编者按
初夏，阿那亚·金山岭Le Clézio Gallery 勒齐奥画廊迎来首个展览，呈现法国摄影师埃里克·波特⽂（Éric Poitevin）与芬兰艺术家艾尔莎·萨洛宁(Elsa Salonen)双人展“尚未成为意义”。波特文以极简摄影剥离语境，定格自然本真的静止状态；萨洛宁则萃取天然色素，以炼金术式装置演绎生命流变。两位艺术家以不同路径观照自然，在“静止”与“流变”间构建对话，引导我们跳出对意义的急切解读，在慢下来的时光里，直面存在本身的纯粹与深邃。展览持续至8月15日，邀您共赴这场关于自然与存在的冥想之约。
展览现场
本次展览呈现法国摄影师埃里克·波特文与芬兰艺术家艾尔莎·萨洛宁之间的一场平静对话。在极简的视觉语法之下，两位艺术家以截然不同的路径进入自然，在“如何观看存在”这一问题上形成微妙的共振。
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埃里 克·波特文 的摄影是一场主动的“ 减法”： 将摄影还原为一种直接的呈现——图像即其自 身。他建立在一种近乎严格的去除机制之上，去 除情境、叙事与情绪暗示。他的图像拒绝“决定 性瞬间”，转而呈现一种被持续拉长的时间状态。 其作品在极其受控的条件下完成，工作方法透着 强烈的古典严谨感和简约主义，无阴影的白背景 将拍摄对象从原有的语境中“连根拔起”，于是 观众没法通过环境去猜故事，只能直视对象本身。 植物系列中，每株植物均以 1:1 比例呈现，尺幅 随植物大小而变化。在失去空间参照的维度里， 植物以平衡、敏感而笃定的姿态挺立，生成近乎 雕塑的触感，或是一种纪念碑式的庄严。
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波特文对浪漫主义或生态叙事的修辞保持着警惕，他不试图评议其日常生活的森林和乡村，而是通过镜头揭示自然事物的厚度与时间；避免戏剧性的明暗光影，避免强光和深影带来的情感波动，将被观看的主体置于均匀的漫反射光中。他想做的是诚实地将一个事物的“真实状态”原原本本地呈现，而已。
与之形成对照的是艾尔莎·萨洛宁的实践，她并非“再现”自然，而是对其进行转化。
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萨洛宁有一个日常中的朴素观察：当生命状态改 变，其颜色也随之改变，而自然界中的所有色彩 都彰显其生命的某种状态。所以她按照中世纪炼 金术的古老技法，将植物中的色素提取、储存在 玻璃烧瓶中，并与褪色后的白色花体并置呈现。 这一行为具有极强的仪式感：色素代表了植物的 “能量”或“灵魂”， 而脱色的纤维则是它的“肉体”。 这种分离既是物理的，也是文学的。
萨洛宁的实践深受“炼金术”与“万物有灵论”的影响，二者都将周遭视为有感知的存在。在芬兰的自然崇拜中，人们相信每个环境都由一位守护神（haltija）统领，护佑着该地区并影响其福祉。
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萨洛宁完全使用天然颜料进行创作，以陨石、动物骨骼、海贝壳与植物等研磨入料，每种物质都承载其源起的时间和知识，“形成的历程”即是作品的意义结构。她将微观的植物化学过程与宏观的宇宙演化相连——当她所研制的颜料混合了陨石粉末或古老的矿物时，也在暗喻地上的生命与星尘同源。
在展览空间中，两种实践展开对话：
一方是波特文的“静止”——被剥离语境的对象，在绝对当下中显现；一方趋向极简与中性，以平视抵达深度。
另一方是萨洛宁的“流变”——物质在时间与能量之间不断转译；一方指向象征与转化，以物质揭示不可见的联系。
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这种并置是一种缓慢的相互校准：
当图像被还原为“ 如其所是”，物质被拆解为“其所包含”，我们不再急于理解，而是先停下来看它如何存在。自然不再是背景，也不是被使用的对象，它不解释，也不指向别处。由此构成一种兼具感官性与冥想性的体验：在去叙事的平视中产生陌生，在物质转化的痕迹中感知时间，并最终将注意力由“意义的解释”转向“存在的显现”。
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展览因此变得很简单了，一边是事物被看见的样子，一边是事物发生过的痕迹。它们共同指向的，不是意义，而是一种且慢且慢的时间，以及在其中逐渐显现的存在本身。
图片来源：
Le Clézio Gallery ， 阿那亚 · 金山岭（ Aranya JinShanLing ） ， 摄影：张辉（ Zhang Hui ） © Eric Poitevin / Elsa Salonen / Le Clézio Gallery
