春有春风煦煦、夏有暴风骤雨、秋有秋风瑟瑟和冬有寒风刺骨，这都是大自然给予我们的礼物。“解落三秋叶，能开二月花。过江千尺浪，入竹万竿斜。”、“排帘动轻幔，泛水拂垂杨，本持飘落蕊，翻送舞衣香。”，这是诗人对风的赞美；透纳的《暴风雪中的汽船》、雷诺阿的《海滩上的人》、怀斯的《海风》、林风眠的《鱼鹰小舟》是画家对风的热爱。
约瑟夫·马洛德·威廉·透纳
透纳 《暴风雪中的汽船》 1842年 122x91cm
约瑟夫·马洛德·威廉·透纳（Joseph Mallord William Turner，1775年4月23日－1851年12月19日）是英国最为著名，技艺最为精湛的艺术家之一，19世纪上半叶英国学院派画家的代表，在西方艺术史上无可置疑地位于最杰出的风景画家之列。
《暴风雪中的汽船》作为一件风景油画，可以说是堪称表现海洋的最具代表性的伟大杰作，在这件作品中，透纳使用了黑、白、灰、黄等颜色，不多的几种色彩在画布上挥洒出来海上的景象。面面上，汽船颠簸在山峰般的巨浪中，所有具体的形象在画面上变得模糊不清，光影、海雾、海浪和那可怕的狂风暴雨交织在一起，天地混浊一片，一切都在朦胧不清的海风漩涡中，只有汽船上的灯闪烁着微弱的光——构成了画面上的主体效果。在微弱的光亮处，我们看到同样有些模糊的汽船轮廓以及它前进的方向，尤其是汽船上高耸的桅杆，它在大海的暴风雨中颠簸起伏，特别是那种排山倒海的气势，使观众在画面前产生一种不安的心理状态，让人久久不能平静。另外，这件作品的关键因素是画面上的色彩，它已经变成面面上的一个主要因素。具体的形象在这里己经不再重要，而是被抽象化。色彩在画面上既丰富又变化多端——所有的色彩都混杂在一起，让你辨不清真实的本色。更重要的是，透纳有意在色彩之间保持一些细微差别，这种微妙的变化使色彩在画面上更加鲜明与丰富。这样的结果，使所有的东西在视觉上都在似与不似之间，从而使画面达到一种神秘和奇特的效果。据说，画家透纳为了观察暴风雨中的大海，曾让人将自己绑在船上的桅杆上长达四小时之久。因此我们从中还可以领略到透纳以自己主观的感受和超越日常生活经验所做出的大胆尝试和探索。
透纳以善于描绘光与空气的微妙关系而闻名于世，尤其对水气弥漫的掌握有独到之处。他在艺术史上的特殊贡献是把风景画与历史画、肖像画摆到了同等的地位。透纳生前即享有盛名，1851年去世后依然在世界各地受到敬仰和追摹。然而，对透纳所有艺术成就的认识则是更后来的事。透纳晚年尤其自十九世纪四十年代起即致力于绘画形式与色彩的探索，从他后期那些大胆的习作中可以找到印象主义和现代抽象绘画的发端。
约翰·康斯太勃尔
约翰·康斯太勃尔 《干草车》
约翰·康斯太勃尔：英国皇家美术学院院士，19世纪英国最伟大的风景画家。作品真实生动地表现瞬息万变的大自然景色，其画风对后来法国风景画的革新和浪漫主义的绘画有着很大的启发作用。康斯太勃尔主张到生活的源头——自然中去寻求完美，作品格调清新活泼，感情真挚，色调明快，充满自然生气和乡土气息。约翰·康斯太勃尔名作有：《干草车画》、《英国的运河》、《麦田油画》等。
《干草车》描绘了英国萨福克郡阿尔河畔一个小村庄的优美风景。画面大部分为天空所占据，表现的是平淡的乡间场景。其中一只循声而望的狗引领着视线，一辆干草车正在过河，河水平静温和，静静地伴随着正在河边淘洗的农妇以及其身后颇具特色的乡间小屋。沉着的色调给画面平添了几分静谧与安逸，在这并不开阔的视线里，远处萨福克起伏平缓的地平线被明媚的阳光笼罩，生动和活力由此而生。
柯罗
柯罗作品
柯罗（Jean Baptiste Camille Corot），1796～1875，出生于巴黎，早年师从古典派画家贝尔坦，因学业的优秀而获奖金，到罗马留学，在那里住了七八年。回国后在巴比松村附近的枫丹白露森林画了很多风景。
