《蒙娜丽莎》
一、《蒙娜丽莎》
【名称】：《蒙娜丽莎》
【作者】：列奥纳多•达•芬奇
【类别】：油画
【年代】：1503年
【规格】：77厘米×53厘米
【文物现状】：现藏于巴黎卢浮宫
《蒙娜丽莎》是一幅享有盛誉的肖像画杰作。它代表达•芬奇的最高艺术成就，成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。画中人物坐姿优雅，笑容微妙，背景山水幽深茫茫，淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“无界渐变着色法”般的笔法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合，对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位，也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系，达到神韵之境，从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵，那如梦似的妩媚微笑，被不少美术史家称为“神秘的微笑”。
达•芬奇在人文主义思想影响下，着力表现人的感情。在构图上，达•芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的胸像构图，透视点略微上升，使构图呈金字塔形，蒙娜丽莎就显得更加端庄、稳重。另外，蒙娜丽莎的双手，柔嫩、精确、丰满，展示了她的温柔，及身份和阶级地位，显示出达•芬奇的精湛画技和他观察自然的敏锐。另外蒙娜丽莎的眉毛因化学反应而不见了，背景曾有蓝天。据考证，蒙娜丽莎的微笑中含有83%的高兴，9%的厌恶，6%的恐惧，2%的愤怒。那如梦似的妩媚微笑，被不少美术史家称为“神秘的微笑”。更奇妙的在于，在这幅名画之前，不论你从哪个角度看，她那温和的目光总是微笑地注视着你，生动异常，仿佛她就在你身边。
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《亚尼的死者之书》
二、亚尼的死者之书
【名称】：亚尼的死者之书
【类别】：纸卷绘画
【年代】：公元前 1300-前1200 年
【规格】：全长24公尺
【文物现状】：现藏于大英博物馆
《亚尼的死者之书》是古埃及所流传下来最著名的文献，古埃及的一种陪葬物品。这是一些用来帮助死者在来世渡过难关、得到永生的咒语。通常这些咒语会写在纸草上，放入棺木中。在放入棺木之前，咒语也可以先由祭司读过，通常古埃及木乃伊埋葬时都带有一本富有神秘色彩的《死者之书》，这本书并不完全是对盗墓者的诅咒，同时还有对人们安享后半生的一些忠告建议。
《亚尼的死者之书》， 是古埃及的一种陪葬物品。笃信来世的古埃及人用水生植物纸莎草芯制成长长的纸卷，在上面抄录下冗长的《跨越死亡之国度》（又称《白昼来临之书》）符文的片段，并配以插图，随死者丧葬，以求死者逢凶化吉，安然到达极乐世界“芦苇之野”，这便是著名的《亚尼的死者之书》。 整个书中最著名的一段咒语，内容大意是说人死后要在阴间之神欧西里斯之前接受审判，他必须谨慎地否认一切可能犯的罪行，并且一一说出阴间的42位判官神的名字。这样就可以被判无罪而进入永生之境。由死者的否认中，我们可以看到古代埃及社会中一般的社会规范和道德标准，因此死亡之书不但是一份宗教文献，也是有关社会和思想的重要材料。
