TOP1 草间弥生《No. Red》成交价：5452万港元
草间弥生作于1960年的油画作品《NO.RED B》以 2000万港元起拍，经过多轮竞价后以4700万港元落槌，创艺术家个人世界拍卖纪录。据悉，此前估价为3000万至4000万港元。
《No. Red B》是至今为私人藏家所收藏最重要、最早期及二十余年来亮相拍场中最大型的红色无限网作品。画作高于一米七，比东京国立近代美术馆收藏的一九六一年《No. H. Red》还要壮观。《No. Red B》创作于艺术家到达纽约的第二年（1960年），亦为艺术家于出版记录中首年以红色绘出〈无限网〉系列。作品曾于美国华盛顿Ｇres画廊举行的个展中展出（全美第四次个展）， 可说是〈无限网〉系列始创期极为重要的作品之一，标志着〈无限网〉系列的诞生，是草间弥生从四十年代末至五十年代创作的延伸。此作有着重大历史意义，同时记述草间人生前三十年中的情感与心理状态，及预示了艺术家今日的成功。
作为战后及美据时期过后，第一批到达美国纽约的早期日本艺术家，草间弥生于美术史上的重要性早于六十年代已获美国及欧洲肯定。她无疑是勇敢的战士，挣脱强加于她身上的种种枷锁，例如性别、国籍及传统等，成功崛起为倍受赞誉的艺术家。草间拒绝被标签化或被限制于任何艺术团体、潮流或意识形态，由始至今绝不随波逐流，反之以独特的风格，影响了数代东西方艺术家。虽然草间长时间被强烈的幻觉所折磨，但她却将这无从控制的痛苦化为创作的源泉，并成就了其独一无二的风格，于当时纽约艺术圈中脱颖而出，唐纳．贾德即形容她的风格为“崭新及原创”。草间非同常人般地将精神痛苦转化成创作动力，浸没在这种精神痛苦中，从中升华并提炼出深邃而缜密的笔触。草间弥生的艺术是一种升华的美学，澄净灵魂而留存精髓。草间不能被单一描述所概括，她既是创新者，又是冒险家与梦想家，更是一位一直追寻自由与自我表达的艺术家。作为艺术家最为人熟知的系列之一，草间凭借《无限网》名扬四海。
TOP2 吴冠中 《小桃红》成交价：4444万港元
吴冠中作于1973年的油画作品《小桃红》以2200万港元起拍，经过多轮竞价后以3800万港元落槌。
《小桃红》出自吴冠中恩师黄纪兴旧藏。黄纪兴号耆龄，1908年（清光绪三十三年）生。1922年，黄纪兴随姑父蔡元培一家到法国及比利时留学五年，1931至37年到杭州艺专执教，成为该校第一位、亦是唯一一位法文教授，1950年以后任教北京外国语学院，直至1981年去世。吴冠中是黄氏在杭州感情最深的弟子之一，1976年，黄纪兴长子黄尊结婚，吴冠中夫妇登门拜访，并以《小桃红》相赠，作为贺礼，此事被黄纪兴亲笔纪录于家中8月29日（星期天）的日历，写上：”冠中、碧琴求访，赠喜礼榆叶梅一帧，极美。”榆叶梅别名”小桃红”，叶似榆，花似梅，因而得名。其生性强健，早春开花，易于栽培，是北方常见的观赏树种。《小桃红》的创作年份较艺术家馈赠恩师之时要早三年，可见本作虽不为赠庆而作，其创作之时，却早寓喜庆愉悦之情。
2008年，黄纪兴儿子为纪念父亲百岁诞辰，特别编辑大部头纪念册《我们心目中的神圣－怀念爹娘》，内里以黄纪兴夫妇为主轴，纪录两人家族及毕生交游与经历，以及许多二十世纪艺坛、文坛巨擘馈赠之作，《小桃红》亦收录当中。书成之日，吴冠中更去信中国美术院院长许江，希望该院图书馆能保存一份，作为纪录，此一重要文献最后亦被中国美术学院图书馆及浙江图书馆所收藏。《小桃红》是吴冠中七〇年代稀有的富于大喜之意的作品，相似作品之中，《海棠花》已为北京火车站贵宾厅所收藏，《红梅》更于2015年香港苏富比春拍之中，以6680万港币成交，登上艺术家于香港之最高成交纪录，《小桃红》如今释出，诚为藏者之珍。
