相较于美术馆展的壮阔，画廊展似乎别有一番静享的情调，那么2016你们都追过（国内）哪些画廊展呢？
最厚重
香格纳画廊：林中路
2016年11月9日 - 2017年2月15日
展览现场
宣布迁至西岸、新空间派对、20周年回顾展开幕，香格纳画廊在几个月内持续刷屏。展览以德国哲学家海德格尔的着作《林中路》为出发点，呈现二十多名国内外艺术家在不同时期探索下的代表性作品。展出形式丰富多样，包括大型雕塑、装置，现场影像以及现场行为艺术表演等。
梁绍基，《孤云》，木、丝、茧、钢管，245 x 428 x 114 cm，2016
孙逊，《黑历史》，纸上丙烯，113 x 915 cm，2016
欧阳春，《无穷柱》
然而艺术的特点就在于，即使你在此之前已经看过了大量报道和介绍，走进展厅，你仍然永远会有新感悟。开幕当天，香格纳画廊中人潮涌动，艺术家、画廊主、媒体……喜爱艺术的人们都希望能见证这20年的历史。从小走廊到业界翘楚，香格纳画廊既是参与者又是见证者，它目睹了诸多艺术家的自我寻找、自我突破，并和他们一同走到了今天。这条路远不像今日回首时看上去那般简单、光鲜，迷茫、摸索、反思才是这条路的常态风光。而本次展出的34幅作品，就是艺术家们特定时期思考的表达，有些是久远的旧作，有些是近年的新想法，这些作品间层层对话，共同勾勒着这条不寻常的艺术之路。不过当然，这条路远没有穷尽，展览带领我们到达的也只是“在途”。
最玄远
常青画廊（北京）：安东尼·葛姆雷“屯蒙”
2016年3月19日 - 2016年8月20日
展览入口
安东尼·葛姆雷，《屯蒙》，2016
“屯蒙”为易经中屯卦和蒙卦的并称，形容万物始生之时的蒙昧之态。为了这次展览，画廊特别隔出了414平方米的区域，并从昌平区地表以下挖出了红土来铺满展厅地面，又从天津港运来海水灌进土里，土与水以50：50的比例混合，形成了一片95立方米的海——也就是同名作品《屯蒙》。艺术家特别取消了展厅中的所有电灯，完全依靠自然光作为展览照明的光线，使得这里的景观随太阳在一日中的起落而发生变化。在5个月的展期里，葛姆雷还要求画廊将展厅高高的窗户打开，让窗外的柳絮、杨絮、灰尘自然地随风潜入，任他们和这片天然的水土结合、发酵，他期待其中微生物等新的生命物质的诞生。
从看台观望变化中的作品《屯蒙》
观众可以透过甬道侧墙开出的三个一人高的小门近距离观察，亦可站在二层三层的展厅俯瞰整件作品。土壤和海水于此混沌为一体，这两种构成世界的基料被陈置在人造的建筑内、置入到文化背景中，于人们的凝视下产生缓慢而持续的变化。而《屯蒙》之外，常青画廊一二三层平行呈现了三组雕塑，静静铺陈出世界创始之后，人类的故事。
安东尼·葛姆雷，《边缘》系列，2012
安东尼·葛姆雷，《驻》系列，2014
朱朱：好展览，好到你从隔壁唐人空间的后院看到他孤单单的某一件作品时，忍不住还想再去看一遍。
最任性
麦勒画廊：王兴伟“荣与耻”
2016年9月10日 - 2016年10月23日
开幕现场
自2013年UCCA个人展览之后，王兴伟再次办个展“荣与耻”。这次与众不同的个展，从展览地点到展览形式一概前所未有、独辟新境，让观者大呼“出其不意”，被誉为2016年最“任性”的一场展览。
展览现场 主题“荣与耻”由批评家栗宪庭所题
展厅入口寒山的诗
展厅入口赵孟頫的诗
展览现场
作为一个当代艺术展览，“荣与耻”的展览形式无疑是特别的：一进门，早已封笔的栗宪庭为这次展览题写的标题赫然入目；入口处，赵孟頫和寒山的两首诗分列两侧；展厅被划分为面积均等的“荣”与“耻”两个部分，分别呈现人们传统认知中正面和负面的形象代表；尤其值得一提的是，每幅作品旁都配有艺术家本人的题诗，形成“一幅（油）画 + 一首（打油）诗 = 一件完整作品”的艺术形式，这样的布展形式可谓前所未有。
王兴伟作品《鬼子》及配诗
王兴伟，《济公》，布面油画，240×200cm，2015s
王兴伟，《在圣彼得堡涅瓦河边 2》，布面油画，200x200cm，2013-2015s
最前卫
K空间：李山“当生命本身成为艺术”
2016年4月21日—2016年5月13日
展厅入口
嘉宾合影
此次展览是李山在大陆为数不多的个展，也是西南地区首展。作为国内生物艺术第一人，展览以“生物艺术”为主题，呈现了李山在生物艺术领域中对生命和艺术数十年的探索和研究，包括绘画、影像等数十幅佳作，更有其专为K空间展览所创作的最新作品。
展览现场