画中狼头人身的防腐与死亡之神阿努比斯在调整天平的精确度，鹿头人身的书记与著作之神托特正待记录测量结果，天平支柱上蹲着的狒狒则是托特的化身。面对阿努比斯而立的男子“舍”和他上方人头形的诞生之砖，是阿尼终极命运的两种表现，稍远处静观整个仪式的人头鸟“巴”，则代表阿尼的性格特征。图的左面，阿尼和妻子正在不安地观看仪式的进行。画面上方还有十二位神灵组成的陪审团，整幅图画描绘了一个神与人共存的世界，反映了古埃及人对神灵的虔诚信仰。
这幅作品代表了古埃及绘画艺术的特色。对于古埃及人来说，平面的形象在魔力的作用下同样会化为立体的实物，因此在用以陪伴死者进入来世的平面作品中，要全面地表现对象，强调它的重要部分，以便它来日尽善尽美地复活原形。在描绘人物的时候，古埃及人总是将其身体轮廓刻画得清晰完整，而且将其各个部位以其最完整的状态表现出来。古埃及绘画中因此没有定点透视，不局限于人眼片面的观察，标准的人形是：正侧面的头上有正面的眼睛，正面的躯干下是侧面的双腿。纵向看去的物体也不重叠，总是一一排开、分层排开。古埃及人还按照事物在他们心目中的地位确定它们在画中的大小，比如在这幅作品中，阿努比斯神、阿尼夫妇等因其地位的重要而被表现得比其他人物高大。古埃及绘画艺术，大多描绘场景，或表现现实生活，或表现神灵社会，在表现形式上，使用平直简练的线条刻画事物，几乎将形象简化为一种作为生命载体的符号；画面色彩朴素，在褐、白、黄、红的基调中稍加蓝、绿；在表现人物时，恪守固定的造型比例，在外劳作的男子肤色多为棕红色，操持内务的女子肤色则为淡黄或淡红色，人物面部极少表情，姿态端庄呆板，排列符合节奏。所有的图画是图解冥神奥西里斯对死者审判的经过。在这幅画的下面，兽头人身的奥西里斯在掌管人生的天平，那个具有鹰首的怪物在记录死者的功过。左侧的白衣人是死者的家属。周围的象形文字，则记述着死者生前的功德。实质上，这份死者之书就是奴隶主阶级企图把生前的权贵继续延长到死后的一种思想反映。《亚尼的死者之书》现藏英国伦敦大英博物馆内。
《无名女郎》
三、《无名女郎》
【名称】：《无名女郎》
【作者】：伊万•尼古拉耶维奇•克拉姆斯柯依
【类别】：油画
【年代】：1883年
【规格】：75.5厘米×99厘米
【文物现状】：现藏于莫斯科特列恰科夫美术博物馆
《无名女郎》中女性形象是典型的19世纪俄国知识女性，她侧身端坐，转首俯视着这个冷酷无情的世界，显得高傲而又自尊。这种姿势语言表明画中人物与这个世道格格不入，冷眼审视，不屑一顾，又不愿与之合流的神情，这隐含着当时一部分民主主义知识分子对社会的态度。这幅女子肖像显示的美在于性格表现，也体现画家的美学观。我们面前这位女子没有华丽服饰和贵夫人的打扮，而是入时得体，是上流社会有文化、有修养、品位极高的知识女性打扮。色调浓重且有变化，冷漠、深沉、俊秀的面孔鲜明突出，格外庄重、典雅而高尚。