TOP3 马云与曾梵志合作《桃花源》 成交价：4220万港元
曾梵志与马云合作的《桃花源》以130万港元起拍，起拍后现场迅速升温，多次跨越拍卖阶梯竞价，最终以3600 万港元落槌，据悉，此拍品所有收入将拨捐桃花源生态保护基金会，此前估价为150万至250万港元。
《桃花源》是曾梵志与马云携手，为桃花源生态保护基金会筹款创作的别具意义之作。作为中国互联网巨擎阿里巴巴的创办人及主席，马云希望透过今次创作唤起世界对环境保护的关注。近年，环境污染成为中国社会的关键词，桃花源生态保护基金会 的愿景及抱负，别具时代意义。马云为今次善举首次下笔创作，与曾梵志联合创作。”第一次画画，与梵志一起画画，我深感荣幸，这也是我第一次用油画画画，感觉挺好。我觉得我们画一个地球，保护地球，保护海，保护空气，保护水。”马云说出了今次创作的抱负。两人或以涂、再以点，最后以刮擦的方式，在平躺的画布上，反复来回，为地球造像。画面肌理扎实，层次丰富，大气与海洋如同被赋予生命一样，生生不息，尤如一股暖流在画布上流动，生机勃勃。作品呈现了地球美好的一面，亦告解着世人珍惜环境，爱护自然。
于诸在曾梵志的艺术生涯，《桃花源》是艺术家风景系列的重要呈现。始于千禧年代，曾梵志放下其著名的西方表现派风格，转以寻求东方的灵感元素。在其标志性《面具》系列后所创的作品，大量吸收中国山水画的精髓，画中充满跃动线条，展现浩瀚自然中藤蔓延展的景象。这些作品展现”乱笔”的创造技巧，强调相信直觉与感觉，不以受制的理性思考为重。其大型作品可见生气勃勃的大自然产物，成为曾梵志较为人熟悉的创作之一，而这个发展当中更有较小型而罕有的创作延伸。《桃花源》（拍品编号1071）正是此小型系列中的延续作品。圆形画布上绘有蔚蓝碧绿的色调，顿时令人联想到地球。若了解到本作与致力保育生态的基金会关联紧密，地球的想象更是贴切不过。
《桃花源》强而有力地代表着自然环境以及人们携手保护地球的重要性。配合画题《桃花源》，更令人想到地球上的纯洁净土，提醒我们每一个人保育地球的权力和责任。纵然本作以平面的圆形画布创作，散布画中的旋转色彩带来如从太空观察地球的感觉。鲜艳夺目的蓝绿色调部分被雪白条纹覆盖，从作品的左上方缓缓散落。白色占据的空间令人联想到北极，更警告人们损害地球带来的危机，同时亦暗示冰川正慢慢消失的情况，展示全球变暖真实而迫切的威胁。
《桃花源》更令人忆起宋代作品，尤其呼应南宋画家梁楷之杰构。他始创”写意”画法，着重呈现事物的细微之处，曾创作不少描绘山水的圆形画作。除此之外，宋代讲求人类状况与景物描绘的联系，以倡导人们主力保护地球的宗旨为重心，同样切合对本作的理解。
《桃花源》取材自不同的主题，强烈展示自然至上的概念，更提醒观者止于至善的道理。在现今日益着重发展效益而不断损害环境的世界里，我们最重要的是反省自身，拯救自然，即使未及恢复地球昔日之美，也要尽力使其重现生机、滋养润泽，重现原本的乐土与庇荫。
TOP4 赵无极 《08.03.66》 成交价：2408万港元
赵无极作于1953年的《08.03.66》以1400万港元起拍，2000万港元落槌。
据悉，此件拍品曾有过多次出版著录和展览。