他安贫乐道，乐观豁达，不倦地全力投入创作。他贴近自然而不抄袭自然。他爱画那朦朦陇陇的暮色与清晨，像那颤动的森林、那明洁的湖水、那珍珠般银灰色的天空……用笔松动而富有韵致，虚实相生而见妙理。他那梦幻与现实相间的独特诗意难以言传。在风景画的发展史中，他是不朽的丰碑。此外，他还画很多表现质朴内在美的肖像画，同样具有高雅的气质。
卡米耶·毕沙罗
卡米耶·毕沙罗《菜园和花树·蓬特瓦兹的春天》
卡米耶·毕沙罗（Camille Pissarro，1830—1903）法国印象派大师。1830年生于安的列斯群岛的圣托马斯岛，1903年卒于巴黎。在他去世前一年，远在塔希提岛的高更写道：“他是我的老师。”在他去世后3年，“现代绘画之父”塞尚在自己的展出作品目录中恭敬地签上“保罗·塞尚，毕沙罗的学生”。
毕沙罗真正属于早期印象派风格的代表作品，形成于70年代后期，画家在1877年作的《菜园和花树·蓬特瓦兹的春天》就比较典型。他运用细小的笔触点画造型，色彩的配置过渡非常微妙、丰富、沉稳与厚实，这就是我们熟悉的毕沙罗画法。这种画法和后来的修拉点彩派画法有相似之处，但内在气质不同。这幅画给人以轻松、愉快、充满生机之感，画家像是一位歌手，在用欢畅的笔触赞美春天诱人的景色。
卡米耶·毕沙罗在印象派诸位大师中，毕沙罗是惟一一个参加了印象派所有8次展览的画家，可谓最坚定的印象派艺术大师。毕沙罗是始终如一的印象派画家，是印象派的先驱，有印象派“米勒”之称。
克劳德·莫奈
克劳德·莫奈 《日出.印象》
克劳德·莫奈 Claude Monet (1840-1926) 印象画派代表人物,被誉为印象派之父。印象派运动可以看作是19世纪自然主义倾向的巅峰，也可以看作是现代艺术的起点。克劳德·莫奈的名字与印象派的历史密切相连。
莫奈创作了扬名于世的 “印象·日出”。这幅油画描绘的是透过薄雾观望阿佛尔港口日出的景象。直接戳点的绘画笔触描绘出晨雾中不清晰的背景，多种色彩赋予了水面无限的光辉，并非准确地描画使那些小船依稀可见。真实地描绘了法国海港城市日出时的光与色给予画家的视觉印象。
莫奈的创作目的主要是探索表现大自然的方法，记录下瞬间的感觉印象和他所看到的充满生命力和运动的东西。曾长期探索光色与空气的表现效果；常在不同的时间和光线下，对同一对象连续作多幅描绘，从自然的光色变幻中抒发瞬间的感受。不注重对象的明晰的立体的形状。主要作品有《草地上的午餐》、《圣阿德列斯的阳台》、《花园里的女人们》、《日出.印象》、《巴黎圣拉查尔火车站》、《干草垛》和组画《睡莲》等。
皮耶尔·奥古斯特·雷诺阿
皮耶尔·奥古斯特·雷诺阿 《海滩上的人》（布面油画） 1890年
皮耶尔·奥古斯特·雷诺阿（Pierre-Auguste Renoir, 1841-1919），法国印象画派的著名画家、雕刻家。最初与印象画派运动联系密切。他的早期作品是典型的记录真实生活的印象派作品，充满了夺目的光彩。然而到了19世纪80年代中期，他从印象派运动中分裂出来，转向在人像画及肖像画，特别是妇女肖像画中去发挥自己更加严谨和正规的绘画技法。
尽管雷诺阿是印象派的创始人之一，但到19世纪90年代，他放弃了该流派的标志性美学特征，转而开始追求一种更为注重构图、更加古典的风格。《海滩上的人》这是一幅华丽张扬的迷人作品，描绘了人们在灿烂阳光下尽情享受大自然的舒适惬意。
林风眠
林风眠 《鱼鹰小舟》