究竟“无名女郎”是谁，至今仍是个谜。画家在肖像画上创造了一种新的表现风格，即用主题性的情节来描绘肖像，展示出一个刚毅、果断、满怀思绪、散发着青春活力的俄国知识女性形象。这幅肖像画并不是一个具体人物的肖像，而是画家的理想创造。她坐在华贵的敞篷车上，高傲地望着观众，她那不凡的气派和自尊，给人以刚毅、果断、满怀思绪，散发着青春活力的深刻印象。 画面以冬天的城市为背景，白雪覆盖着屋顶，朦胧湿润的天空，使人感到寒意。女郎的毛皮手笼、镯子、帽子上的白色羽毛、蓝紫色的领结，都表现得极为精到。而最令人惊叹的是人物的精神气质，实在被描绘得精湛绝伦。它确实无愧为一幅杰出的性格肖像画名作。这个美丽女郎的画像，有人说是托尔斯泰小说中的安娜.卡捷琳娜,也有人说是莫斯科大剧院里的某个女演员。但不管她是谁，其精神气质确实很能打动观众。画家以现实主义思想，古典造型手法塑造了一位19世纪俄国新时代女性的完美形象。克拉姆斯柯依创作的这幅肖像，与托尔斯泰笔下的安娜•卡列尼娜是同一时期，因此有人说他画的这位无名女郎就是安娜•卡列尼娜。也有人说她是位演员。画家在肖像画中展示的是一位刚毅、果断、满怀思绪、散发着青春活力的俄国女性典型，形象塑造具有极大的感染力，是世界美术史上肖像画杰作。
《岩间圣母》
四、《岩间圣母》
【名称】：《岩间圣母》
【作者】：列奥纳多•达•芬奇
【类别】：油画
【年代】：1483～1490年间
【规格】：198厘米×123厘米
【文物现状】：现藏于巴黎卢浮宫
《岩间圣母》的情节取自圣经《新约全书马太福音》第三章《耶稣受洗》故事：耶稣从加利利来到约旦河，见了约翰，要受他的洗。约翰想拦住他说：我当受你的洗，你反倒上我这里来么？耶稣回答说：你暂且许我，因为我们理当这样尽诸般的义。于是约翰许了他。耶稣受了洗，随即从水里上来，天忽然为他开了，他看见神灵，仿佛是鸽子在下降，落在他身上。天上这时有声音说：这是我的爱子。按照圣经所述，施洗的约翰不是孩子，已是个成人了。而圣母携子逃亡埃及和以色列的时候，耶稣也仅是刚生下的婴儿，他不可能像画上所表现的那样指手画脚与约翰对话。此外，耶稣受洗的地点是在约旦河边，受洗时也没有玛利亚在场。那么达芬奇为何作如此大胆改动呢？
圣经上说，希律王为了剪除耶稣的后患，正派人在他诞生的地区大规模屠杀两岁以下的婴儿。天使启示约瑟，让他带着玛利亚与耶稣逃出伯利恒，圣母子一家刚刚来到约旦河边，得知约翰在这一带传教，于是相约与约翰在附近一个岩洞内会面。画家把画面人物展现在一个古老的岩洞内，也是合乎生活情理的。耶稣受洗，在圣经上始终没有讲清年龄关系，此类题材往往随画家构思，各有不同表现。达•芬奇在学徒时期与老师合作的那一幅《基督受洗》，耶稣和约翰的形象显然已是成人了。画家在这一幅画上没有受宗教题材的局限，而以一种世俗的生活感情去表现这一主题。为了使人物充满一种天伦之爱，他把这种耶稣与约翰的所谓神圣会见，改变成两个天真的孩子有水边戏耍。但为了点明宗教题意，又不得不从动作上作些注解，如小耶稣用右手指着约翰，似乎在说：你暂且许我……。约翰也做出拱手向耶稣请安的样子。右侧坐在地上的天使，作为自天而降来到人间的美丽使者，她的形象被刻画得最美，脸上展现着达•芬奇的微笑公式，右手指着这幕受洗的趣剧，也像亲人一般似乎在庇护他们。显而易见，画家在这里决心以圣母为中心，赋予画面以庄重、温存和受天庇佑的母爱的感召力，而不是表现某种苦难、艰辛与恐惧的生活坎坷。中间的圣母一手扶着约翰，另一手去抚慰耶稣，体现了人间伟大的母性的力量。这和他早年那幅《基督受洗》是截然不同的。它表现了一种伦理感情，一种富有人性的美，而这也正是当时人文主义思想的内容。
《最后的晚餐》
五、《最后的晚餐》
【名称】：《最后的晚餐》
【作者】：列奥纳多•达•芬奇
【类别】：壁画
【年代】：1495年-1497年
【规格】：460厘米×880厘米
【文物现状】：现藏于意大利米兰圣玛利亚德尔格契修道院
