去年，「艺术舞台」版块第一次出现在巴塞尔艺术博览会上，当时的开幕作品是泰国艺术家雷葵•提拉瓦尼亚的《无题音乐会》。博览会和巴塞尔剧场联手，邀请多名艺术家专门创作适合于大型舞台表演的作品。「艺术舞台」在美学和实质内容上的定位都放在豪华剧场制作和极简主义表演之间，展出作品包括戏剧、音乐会、音乐剧、行为表演、芭蕾和歌剧等多种类别。作为欧洲最富盛名的剧院之一，巴塞尔剧场无与伦比的基础设施和设备为所有演出都增色不少。
《戏剧女王》的创作团队坚信，时至今日，戏剧依然拥有强大的想象力量。在此启发下，两人合作完成了这部长达三十分钟的“无人剧”。该剧把象征二十世纪艺术史的七座雕塑从它们熟悉的美术馆环境中抽离，放到剧场舞台上。这七座雕塑分别是：阿尔贝托•贾科梅蒂的《行走的人》（1947），让•阿尔普的《云中牧羊人》（1953），安迪•沃霍尔的《布里洛洗衣粉盒》（1964），芭芭拉•赫普沃思 的《挽歌III》（1966），索勒•莱维特的《四个立方体》（1971），乌尔里希•吕克里姆的《无题》（花岗岩）（1984）以及杰夫•昆斯的《 兔子》（1986）。
这些“超级明星”将如何应对新的环境，怎样处理彼此的关系？我们很快便发现，雕塑其实是变幻无穷的实体，一幕小小的心理剧不可避免地在朴实无华的黑色舞台上缓缓展开。随着代表二十世纪艺术史不同流派的七座雕塑陷入冲突和辩论，并且由此展示出各自的最佳质地和内在弹性，剧中的故事情节也不断向前发展。
《戏剧女王》首次公开展出是在2007年德国明斯特雕塑十年展上。提姆•埃切尔斯（Tim Etchells）负责文字创作，Katja Byhan, Ronneburg以及柏林KÖNIG Bühnenbau负责雕塑制作。演职人员包括Alexander Partzov（云中牧羊人），Mark Coles（四个立方体），Lucy Coleby（挽歌 III），Marek Sarnowski（无题，花岗岩），James McLean（兔子）和Johann Schibli（行走的人）。
米歇尔•埃尔姆格伦（1962年生于丹麦，哥本哈根）和因加•德拉塞（1969年生于挪威，特龙赫姆）从1995年起合作至今。两人现在在柏林生活和工作。近年来，埃尔姆格伦&德拉塞以一系列名为《无力结构》的作品在国际上获得广泛关注。两人希望通过创作介于艺术、建筑和设计之间的作品探索并重塑一个空间及其在意义和功能上的无数可能性。他们的创作思路基于福柯的一篇论文。福柯在文中指出，限制人类行动的不是结构本身，而是对既定结构下某种行为模式的接受。埃尔姆格伦&德拉塞将空间转换成新的意义背景，有意改变它们的运作方式，其目的就是要重新定义并诠释人们习以为常的事物。例如，2003年，两人在德州马尔法和瓦伦丁镇之间的沙漠里建起了一座Prada店。尽管店内摆放着Prada这个国际时装品牌2003秋冬系列的一部分服装，但整个建筑既没有入口，也没有出口，所以很可能会慢慢损毁坍塌。这一项目充分体现了两人的创作风格。长期以来，艺术界围绕“白立方”有过很多辩论，而两人的作品就常常以此为出发点。因此，米歇尔•埃尔姆格伦和因加•德拉塞可以被归入这样一类艺术家：他们的审视行为多种多样，从通过对当代艺术栖身之地的批判性质疑探讨艺术的接受及公理，到八九十年代末的艺术机制批判都有所涉及。
