亡气息的场景中，让人联想到灾难后所遗留的儿童物品，这些带有强烈象征色彩的场景和气氛，引发了许多问题的思考：现代文明的与传统生活方式的矛盾、死亡与生命的终极意义、时间与记忆的价值、真实与虚无的缠绕，等等。
展览海报
展览时间：14/04/25-14/05/25
展览地点：天线空间
2014年4月25日，天线空间将推出詹翀个人项目：距离。詹翀的绘画不仅具备突出的手感技艺，并充满对“人造物”的思辨，由视觉经验引发对存在的哲学体察。正在艺术家工作处于趋向稳定和形成系统的过程阶段，展览“距离”是詹翀创作过程中的分叉与偶遇，他提出了一个呈现疏离与冷漠的展示计划。
引发詹翀对“距离”思考的首先是克拉克（阿瑟·克拉克1917-2008，英国科幻小说家）的科幻小说《城市与繁星》，艺术家从中读到了“人类征服距离的失败，以及（未来与未来的过去）两种文明之间的心理距离”，艺术家自述：“关于‘距离’一直存有很多表述方式，衍生出一些形而上的思想或关于时空的理论。相较而言，我更在意小事物本身所含有的‘距离’概念以及产生出的绘画形象。”同时，“距离”更是詹翀即时即地的个人经验。展览发生在临近苏州河的天线空间，艺术家留心到“在相对封闭的空间内，透过玻璃看到苏州河对岸的建筑物，这种距离感与在开放空间隔着马路看街景非常不同，哪怕距离是相似的。”由此，詹翀给出了一种观看和进入绘画的提示：在物体本身固有的、物理性的距离与主观的心理距离之间，“最好的方式是离开现实五厘米，不贴近，相对冷静地观察”。
展览包括艺术家2013年至今创作的部分木板丙烯和布面丙烯作品，詹翀称它们为“表象单纯的画面”；而一些更单纯的物体也将被嵌入展示空间或出现在空间的周围，它们将共同是艺术家对“距离”概念的“浅显”想象片段。
【编辑：周瑾】