《最后的晚餐》是意大利艺术家列奥纳多•达•芬奇所创作，是所有以这个题材创作的作品中最著名的一幅。画面中的人物，以惊恐、愤怒、怀疑、剖白等神态，以及手势、眼神和行为，都刻画得精细入微，惟妙惟肖。
《最后的晚餐》取材于《新约圣经》，据《新约圣经•马可福音》记载：耶稣最后一次到耶路撒冷去过逾越节，犹太教祭司长阴谋在夜间逮捕他，但苦于无人带路。正在这时，耶稣的门徒犹大向犹太教祭司长告密说：“我把他交给你们，你们愿意给我多少钱？”犹太教祭司长就给了犹大30块钱。于是，犹大跟祭司长约好：他亲吻的那个人就是耶稣。逾越节那天，耶稣跟12个门徒坐在一起，共进最后一次晚餐，他忧郁地对12个门徒说：“我实在告诉你们，你们中有一个人要出卖我了！”12个门徒闻言后，或震惊、或愤怒、或激动、或紧张。《最后的晚餐》表现的就是这一时刻的紧张场面。
列奥纳多采用了平行透视法，运用了最为传统的一字形排开的构图惯例，让中心焦点集中于耶稣的明亮的额头。耶稣伸开双手，低垂双眼。他已经把话说完，沉默着。但是，他的手势却有着不可抗拒的精神的号召力，召示和启迪人们去内省，去沉思。作品运用了高超的明暗技法。列奥纳多的《最后的晚餐》在文化传统的继承和创新发展的结合上是做得最好的典范之一。
《雅典学院》
六、《雅典学院》
【名称】：《雅典学院》
【作者】：拉斐尔•桑西
【类别】：湿壁画
【年代】：1510年-1511年
【规格】：2.794米X6.172米
【文物原属】：梵蒂冈内廷
【文物现状】：现藏于意大利梵蒂冈博物馆拉斐尔展览室
《雅典学院》是以古希腊哲学家柏拉图所建的雅典学院为题，以古代七种自由艺术——即语法、修辞、逻辑、数学、几何、音乐、天文为 基础，以表彰人类对智慧和真理的追求。艺术家企图以回忆历史上“黄金时代”的形式， 寄托他对美好未来的向往。
它的主题思想，就是崇拜希腊精神，追求最高的生活理想， 这正是人文主义艺术家自己的宿愿。 全画以纵深展开的高大建筑拱门为背景，大厅上汇集着不同时代，不同地域和不同学派的著名学者，有以往的思想家，也有当世的名人。他们在自由地讨论，情绪热烈，好像在举行什么典礼，或庆祝某个盛大节日，洋溢着百家争鸣的气氛，凝聚着人类智慧的精华。这座建筑物显然是以布拉曼特设计的圣彼得大教堂为范本的，两侧的壁龛里，分别供立着智慧女神雅典娜雕像（在右侧）和音乐之神阿波罗雕像（在左侧 ）。中心透视点的层层拱门，直通遥远的天际，这是一个极其神圣的环境，学者们被对称地、自然而富有节奏地配置台阶两侧，上层台阶的人物排成一列，中心是两位伟大的学者——柏拉图与亚里士多德，他们似乎边进行着激烈的争论，边向观众方向走来。 亚里士多德伸出右手，手掌向下，好像在说明：现实世界才是他的研究课题；柏拉图则右手手指向上，表示一切均源于神灵的启示。这两个对立的手势，表达了他们思想上的原则分歧。其余的人，众星捧月，有的在注视，有的正在谛听这两位老人的谈话， 自然地形成几个小组。 现在再介绍上层台阶上的人物：左上方柏拉图的一侧，一个大胡子老人沉浸在思考中，苏格拉底刚转身向旁人阐述伦理学上的论据，自左向右第五人是个青年军人， 名叫阿尔西比亚底斯，他的背后有一个人正在招呼走来的两个青年。右上方亚里士多德的一侧，两个倚在壁龛墙基前的青年，一个在写着，一个在思考，另一个黑袍人物却孤独地站着，这3个人与左面的一组，在动势上是相反的。