需要了解的是，“生物艺术”是一种全新的艺术形态。艺术家根据基因原理和基因制造原理，制作艺术方案，然后按照基因工程的运作方式，构建带有生物性状的艺术作品，被称为生物艺术。
李山，《重组》系列，1996
李山，《南瓜计划》，2006年
李山，《阅读》系列，亚麻布丙稀，91.5x64.5cm，2015
李山，《阅读》系列，亚麻布丙稀，85x65cm，2015
这是一种艺术家与生物科学家合作，共同探索生命形式更多可能性的艺术形态。它不仅完全放弃了对媒介材料和语言框架的依赖、摒弃了对社会经验的指涉，还脱离了对象征功能和寓意手法的使用，直面生命本身，开拓出了一个全新的艺术领域……显然，李山生物艺术之前卫，与他此前在中国当代艺术运动中不畏禁忌、勇于开创的艺术经历是分不开的。
最创意
乔空间：“工作室”群展
2016年9月8日 - 2016年10月21日
开幕现场
展览现场
乔空间入口，参展艺术家写下自己心中的工作室
展览空间
这场盛大的群展，吸引了国内外的艺术爱好者、美术馆馆长、策展人、艺术家、艺术收藏家、以及众多媒体的关注和报道。展览别出心裁地将焦点放在了艺术家的工作室中，通过邀请丁乙、贾蔼力、刘建华、刘韡、刘小东、毛焰、徐震、杨福东、严培明、曾梵志、张恩利、张晓刚这十二位中国重要当代艺术家用自己的视角和镜头，呈现其各自的工作室以及工作状态，从而使得艺术家以及其作品独有的个性变得可触可感，为观者提供一条了解艺术家创作的途径。因而，此次群展不得不说是力图重现中国重要当代艺术家的创作过程的一次难得展览。
张恩利，《空间绘画》，水性颜料，2016
丁乙工作室
刘小东，《青藏铁路》，80×120cm ，喷墨打印，2007
张晓刚，《记忆的盒子》，尺寸可变，1982-201
展览现场，严培明工作室照片
贾蔼力，《未命名》，180×240cm，摄影，2016
最烧脑
白立方（香港）：傅丹个展
2016年9月7日 - 2016年11月12日
超过450 件来自更新世晚期的化石自天花悬挂，与17世纪的象牙耶稣像互相映衬，让一众来宾各自解读，赋予其私密而独特的意义。
傅丹的首次香港同名个展《傅丹（Danh Vō）》，初看起来似乎不着边际，无非是将自己搜集来的远古化石、历史遗件、文化产物、家品琐物等等重新整理后再放置（而一些让人感觉似曾认识的作品，却又会附上他那让人摸不着头脑的标题）。然而，一旦你掌握傅丹的创作密码，就会发现他的作品经常指向展出对象的各类文本符号意义，并思考其各自背景连接文化、国家、历史、经济、权力之间的复杂关系，具有超凡的魔力和催人泪下的瞬间气势。
《傅冯抄写传教士戴法纳·韦纳尔在斩首前写给父亲的最后一封信<1861/2009>》
装置《舔我，舔我》
百威啤酒箱
自身的移民经历，使傅丹经常透过作品去观看和思考文化迁移与政治殖民的种种问题。他喜欢以充满诗意的艺术史结合政治，去发掘人类文明的轨迹，再用文本的形式呈现出现时代的逻辑语境。他对事物的内在价值因为时间的变化而产生变奏很感兴趣。
画廊楼梯口的十字军骑士剑和十字形阳光
骑士剑正面局部
近十年来，傅丹带着他的观念艺术作品在全世界游走，像实验者，更像传道者。
最温情
佩斯画廊（北京）：宋冬“剩余价值”
2015年12月18日 - 2016年2月17日
展览现场
“剩余价值”一系列全新作品呈现了宋冬对日常“废弃物”的价值和美学的再认识。作为其早先创作的“物尽其用”和“穷人的智慧”的延续，“剩余价值”仍然秉承着宋冬“生活就是艺术，艺术就是生活”的创作宗旨，父母的生活哲学仍然是本次创作的核心。不同的是，相对于曾在北京、纽约和柏林引起轰动的“物尽其用”，本次展览并没有较强的叙事性，这一次宋冬通过非叙事的方式展现了日常生活在“抽象”方面的更多可能。
展厅入口
宋冬，《坐井观天》及内部
“每个人都是井底之蛙，只不过每个人的井不一样大而已……镜子可以反射出所有的景色，但其实本质是一片空虚。”（宋冬）
宋冬，《无为之为-大白菜》
在展厅入口的墙面上印有宋冬母亲说的：“你认为没用的东西将来都用得上，你现在还没看到它的价值，要物尽其用。”以及宋冬父亲的话：“如果你能把天天吃的大白菜做的花样翻新、美味可口、出神入化，那是你的价值。”前者可以看做重估事物价值的“价值观”，后者则是如何发挥、表现这些价值的“方法论”。在这两句话下面堆放着的木质旧窗框是制作展厅内作品剩余的边角料，此时它们也作为作品在此呈现，其本身就是“物尽其用”的体现。