「艺术舞台」是巴塞尔艺术博览会和瑞士最大的跨门类（戏剧、芭蕾、歌剧）剧场——巴塞尔剧场联手推出的合作项目。通过参与「艺术舞台」的组织制作，巴塞尔剧场希望创造一个反应并挑战社会的自由空间。该单元参展作品的风格可娱乐，可真实，也可感性——传达的讯息可以饱含感情，也可以极富挑逗或反思意味。但无论如何，它们总是蕴藏着发现新事物的机会，总能让人看到更精确，更惊人的可能性。「艺术舞台」使巴塞尔剧场在艺术风格和艺术想像力上的多样性得到进一步加强。视觉艺术和戏剧的联姻由来已久。几个世纪以来，视觉艺术家倾心于戏剧，而戏剧工作者也痴迷于视觉创作。二十世纪，艺术家对戏剧又有了新的理解。这种新认识超越了演员个体经验和单纯依赖文字表达的传统戏剧模式，是根植于二十世纪早期多个前卫艺术运动以及现代艺术流派的新型创作手法。
今年，由巴塞尔艺术博览会和巴塞尔剧场联合推出的「艺术舞台」单元将为观众献上艺术二人组埃尔姆格伦&德拉塞（Elmgreen & Dragset）（文字创作：提姆•埃切尔斯）的作品《戏剧女王》。该剧没有真人出演，而是让七座二十世纪的著名雕塑担任主角。它们如何面对舞台这个陌生的环境，彼此间会产生怎样的互动？七座雕塑分别代表二十世纪艺术史上的七个主要流派，剧情围绕它们之间的一系列冲突和辩论展开。「艺术舞台」单元由旧金山 CCA 瓦提斯当代艺术学院主任简斯•霍夫曼（Jens Hoffmann）策划，免费向公众开放。
去年，「艺术舞台」版块第一次出现在巴塞尔艺术博览会上，当时的开幕作品是泰国艺术家雷葵•提拉瓦尼亚的《无题音乐会》。博览会和巴塞尔剧场联手，邀请多名艺术家专门创作适合于大型舞台表演的作品。「艺术舞台」在美学和实质内容上的定位都放在豪华剧场制作和极简主义表演之间，展出作品包括戏剧、音乐会、音乐剧、行为表演、芭蕾和歌剧等多种类别。作为欧洲最富盛名的剧院之一，巴塞尔剧场无与伦比的基础设施和设备为所有演出都增色不少。
《戏剧女王》的创作团队坚信，时至今日，戏剧依然拥有强大的想象力量。在此启发下，两人合作完成了这部长达三十分钟的“无人剧”。该剧把象征二十世纪艺术史的七座雕塑从它们熟悉的美术馆环境中抽离，放到剧场舞台上。这七座雕塑分别是：阿尔贝托•贾科梅蒂的《行走的人》（1947），让•阿尔普的《云中牧羊人》（1953），安迪•沃霍尔的《布里洛洗衣粉盒》（1964），芭芭拉•赫普沃思 的《挽歌III》（1966），索勒•莱维特的《四个立方体》（1971），乌尔里希•吕克里姆的《无题》（花岗岩）（1984）以及杰夫•昆斯的《 兔子》（1986）。
这些“超级明星”将如何应对新的环境，怎样处理彼此的关系？我们很快便发现，雕塑其实是变幻无穷的实体，一幕小小的心理剧不可避免地在朴实无华的黑色舞台上缓缓展开。随着代表二十世纪艺术史不同流派的七座雕塑陷入冲突和辩论，并且由此展示出各自的最佳质地和内在弹性，剧中的故事情节也不断向前发展。
《戏剧女王》首次公开展出是在2007年德国明斯特雕塑十年展上。提姆•埃切尔斯（Tim Etchells）负责文字创作，Katja Byhan, Ronneburg以及柏林KÖNIG Bühnenbau负责雕塑制作。演职人员包括Alexander Partzov（云中牧羊人），Mark Coles（四个立方体），Lucy Coleby（挽歌 III），Marek Sarnowski（无题，花岗岩），James McLean（兔子）和Johann Schibli（行走的人）。