1950至1960年代的巴黎与纽约，许多艺术家如苏拉吉（Pierre Soulages）与克莱恩（Franz Kline）受东方书法艺术的启发，开始运用黑白的纯粹色彩创作具表现性的抽象绘画。实际上，书法艺术源于中国，并且在中国传统水墨中，对于墨彩有深入的研究与探讨。对于中国画家来说，墨并非单一的黑颜色，如唐代张彦远在《历代名画记》中即指出：”运墨而五色具。”单一的墨可依焦、浓、重、淡、清丰富的变化，带给人不同的色彩感受。 赵无极自小即受书法与水墨艺术的熏陶，很自然地，他在1950年代末期，也开始以低限的色彩提出他对国际抽象运动表现的具体响应，而他所展现的是与西方艺术家全然不同艺术路径。
表现在《08.03.66》上，他将主色凝缩到黑、褐与白三种色彩。沾染墨黑色彩的比刷在画作的中下半部作水平的快速的运动，多层次的黑，形成一种充满力量与向度的结构，而在中上处，震颤、带有不同方向性肆放的黑色线条，在其中旋舞，打破原本静态的水平的结构，艺术家彷佛将成群的候鸟飞越天空时翅膀振动的痕迹凝结于一瞬，又或像表现气旋的运动的轨迹，一股看不见的无名能量与自然的脉动化为有形的线条，在我们眼前震动、跳跃。而在画笔的顿、挫、撇、捺与回旋中，可看出画家深厚的书法的功底。赵无极在此投入的不仅仅是手腕所传达的笔力，也包含了手臂，甚至是全身的力道，而正也就是这种摄人的力量，使得整个作品更加生动，为画布挹注了浓烈的生命气息。而正如同英国艺评家苏立文（Michael Sullivan）所言：”赵无极在画中以书法的锋芒结合富空气感的深度，这并不能归功于帕洛克（Jackson Pollock）和克莱恩，却是表现了一个中国人对于三度空间的直觉。一个中国艺术家所关心的从来不是事物的表面，他总是洞察潜藏在事物后面的东西。”《08.03.66》即体现了这样的东方美学。
在《08.03.66》中，赵无极以独树一格的方式，藉西方浓稠的油彩，将色彩缩减至最低限，提出对于中国传统书艺绘画与墨韵之美的现代化诠释。他以敏锐的洞察力，将他在天地间所得的感受与感动，化为全然抽象的色线与宏观的布局，当中墨黑的重量气势磅礡，背景上下疏淡的灰白替画作注入了放松的空间，在空与满、动与静之中，赵无极取得了完美的平衡。他沿着中国传统书画的文化轨迹走来，将平凡之景披上神秘的外衣，在有限的画布上创造无限，作品初观莫测，久视弥珍，深邃而澄澈，回荡着一股宏远的气势，令人过目难忘。
TOP5 张晓刚 《天安门3号》 成交价：2192万港元
张晓刚《天安门3号》作于1993年，现场以1200万港元起拍，1820万港元落槌。
此次拍卖的作品《 天安门3号》，是一九九三年首次发表的天安门系列中的压轴之作。整个〈天安门》系列以长、中、近镜作为构图，每一幅画的天安门都比前一幅里的大，尤如相机镜头逐步拉近般。与第一及第二号不同，《天安门3号》属于近镜构图，城楼占据着整张作品的一半，主体于系列中最为清晰及完整，城楼是粉红色，象征了中国共产政权。画布顶端画有一些乐谱，看起来有如密码，其实是当时一首很有名的歌曲旋律。灰色的天空映衬在那座庄严的建筑物，地上用明暗对比法画出大片铺路石。这些石头和图像周围的外框均以细笔划法画成，仅有长度上的区别。