这颗特制的、具象的白菜与“旧窗框”系列作品的气质有较大差异，也许它会被质疑不符合旧物改造的逻辑，但另一方面，对宋冬来说，这是对父亲的致敬，正如在2005年宋冬在北京798的东京艺术工程实现“物尽其用”时在天窗上用霓虹灯写出来的那句“爸！别担心，我们和妈都挺好的。”一样，观众是否注意到或认同这些细节的价值并不重要，它们更关乎艺术家的个人感情。
宋冬，《草稿 1235mm x 485mm》
同样是发掘“剩余价值”，从主展厅到小展厅，策展的思路可看做从生活化到更精神化、更抽象化的过程，而标题“草稿”亦是一种对过程的强调。
最大牌
高古轩画廊（香港）：安尼施·卡普尔
2016年9月12日 - 2016年11月5日
展览现场
安尼施·卡普尔（Anish Kapoor)这位重量级的大型雕塑艺术家相信已经不用介绍。多年来他的作品展遍布世界各地的博物馆及公共空间，足迹更远至亚洲国家如日本和韩国，可本次展览却是他首次踏足香港。
展览现场
大部分时间在伦敦工作和生活的卡普尔，在伦敦南部城市有个大概二十人团队的工作室，他习惯先把作品做了出来，可能放置六个月到一年的时间，期间反复思考作品还有否改善进步的空间，决定眼前的作品要是能表达他当下的所思所想，他便会安排它们公开展出。
故虽说这次在香港展示的八件作品并不是特意为香港或亚洲市场创作，却是他精挑细选并经过周详的考虑认为是适当的作品放在合适的空间展览。在这八件展品当中，更高达六件为首次展出，只有《镜（黑）|Mirror(Black)》和《晕眩（Vertigo）》在之前曾展出过，可见他高度重视是次展览。
最走心
佩斯画廊（香港）：尹秀珍“精神之器”
2016年11月25日 – 2017年2月11日
展览现场
做为承载之物的器，一直贯穿在尹秀珍的作品和生活中，而此次其最新“器”系列作品则以一种“精神之器”呈现，由“礼器”、“壁器”、“泪器”、“融器”四组独特的陶瓷装置承载了复杂而生动的生命乃至灵魂。
《礼器28》，瓷、旧衣物，2016
《壁器2》，瓷、旧衣物，2016
《礼器9》及局部，瓷、旧衣物，2015-2016
《礼器9》及局部，瓷、旧衣物，2015-2016
《融器-刀1》及局部，瓷、刀子，2016年
这些被废弃的瓦砾承载着摧毁的能量，整个过程并不平静。它是发展和更替的印痕，都是在人类不同的价值观较量下的结果，饱含着人的气息和废墟的灵魂，不啻为一道另类的纪念碑。而那些内嵌于裂痕中的碎布则是从不同人穿过的衣服上揪下——就像是从废墟中长出来的各色植物，这些参差不齐的须须叉叉到处都蕴藏着旺盛的生命力。
《泪器系列1》（共108 件），瓷、金，2016
《泪器系列1》（共108 件），瓷、金，2016
尹秀珍做泪器时的工作照
“泪器”是盛装情绪的器皿。据说，尹秀珍在创作时最终进入了冥想状态，旁人并不敢打扰。她就那么静静地坐着，前面放着一条条手拉坯成形的器皿。最终她慢慢地一个个拿起来，默默地将边缘按压向自己的下眼睑。整个过程中做了几百个，却也烧损了许多，徒留下这装满人生108个烦恼的泪器，像一个个小人般仰望着观众。
最经典
艺术门画廊（香港）：山姆·弗朗西斯“空间之彩”
2016年9月10日 - 2016年11月7日
展览现场
“绘画过程是其中一种投入画面的方式，你所创造的就是它的假象……每一幅作品都犹如我的身体拓印，取材于生命中不同的瞬间。”山姆·路易斯·弗朗西斯（1923年至1994年）是那个时期国际上最为人赞颂的美国画家之一，位于艺术门的《空间之彩》为香港首个呈献弗朗西斯纸本和布面作品的展览，简要展出艺术家的彩色作品，包括艺术家早期的作品系列《蜂窝》、1960年代的《蓝色的球》和《边缘》系列，1970年代的《网格》和《曼陀罗》系列，1980年代的《原型》系列以及于1994年夏天艺术家离世前数月才完成的《最终的作品》系列。
《无题(SFP94-126)(SFF.1796)》，1994
《无题（#2 Pri-Rain）（SF64-592）》，1964
《无题(SF62-128)》，1962
此次展览为观众提供一个独特的机会以进入弗朗西斯的艺术世界，体验艺术家生命的片刻，加入艺术家对于无尽空间的探索，质问我们熟知和幻想的二元空间。他的作品充斥着物质和精神、有形与无形、心灵与躯体、人类和自然之间相互平衡的普世概念。他的画作在白色空间和由光线填充的虚空中无声地进行着沉思和自我审视。
（注：文中图片皆源自网络）