米歇尔•埃尔姆格伦（1962年生于丹麦，哥本哈根）和因加•德拉塞（1969年生于挪威，特龙赫姆）从1995年起合作至今。两人现在在柏林生活和工作。近年来，埃尔姆格伦&德拉塞以一系列名为《无力结构》的作品在国际上获得广泛关注。两人希望通过创作介于艺术、建筑和设计之间的作品探索并重塑一个空间及其在意义和功能上的无数可能性。他们的创作思路基于福柯的一篇论文。福柯在文中指出，限制人类行动的不是结构本身，而是对既定结构下某种行为模式的接受。埃尔姆格伦&德拉塞将空间转换成新的意义背景，有意改变它们的运作方式，其目的就是要重新定义并诠释人们习以为常的事物。例如，2003年，两人在德州马尔法和瓦伦丁镇之间的沙漠里建起了一座Prada店。尽管店内摆放着Prada这个国际时装品牌2003秋冬系列的一部分服装，但整个建筑既没有入口，也没有出口，所以很可能会慢慢损毁坍塌。这一项目充分体现了两人的创作风格。长期以来，艺术界围绕“白立方”有过很多辩论，而两人的作品就常常以此为出发点。因此，米歇尔•埃尔姆格伦和因加•德拉塞可以被归入这样一类艺术家：他们的审视行为多种多样，从通过对当代艺术栖身之地的批判性质疑探讨艺术的接受及公理，到八九十年代末的艺术机制批判都有所涉及。
「艺术舞台」是巴塞尔艺术博览会和瑞士最大的跨门类（戏剧、芭蕾、歌剧）剧场——巴塞尔剧场联手推出的合作项目。通过参与「艺术舞台」的组织制作，巴塞尔剧场希望创造一个反应并挑战社会的自由空间。该单元参展作品的风格可娱乐，可真实，也可感性——传达的讯息可以饱含感情，也可以极富挑逗或反思意味。但无论如何，它们总是蕴藏着发现新事物的机会，总能让人看到更精确，更惊人的可能性。「艺术舞台」使巴塞尔剧场在艺术风格和艺术想像力上的多样性得到进一步加强。视觉艺术和戏剧的联姻由来已久。几个世纪以来，视觉艺术家倾心于戏剧，而戏剧工作者也痴迷于视觉创作。二十世纪，艺术家对戏剧又有了新的理解。这种新认识超越了演员个体经验和单纯依赖文字表达的传统戏剧模式，是根植于二十世纪早期多个前卫艺术运动以及现代艺术流派的新型创作手法。
今年，由巴塞尔艺术博览会和巴塞尔剧场联合推出的「艺术舞台」单元将为观众献上艺术二人组埃尔姆格伦&德拉塞（Elmgreen & Dragset）（文字创作：提姆•埃切尔斯）的作品《戏剧女王》。该剧没有真人出演，而是让七座二十世纪的著名雕塑担任主角。它们如何面对舞台这个陌生的环境，彼此间会产生怎样的互动？七座雕塑分别代表二十世纪艺术史上的七个主要流派，剧情围绕它们之间的一系列冲突和辩论展开。「艺术舞台」单元由旧金山 CCA 瓦提斯当代艺术学院主任简斯•霍夫曼（Jens Hoffmann）策划，免费向公众开放。
去年，「艺术舞台」版块第一次出现在巴塞尔艺术博览会上，当时的开幕作品是泰国艺术家雷葵•提拉瓦尼亚的《无题音乐会》。博览会和巴塞尔剧场联手，邀请多名艺术家专门创作适合于大型舞台表演的作品。「艺术舞台」在美学和实质内容上的定位都放在豪华剧场制作和极简主义表演之间，展出作品包括戏剧、音乐会、音乐剧、行为表演、芭蕾和歌剧等多种类别。作为欧洲最富盛名的剧院之一，巴塞尔剧场无与伦比的基础设施和设备为所有演出都增色不少。