而台阶下面的左侧，以坐在地上专注地书写着的数学家毕达哥拉斯为中心，一少年在旁给他扶着木牌，牌上写的是“和谐”的数目比例图。在他背后一个老人正在记录毕达哥拉斯的论据数，后面那个伸着脖子、头缠白巾的学者，即是回教学者阿维洛依。 背后稍远，还有一个头戴桂冠，胸靠柱基站立的人，他是语法大师伊壁鸠鲁。在毕达哥拉斯前面站立的那个用手指着书中句子的学者，是修辞家圣诺克利特斯，两人中间 还有一位身穿白色斗篷的金发青年，他面目英俊，表情冷峻，在向观众凝视着，被认为是弗朗西斯柯•德拉•罗斐尔，他是乌尔宾诺未来的大公。 台阶下右侧一组，中心人物是躬着身子、手执圆规在一块黑板上给学生演算的几何学家欧几里德（一说是阿基米德），周围是他的四个学生。这四个人似乎对老师的讲解领悟得不一样。旁边那个身穿古代黄袍、头戴荣誉冠冕、手持天文仪的，是埃及天文学家尔托勒密。在尔托勒密的对面，即是画家拉斐尔的同乡、建筑家布拉曼特（蓄须的老人），而最边上那个头戴白帽的人，正是画家索多玛，上面露出半个脑袋、头戴深色圆形软帽的青年，就是画家拉斐尔本人。把自己画进历史题材内，是当时画家们喜用的表现方式，只是拉斐尔留给自己的位置太少了点。 画中央的台阶上，躺着一个孤寂的犬儒学派哲学家第欧根尼。这位学者主张除了自然需要之外，其他任何东西，包括社会生活和文化生活都是无足轻重的，所以他平时只穿一身破烂衣服，住在一只木箱里。这个人物在构图上起了填补空白的作用，他 与右侧正往台阶上走去的两个人物相联系，同时又与左下角那个倚靠在石桌前沉思的学者赫拉克里特彼此呼应。赫拉克里特形象孤单，被认为是拉斐尔虽然与米开朗基罗性格不合，但崇尚他的作品才以其为范本创作的。而柏拉图的头像是画家以达•芬奇的头像为范本的。这幅画的色彩处理也很协调，建筑背景全是乳黄色的大理石结构，人物的衣饰有 红、白、黄、紫、赭等色相交错。透视法的水平是很高的，它不仅增强了画面的空间深远感，连地面的图案，拱顶的几何装饰结构，都精确到可以用数学来计算。
《西斯廷圣母》
七、《西斯廷圣母》
【名称】：《西斯廷圣母》
【作者】：拉斐尔•桑西
【类别】：祭坛画
【年代】：1512年-1513年
【规格】：265厘米x196厘米
【文物原属】：西斯廷教堂
【文物现状】：现藏于德国德累斯顿茨温格博物馆
《西斯廷圣母》，亦称《希斯汀圣母》，为意大利画家拉斐尔圣母像中的代表作，装饰于为纪念教宗西斯笃一世而重建的皮亚琴察圣西斯托教堂，最初它被放在教堂的神龛上，至1574年为止，一直保存在西斯廷教堂，故得此名。现为德国德累斯顿茨温格博物馆收藏。
《西斯廷圣母》几乎可以被认为是圣母画中的绝品，画中的圣母一扫中世纪以来的圣母像中那种冰冷、僵硬，不可亲近的模样，将圣母描绘成一个美丽，温柔，充满母性的意大利平民妇女，她的脸上洋溢着坦然的骄傲。为自己手中怀抱着的基督，她的脸上又流露出深厚的带有牺牲精神的母爱,因为她将要把心爱的儿子奉献给人世。这种伟大的母爱，显现于这个身着简朴衣裙，赤足的年青的妇女身上。画面上，帷幔向两边缓缓拉开，圣母马丽亚怀抱婴儿基督从云中冉冉降落，迈着轻盈坚定的步伐向前移动，扑面而来的风吹散了衣服的皱褶。她的脚边，跪着年老的代表人间权威的统治者教皇西斯廷二世和年轻美丽的代表平民百姓迎驾的圣女瓦尔瓦拉，前者穿着沉重的法衣，用手指着圣母应该去的大地。后者形象妩媚动人，沉浸在深思之中的她虔心垂目，侧脸低头，微露羞怯，表示了对圣母圣子的崇敬和恭顺。她转过头，怀着母性的仁慈俯视着小天使，仿佛同他们分享着思想的隐秘。爬在下方的两个小天使睁着大眼仰望圣母的降临，稚气、天真的童心跃然画上。两个小天使的原型是拉斐尔家对面面包房，面包师傅的两个儿子，每天到他家玩。拉斐尔喜欢他们两个。于是拉斐尔加了他们两个画像。