我出生于广东梅江边上的一个山村里，当我六岁开始学画后，就有热烈的愿望，想将我看到的，感受到的东西表达出来。后来在欧洲留学的年代里，在四处奔波的战乱中，仍不时回忆起家乡片片的浮云、清清的小溪、远远的松林和屋傍的翠竹。我感到万物在生长，在颤动。当然，我一生所追求的不单单是童年的梦想，不单单是青年时代理想的实现。记得很久以前，傅雷先生说我对艺术的追求有如当年我祖父雕刻石头的精神。现在，我已活到我祖父的年岁了，虽不敢说是像他一样的勤劳，但也从未无故放下画笔，永远描写出我的感受 ――林风眠自述
林风眠的画，有倾向于色彩表现和水墨表现两种形式。其水墨画常以简练的线条和阔笔墨块、富有韵律的构成，表现恬静的鹤或鹭及荒寂的自然景物，表露出内心的孤寂和对民族的忧虑，《鱼鹰小舟》即此类代表作之一。几道淡黑横扫，将天、地、水表现得空旷渺远。又以几笔重墨画就小舟、芦苇和两只相依的鱼鹰，自然流畅又耐人寻味，为林风眠典型的水墨图之一。
林风眠是“中西融合”这一艺术理想的倡导者、开拓者和最重要的代表人物。他吸收了西方印象主义以后的现代绘画的营养，与中国传统水墨和境界相结合，并融入了个人的人生经历。是已经接近了“东西方和谐和精神融合的理想”的画家。受到学界泰斗蔡元培的赏识与提携，成为我国第一所高等艺术学府――国立艺术院（今中国美术学院前身）的首任院长。是中国现代美术教育的主要奠基者之一，主张“兼容并包、学术自由”的教育思想，不拘一格广纳人才。培养出李可染、吴冠中、王朝闻、艾青、赵无极、赵春翔、朱德群等一大批艺术名家。
安德鲁·怀斯
安德鲁·怀斯 《克里丝蒂娜的世界》
安德鲁·怀斯（Wyeth，Andrew，1917～2009），美国20世纪最伟大的画家之一，20世纪世界最著名、最杰出的画家之一，美国超级写实主义绘画的代表人物。
作品多表现美国乡村田园生活，造型准确，描绘细致入微，具有超级写实风格，同时又流露出感伤的情调。代表作《海风》、《克里丝蒂娜的世界》（藏纽约现代美术馆）等，色彩柔和，笔触细腻，刻画精细入微而又带有感伤、凄凉和悲冷的情调。
在从一定程度上反映着怀斯心灵深处无形苦痛的作品《克里斯蒂娜的世界》中，我们就能领会到怀斯的这种创作心境。画中描绘的是身患小儿麻痹症而致残的少女克里斯蒂娜，身穿粉红色的衣裙在荒无人迹、杂草丛生的凄冷环境里，无助而又苍白地匍匐在草地上，正在艰难而渴望地向高居在山坡上、耸立于地平线上、孤寂而又冷漠的木屋爬去。少女抬着汗水淋漓的头，凄惨地遥望着远方孤立的家，在这满目荒凉的土地上，用她那瘦削脆弱的胳膊支撑着行动不便的身子。整个画面荒芜的大地占去了全画的4/5，远处的木板房和近景的荒草地，都是如此清晰地映入眼帘。空旷和孤寂的气氛压挤在少女的身上，形成一种凄凉和悲冷的情调。那幅画不仅表明他继承了父亲的画风，也是他开始把人物和场所统一化的力作。
emmanuelle moureaux
emmanuelle moureaux 《100 colors》
emmanuelle moureaux 在东京新宿中央公园安装了这个名为‘100 colors’的大型公共装置艺术作品，彩色条带不断捕捉着微风与阳光灵动，将中央公园转化为彩色水态区域。将周遭硬性钢冷的建筑感觉弱化，无论从视觉感官上还是从心理效应中，我们都能窥探出艺术家对现场的强烈控制感。作为艺术创作，这种临时性的安装是感人亦或让人顿生喜悦与震撼的，行走于彩色流动的水域中，声色浮动，或许会有眩晕而盲目的情绪空白，回身观望，不在其中便是震撼心灵。创作的纯粹莫过于观念的简单和彻底，视觉与心理上的呼应才是最为真实的体验。感动就是感动，喜欢就是喜欢，100 colors，朴实真诚中体验视觉的逻辑与绚美。毋庸置疑100 colors这样的创作在大型室内空间中存在的时间相对更长，emmanuelle moureaux早期的作品就是这样的，并没有引入动态的因素，事实上却是这样，室内空间引入非自然的动态因素（风），除了高温的室内，估计没人喜欢这样做。