《戏剧女王》的创作团队坚信，时至今日，戏剧依然拥有强大的想象力量。在此启发下，两人合作完成了这部长达三十分钟的“无人剧”。该剧把象征二十世纪艺术史的七座雕塑从它们熟悉的美术馆环境中抽离，放到剧场舞台上。这七座雕塑分别是：阿尔贝托•贾科梅蒂的《行走的人》（1947），让•阿尔普的《云中牧羊人》（1953），安迪•沃霍尔的《布里洛洗衣粉盒》（1964），芭芭拉•赫普沃思 的《挽歌III》（1966），索勒•莱维特的《四个立方体》（1971），乌尔里希•吕克里姆的《无题》（花岗岩）（1984）以及杰夫•昆斯的《 兔子》（1986）。
这些“超级明星”将如何应对新的环境，怎样处理彼此的关系？我们很快便发现，雕塑其实是变幻无穷的实体，一幕小小的心理剧不可避免地在朴实无华的黑色舞台上缓缓展开。随着代表二十世纪艺术史不同流派的七座雕塑陷入冲突和辩论，并且由此展示出各自的最佳质地和内在弹性，剧中的故事情节也不断向前发展。
《戏剧女王》首次公开展出是在2007年德国明斯特雕塑十年展上。提姆•埃切尔斯（Tim Etchells）负责文字创作，Katja Byhan, Ronneburg以及柏林KÖNIG Bühnenbau负责雕塑制作。演职人员包括Alexander Partzov（云中牧羊人），Mark Coles（四个立方体），Lucy Coleby（挽歌 III），Marek Sarnowski（无题，花岗岩），James McLean（兔子）和Johann Schibli（行走的人）。
米歇尔•埃尔姆格伦（1962年生于丹麦，哥本哈根）和因加•德拉塞（1969年生于挪威，特龙赫姆）从1995年起合作至今。两人现在在柏林生活和工作。近年来，埃尔姆格伦&德拉塞以一系列名为《无力结构》的作品在国际上获得广泛关注。两人希望通过创作介于艺术、建筑和设计之间的作品探索并重塑一个空间及其在意义和功能上的无数可能性。他们的创作思路基于福柯的一篇论文。福柯在文中指出，限制人类行动的不是结构本身，而是对既定结构下某种行为模式的接受。埃尔姆格伦&德拉塞将空间转换成新的意义背景，有意改变它们的运作方式，其目的就是要重新定义并诠释人们习以为常的事物。例如，2003年，两人在德州马尔法和瓦伦丁镇之间的沙漠里建起了一座Prada店。尽管店内摆放着Prada这个国际时装品牌2003秋冬系列的一部分服装，但整个建筑既没有入口，也没有出口，所以很可能会慢慢损毁坍塌。这一项目充分体现了两人的创作风格。长期以来，艺术界围绕“白立方”有过很多辩论，而两人的作品就常常以此为出发点。因此，米歇尔•埃尔姆格伦和因加•德拉塞可以被归入这样一类艺术家：他们的审视行为多种多样，从通过对当代艺术栖身之地的批判性质疑探讨艺术的接受及公理，到八九十年代末的艺术机制批判都有所涉及。
「艺术舞台」是巴塞尔艺术博览会和瑞士最大的跨门类（戏剧、芭蕾、歌剧）剧场——巴塞尔剧场联手推出的合作项目。通过参与「艺术舞台」的组织制作，巴塞尔剧场希望创造一个反应并挑战社会的自由空间。该单元参展作品的风格可娱乐，可真实，也可感性——传达的讯息可以饱含感情，也可以极富挑逗或反思意味。但无论如何，它们总是蕴藏着发现新事物的机会，总能让人看到更精确，更惊人的可能性。「艺术舞台」使巴塞尔剧场在艺术风格和艺术想像力上的多样性得到进一步加强。视觉艺术和戏剧的联姻由来已久。几个世纪以来，视觉艺术家倾心于戏剧，而戏剧工作者也痴迷于视觉创作。二十世纪，艺术家对戏剧又有了新的理解。这种新认识超越了演员个体经验和单纯依赖文字表达的传统戏剧模式，是根植于二十世纪早期多个前卫艺术运动以及现代艺术流派的新型创作手法。