在拉斐尔过去创作的圣母画中，总是极力追求完好无缺，更多地具有母亲和情人的精神气质和形象。而这幅《西斯廷圣母》是在更高的起点上塑造了一位人类的救世主形象。她决心以牺牲自己的孩子，来拯救苦难深重的世界。这幅稀世之作画出了女性的温柔与秀美，歌颂了圣母把爱子献给拯救人类的伟大事业的崇高行动。
十三世纪意大利伟大诗人但丁对这位天神降临人间的女王唱出了至尊至敬的赞歌：“她走着，一边在倾听颂扬，身上放射着福祉的温和之光；仿佛天上的精灵，化身出现于尘壤。”19世纪俄国著名画家克拉姆斯科依说，这幅画“即使到人类停止信仰的时候，仍不失去价值”。
《十五朵向日葵》
八、《十五朵向日葵》
【名称】：《十五朵向日葵》
【作者】：文森特•威廉•梵高
【类别】：油画
【年代】：1888年
【规格】：764厘米x592厘米
【文物现状】：现藏于英国国家美术馆
《十五朵向日葵》描绘的是一些简单的插在花瓶里的向日葵，呈现出令人心弦震荡的灿烂辉煌。
从画面上看，金黄色的向日葵，浓重跳跃，似乎带着燃烧的激情。画家在表现希望和阳光的同时，依旧表达了这希望与阳光溜走的无情。或许这幅油画反映了画家悲剧而又短促一生接近终结时的心理状态。
从形式上分析，可以分为以下几点：
1、构图上，花朵的分布、大小、聚散、长短、方向结合的恰到好处。该图只有一盆向日葵，且葵花的面积最大，表明向日葵是作者的表现主题，是整幅画的视觉中心和主体物。并且花盆的中轴线也是整幅画竖向的中轴线。整幅画也只有一个台面和立面。
2、该图中，那黄色和棕色调的色彩以及技法表现出充满希望和阳光的美丽世界，他以重涂的笔触施色，好似雕塑般般在浮雕上拍上一块黏土。
3、此画作为一幅静物画，从它色调、布局、瓶花的特定形线构成，以至笔触的运用，油彩技法上的处理，都显示出画家对自然、生命、人生的独特情感的体验，传达出一种即热烈又悲伤，即躁动又孤寂的心理情绪。该图就是作者在深思熟虑后，通过对向日葵大小、正斜、疏密、浓淡灵巧有致的排列，用笔触技巧向观众呈现出充满生机的向日葵。
1888年2月，已35岁的梵高从巴黎来到阿尔，来到这座法国南部小城寻找他的阳光，他的麦田，他的向日葵...... 梵高来到阿尔后，异常兴奋，创作真正达到高潮，甚至到了忘我的地步。他迷恋上了向日葵－一种表达太阳的另类植物。
梵高一生中创作了大量描绘向日葵的作品。这幅是其中最著名的《十五朵向日葵》，现藏于英国国家美术馆。
《拾穗者》
九、《拾穗者》
【名称】：《拾穗者》
【作者】：让•弗朗索瓦•米勒
【类别】：油画
【年代】：1857年
【规格】：83.5厘米×111厘米
【文物现状】：现藏于巴黎奥赛博物馆
“拾穗”一词渊源于旧约圣经，指农民需让贫苦人捡拾收割后遗留穗粒以求温饱，而该画除了描绘3名农妇在金黄色麦田捡拾麦穗情景外，其金黄阳光、弯腰等细节，另外呈现“英雄史诗般的崇高意境”。