张晓刚的创作轨迹与他同时代的其他艺术家略有不同。他属于早熟型艺术家，一九八二年由四川美术学院毕业后，立即获得了一定的名声， 原因是栗宪庭在当时甚有影响力的《中国美术报》上就他非正统的毕业作品写了介绍文章。”八五新潮”期间，学院派艺术家呈现出最强烈的变化欲望与创造力，而张晓刚却由于生病入院，在长达四年的时间里，远离艺术圈，也未有进行大规模的创作。一九八六年被邀请回母校任教后，他迅速开发出其后著名作品中的种种核心元素︰对灰，黄，红三种颜色的使用；房间角落的视角； 对头，手和书本的略显超现实的拼凑等等。简单地说，一九八〇年代末是张晓刚的盛产期，而一九八九年天安门广场上发生的事件，则为这一时期画下了句号。
TOP6 赵无极 《海港》 成交价：1808万港元
赵无极《海港》以950万港元起拍，多轮竞价后以1500万港元落槌。
《海港》采取了赵无极经典的全景散点透视，伴随着那些如绣线般细腻、似断还连，轻盈的墨黑线条，他生动地为我们呈现一个丰饶的意象世界：傍着山峦的港湾，水波轻摇，船帆踏浪归来驶入港内，岸边的两人张开双手，迎接着返家的人们。在这里，西方学院中传统的比例法则被打破，我们可见画面中心站在船上的人，他的身长几乎是脚下所踏船只的一半，他敞开的双手，透露出雀跃的心情，在这里，实际的比例变得不重要，艺术家表现的是一种”心理状态”，如在岸边等待的人们的眼中，他所等待的，那坐在船上的人，在他心里的重要性与大小，是无限大的，也是彼此眼中的唯一，满心期待下一秒钟的相聚。
在《海港》中，淡淡的鹅黄、青铜的绿、对比温暖的橘红在画面中相遇相交，相互晕染，铺织出一片孕生世界的沃土，一个充满无限可能的朦胧之境。作品如同弥漫了一层薄雾，让人想起宋代以”云烟山水”著名的米芾之《春山瑞松图》，米芾以侧点的横笔与淡墨渲染，将山岚间烟云幻变的迷蒙完美地表达，赵无极在此以油彩营造出相似的朦胧感，与一个意在言外的开放性空间，展现了东方独特的美学思维。如同法国艺评家儒弗鲁瓦（Alain Jouffroy ）所言：”赵无极的作品清晰地反映了中国人看宇宙万物的观点，遥远而朦胧的画境反映了默念的精神，而非默念的具体事物。”让人过目难忘。
TOP7 刘炜 《 游泳》 成交价：1568万港元
刘炜 《 游泳》作于1994年，现场以700万港元起拍，1300万港元落槌。
《游泳》 来自刘炜一九九四年特别为”圣保罗双年展”创作的一组巨幅画作。作品以海中畅泳的裸露女性为题，并大胆把女性胴体，包括私处等性征，巨细无遗的展示于人前，可以想象当年在圣保罗造成何其大的震撼。刘炜的泼皮及鬼才，在同展览的张晓刚、王广义、余友涵及李山等带有强烈政治及社会色彩的作品中间，别树一格，耀眼突出。即使展览至今超过二十年，我们站在《游泳》前，仍然惊叹画面的细致及大胆的题材。它放大了中国人在改革开放期间的欲望，是急速城市化的副产品，极具时代性。《游泳》在当代中国艺术史中，有着不能磨灭的重要性。
凡是对刘炜的作品有所研究的，莫不认同要把他的艺术风格归入某一类型绝不容易。从九十年代初玩世现实主义兴起的标志性作品〈革命家庭系列〉，演变至千禧年以后日益抽象的山水画，艺术家一直探索，寻求突破绘画的局限性。他曾经说过：”一批东西做完，我以后永远不会做一样的。”1 每个系列都极度细致，布局精奇，是艺术家根据当时的心境提炼而成的美学结晶。一九九四年的作品《游泳》绝对是艺术家早期的颠峰之作，也是他进军国际舞台的先遣部队，此画于一九九四年第二十届”圣保罗双年展”中由张颂仁策展的中国特展”不眠的长夜与失重的时刻”中首度亮相，整个〈游泳〉系列共有八张，每张均为一米半乘两米，每张均以半裸或全裸的中国女性胴体为题，并大胆把女性私处描绘出来。《游泳》向国际观众展示刘炜的艺术天赋。许多人认为刘炜以诱人的女子与水为题材，大胆走出之前的〈革命家庭系列〉。事实上，正由于艺术家逐步放弃富有政治含意的图式，才可以真正自由地探索内在的自我和绘画的本质，这些课题更最终成为其艺术实践的重要框架。