《拾穗者》是最能够代表米勒风格的一件作品，它没有表现任何戏剧性的场面，只是秋季收获后，人们从地里拣拾剩余麦穗的情景。画面的主体不过是三个弯腰拾麦穗的农妇而已，背景中是忙碌的人群和高高堆起的麦垛。这三人与远处的人群形成对比，她们穿着粗布衣衫和笨重的木鞋，体态健硕，谈不上美丽，更不好说优雅，只是谦卑地躬下身子，在大地里寻找零散、剩余的粮食。然而，这幅内容朴实的画作却给观众带来一种不同寻常的庄严感。米勒一般采用横的构图，让纪念碑一般的人物出现在前景的原野上。三个主体人物分别戴着红、蓝、黄色的帽子，衣服也以此为主色调，牢牢吸引住观众的视线。她们的动作富于连贯性，沉着有序，布置在画面左侧的光源照射在人物身上，使她们显得愈发结实而有忍耐力。或许长时间的弯腰劳作已经使她们感到很累了，可她们仍在坚持。尽管脸部被隐去了，而她们的动作和躯体更加富于表情——忍耐、谦卑、忠诚。除了17世纪的荷兰画家维米尔，还没有人能够像米勒这样，以凝重质朴，造型简约的概括力，来极富表现力地塑造平凡人物。他表现的是人和大地的亲密关系，是史诗所不能达到的质朴平凡。从这三个穿着粗布衣衫和沉重木鞋的农妇身上感到一种深沉的宗教情感，在生存面前，人类虔诚地低下他们的头。虽然远处飞翔的鸟儿依旧烘托出田园诗般的意境，但人类凝重的身躯似乎预示着生存的重压。正是这种宗教般的感情使《拾穗者》超越了一般的田园美景的歌颂，而成为一幅人与土地、与生存息息相关的真正伟大的作品。
《伏尔加河上的纤夫》
十、《伏尔加河上的纤夫》
【名称】：《伏尔加河上的纤夫》
【作者】：伊里亚•叶菲莫维奇•列宾
【类别】：油画
【年代】：19世纪80年代初
【规格】：131厘米×281厘米
【文物现状】：现藏于圣彼得堡俄罗斯国立美术馆
《伏尔加河上的纤夫》是列宾的代表作，也是他的成名作。在这幅画的结构上，列宾利用了沙滩的地形和河湾的转折，使十一个纤夫犹如一组雕像，被塑造在一座黄色的、高起的底座上，使这幅画具有宏伟深远的张力，画中的背景运用的颜色昏暗迷蒙，空间空旷奇特，给人以惆怅、孤独、无助之感，切实深入到纤夫的心灵深处。亦是画家心境的真实写照，这对画旨的体现，情感的的烘托起了极大的作用。在画面上画家又对伏尔加河的景色进行了巧妙的布局，以狭长的横幅展现这群纤夫的行列。伏尔加河畔阳光酷烈、沙滩荒芜。近景只有埋在沙里的几只破筐作点缀，景色十分凄寂。一队穿着破烂的 纤夫在拉着货船，步履是那样地沉重，似乎可以听到压抑低沉的“伏尔加船夫曲”的回声。
画中列宾画了十一个饱经风霜的劳动者，他们在炎热的河畔沙滩上艰难的拉着纤绳。纤夫们有着不同的经历和个性,他们生活在社会的最底层,但这是一支在苦难中练成坚韧不拔,互相依存的队伍。背景运用的颜色昏暗迷蒙，空间空旷奇特，给人以惆怅、孤苦、无助之感，切实深入到纤夫的心灵深处，亦是画家心境的真实写照，这对画旨的体现，情感的的烘托起了极大的作用。 因此本画的构图、线条、笔力等绘画技巧都是相当成功的。
被烈日炙烤的焦黄的河岸上，一队蓬首垢面、衣衫褴褛的纤夫拖着沉重的脚步拉着货船，在酷日下精疲力竭的向前挣扎。他们中有老有少，个个都衣着破烂、面容憔悴。领头的是一位胡须斑白的老者，眼睛深陷，坚毅的面孔透出饱经风霜的智慧，但愁苦的表情仍然显示了他对于艰苦生活的无奈。走在最后的纤夫低着头垂着手，麻木地随着队伍向前挪动，似乎已经习惯了这样日日苦役般的生活。队伍中还有一个较为突出的形象，是处在队伍中部的一位少年，可以看出他才开始这样的工作不久，皱着眉头还不太习惯，他直起腰想用手松一松肩头紧勒的纤绳，毕竟年轻，还不甘心忍受这样的苦楚。其余的纤夫都弯着腰低着头，似乎已没有多余的力气再来表现点什么，在他们身上剩下的，惟有贫苦、艰难与无奈。在这幅反映纤夫苦难生活的画里，与其说是人与自然在搏斗，不如说是人在与残酷无情的黑暗命运和社会搏斗。
【编辑：李罡】