TOP8 曾梵志 《无题10-1-2》 成交价：1448万港元
曾梵志《无题10-1-2》以700万港元起拍，1200万港元落槌。
此作尤见唐宋山水风范，主导唐代画作的是单色与重色的角力，以至线条和质感意义的探索；而宋代所关注的则是景观之宏大，以及作品与当时人民生活的关联。如此看来，我们可以把《无题10-1-2》理解成这两个朝代特色的结合：颜色和质地的探索，以及对人类心理的一个合理的表达。在他往后的作品中，曾氏亦将广泛地运用到这两个朝代的技巧风格，因此《无题10-1-2》通常被用以验证艺术家对引用唐宋两朝技巧特色的偏好。
《无题10-1-2》中亦可见杰克森．波拉克的抽象表现主义技法影响，故仍有一丝西方艺术风范。波拉克于四十到五十年代的”滴画”受超现实主义影响，属”心理自动性绘画”一脉，是对无意识心理的具体表现。千禧年之后，曾梵志发展了一种类似的作画方式，基于自己的直觉和技法，创造出《妙悟》和《乱笔》等作品。他跟随节奏和直觉，在画幅上擦拭刮划，用调色刀在湿颜料上拉扯伸展，完成作有一种狂乱的生气，捕捉到藤蔓的盎然生机。
大自然旺盛的力量纵脱狂放，像是抑制的宁静，却潜藏破坏力。画面不断有一道道颜料划过，在整个画面穿插缠绕，如《无题10-1-2》，枝蔓丛生的混乱繁琐间依然持续着一股安逸平静的力量，看似对立，却和谐相成。站在《无题10-1-2》面前，我们已不仅是大自然的旁观者，而是身处其中的一份子，它引领观者近距离审视，感受大自然的勃勃生气。虬枝错节，深邃幽幽，中间却透出一道明亮白光，是画中默默潜藏的希望。
曾梵志曾表示，”破坏”是其作品中恒常的元素。”其实我一直在破坏中创新，”曾梵志讲述，”从《面具》开始就是这样，一直不想让你看到真实，可能也是我自己内心的一种感觉，包括我现在正在画的这些作品也是破坏的过程中去创造。”他无止境地让人惊喜赞叹，挑战自己，也挑战观者，一方面吸引他们走近细看自己澎湃的画幅，另一方面却从不透露过多细节。
TOP8 赵无极 《归航》 成交价：1448万港元
赵无极《归航》以750万港元起拍，1200万港元落槌。
在横幅的《归航》上，首先吸引观者目光的是那占据画面三分之二的大海，辽阔的海洋中，数艘大小不一的船只航行于上，天空夜幕低垂，在幽暗中透露着靛蓝的光，光线粼粼地照耀在水面上，带来跃动的韵律。而当中我们可见赵无极特意在海面用特殊的刮刷法，刻画层层的水波纹路，这样疏密有致的线纹很少如此大块面地出现在赵无极的作品中，此更显作品的特殊性。而其对于水的线性描绘，让人联想到赵无极特别喜爱的宋代绘画名家─马远的《水图》，马远的作品没有多余的色彩，仅以最简单的绵延线条和淡色的墨将水的各种不同型态，如细浪翻卷如鳞、江河逆流细腻而传神地表达。 赵无极将中国水墨以低限的墨所展现独到的线条美学，以西方的油彩作出新的诠释与转化，替自己开创了新局，找到了真我。若把此与艺术家完成于1949年的《海滩》相较，观者可感觉他宛如新生的创作表现与思考上的具体转变。
而在主体船只的描写上，艺术家将原本复杂的结构拆解开来，后简化之，仅以黑色的线条描写大体的型态，以简驭繁，其并不拘泥于写实的描绘，甚至以三角形的色块暗示船的存在，作品注入了更多个人对于结构、对象与对象间的空间关系的思考。如他在此采用的并非西方传统美术对于立体感的形塑方式，我们甚至可以在船身的中间看到水的波纹，空间的虚实在此共存，并不显突兀，显示艺术家的功力。《归航》一作体现了赵无极开展的视界，以及他重新与属于自己的东方传统美学和好后，所绽放的动人光彩。
此作最早为纽约知名藏家暨赵无极早期作品重要推手─毕趣（Patti Birch）所收藏，而在1950年代中期，她将作品送给其一收藏家好友，作为结婚礼物，祝贺友人终于找到心灵伴侣，共同携手展开人生下个阶段的美满旅程。 此增添了作品的历史意义。而在过去逾五十年，作品经藏家完好保存，世代传承，未曾现身市场，现今曝光，为藏家购藏珍品良机。
TOP10 勒迈耶 《荷花池畔九女子图》 成交价：1328万港元
勒迈耶 《荷花池畔九女子图》现场以450万港元起拍，1100万港元落槌。
《荷花池畔九女子图》以一群峇里舞者为主角，热带景观常见的动植物衬托在旁，这正是勒迈耶最钟情的主题。作品以外来者的角度描绘画中女郎及自然环境，显示艺术家对这个新世界的欣赏与尊重。艺术家的妻子及缪斯女神妮．帕洛围着绿头巾，在几位一身橘红的女郎当中相当突出。勒迈耶的作品常以爱妻作为画中主角。本作隐然有文艺复兴名作《维纳斯的诞生》的影子，两者构图风格相近，以一群倾慕者围着画中女主角。在《维纳斯的诞生》中，一群天使簇拥着维纳斯，《荷花池畔九女子图》则由妮．帕洛占据图画中心位置，多位女郎陪伴身旁，背后是自然景观。
高更钟情大溪地，勒迈耶则对峇里居民深深着迷。两人均尝试在画中重塑心中的乐土。高更的《神的日子》反映艺术家对大溪地自然环境、岛上居民及植被的观察，散发充满动感的梦幻气氛。相比之下，勒迈耶采用的色调更为温暖，令人想起热带阳光，大量的红、橘及粉红构成一种特别的情绪。《荷花池畔九女子图》正好完美反映出这种美感。
勒迈耶的作品配合丰富的色调及厚涂的笔触，取灵感自印象派风格及主题，对自然环境当中的阳光及光影特别注意。《荷花池畔九女子图》隐隐有皮耶．奥古斯特．雷诺阿《煎饼磨坊的舞会》的影子，后者描绘一群巴黎人聚首户外咖啡室，下午的阳光穿过树叶，照亮了他们的面孔与衣装。回观本作，画中人被峇里阳光包围，浑身散发温暖而令人心动的光华，小岛因此更添几分世外桃源的氛围。
此外，另一位人物亦对勒迈耶这位比利时画家的创作风格及主题影响甚深，那就是以浪漫风格描绘芭蕾舞者闻名的埃德加．德加。勒迈耶对峇里舞者同样非常尊重和欣赏，多件作品均描写她们的女性魅力与风韵。画中人或为一组舞者，亦可能是正在热烈庆祝的几位女郎。《荷花池畔九女子图》显示艺术家作为旁观者的角色，略带一丝偷窥意味，然而始终对画作主角们以及自然环境满怀尊重。勒迈耶忆述：”当提到这些身穿上好丝绸莎龙裙，发鬓饰着鲜花，举手投足犹如公主优雅的美丽女孩，很难想象他们其实是厨子及女佣。”
峇里岛让勒迈耶将梦想实现于艺术创作之中，他在这片沃土之上以及峇里丰富的风土人情当中看到无限美态，而这些时刻又在其艺术作品当中变得不朽。勒迈耶曾说道：”无论你在哪里看到我的画都能够会意，因为我找到的这个小天堂里面的一切都是为了艺术而生。”《荷花池畔九女子图》以生动的笔触描绘了峇里的岛屿文化，蕴含着这个群岛的韵味和魅力。它是勒迈耶作品中非常独特的一幅画作，进一步肯定了勒迈耶作为欧洲艺术家，以自己的成就对印度尼西亚现代艺术产生了深远影响。