尚未成为意义
2026年5⽉31⽇ — 8⽉15⽇
Le Clézio Gallery 勒齐奥画廊
阿那亚·⾦⼭岭⼭⾕⼩镇街区14-107
埃里克·波特文 Éric Poitevin
1961 年出生于法国龙吉永
埃里 克·波特文 是当代摄影界最具影响力的艺术家之一，自1989 年驻留罗马美第奇别墅至今，他用四十年的克制修行，在视觉图像的“沉默”中构建出一套极致的严谨哲学。其作品以笃定细腻、视觉上的“沉默”以及与古典绘画史的深层对话而著称。
波特文拒绝“快照式”的记录，他更像是一位图像的建造者。他习惯使用传统大画幅相机进行极其缓慢的拍摄，让光线与物质在镜头前长时间“沉淀”，赋予画面一种近乎雕塑的质感与厚度。通过使用中性底色（如极简的白或浅灰），波特文将拍摄对象从原有的叙事背景中彻底抽离。这种“剥离感”消解了图像的轶事性与偶然性，迫使观者在毫无干扰的视觉场域中，直面事物最本真、最肃穆的生命形态。
波特文的作品是对古典艺术门类的当代转译。无论是人体、肖像、风景还是静物，他始终在解构与重建：其人体系列摒弃了商业化的审美美化，以解剖学般的诚实展现皮肤的纹理与褶皱，捕捉生命肉身的真实；他拍摄貌似脆弱但实则笃定的植物或动物残骸，在肃穆的诗意中重新审视“凡念”（Vanitas）这一古老命题，探讨生命的脆弱与流逝；面对自然，他采取正面且密集的构图，将森林与灌木转化为充满细节纹理的抽象表面。波特文的艺术像是一场关于“观看”的克制修行，引导我们去平视那些被日常忽略的碎片——一束孱弱的植草、一个没有表情的背影、一个只剩残炙的盘子。通过精准的构图与光影控制，他为这些平凡之物披上了纪念碑式的尊严与精神力量。
他的作品被视为当代摄影语言的标杆，进入了全球最具权威性的馆藏，其也是法国公立收藏最完整的艺术家之一。
波特文的展览不仅是图像的展示，更是对空间的重新丈量。他极少参与纯商业展览，其履历集中于全球顶尖美术馆及具有高度学术价值的艺术现场。这些收藏和展览一次次地巩固了波特文作为法国最重要摄影艺术家之一的国际地位。波特文的作品在艺术市场上极具张力，从他20 世纪80 年代末致敬拍摄的“一战老兵肖像”系列，到其标志性的感怀慈悲平视“1:1 植物”系列，他的荣誉体现在其对“摄影语言极致化”的贡献。他注重事物发生的合理性和准确性，因此他自己也选择与不准确的奖项和赞誉保持距离，这使他成为了艺术圈内备受尊重的“艺术家中的艺术家”。
如果说亨利·卡蒂埃- 布列松捕捉的是‘决定性瞬间’，那么埃里克·波特文记录的就是‘永恒的静止’。
他剥离了一切多余的信息，让摄影回到了绘画最原始的命题：光、影子、以及存在的重量。
埃里克·波特文 Éric Poitevin
1961 年出生于法国龙吉永
法国国家级： 蓬皮杜艺术中心 (Centre Pompidou)、法国国家视觉艺术中⼼ (CNAP)、巴黎市立现代艺术博物馆、欧洲摄影之家 (MEP)、尼斯摄影博物馆、凡尔赛宫艺术中心。
国际美术馆： 瑞士日 内瓦现代与当代艺术博物馆 (MAMCO)、日 本上岛美术馆 (UeshimaMuseum)、列支敦士登美术馆 (Kunstmuseum Liechtenstein)。
地方性与学术性基金会： 法国各地区当代艺术基金会 ( FR AC 奥弗涅、勃艮第、朗格多克- 鲁西永、法兰西岛)、卡地亚当代艺术基金会、爱马仕艺术基金会。
企业收藏： 法国兴业银行艺术收藏 、德意志银行收藏。
2025 | 京都，日本：两足院，《间》——Kyotographie 2 025 重点项目
2024 | 巴黎，法国：蓬皮杜艺术中心，《摄影的物质性》
2023 | 卢瓦尔河畔肖蒙，法国：肖蒙领地，《年度回顾展》
2022 | 里昂，法国：里昂美术馆 ，艺术家大型回顾展
2019 | 凡尔赛，法国：特里亚农宫 ，《显影与隐形》
2018 | 维耶尔宗，法国：Le C ompa 农业博物馆，《人之路 ：一战老兵肖像回顾》
2017 | 巴黎，法国：卡地亚当代艺术基金会，《自然叙事》
2014 | 尼斯，法国：尼斯摄影博物馆，《回响》
2011 | 第戎，法国：Le C onsor tium 当代艺术美术馆，《无题》
2007 | 巴黎，法国：巴黎市立现代艺术博物馆，《过程》
2004 | 日内瓦，瑞士：现代与当代艺术博物馆 (MAMCO)，《纵向研究》
艾尔莎·萨洛宁 Elsa Salonen
1984 年出生于芬兰图尔库，现生活与工作于柏林
艾尔莎·萨洛宁是当代芬兰最具辨识度的艺术家之一。她的实践横跨绘画、装置与观念艺术，致力于在微观化学反应与宏观宇宙叙事之间架起桥梁。萨洛宁的作品并非对自然的简单描摹，而是一场深刻的能量转译——她犹如一位穿梭于现代实验室与古老文明之间的炼金术士，探寻生命本质的纯粹性。
萨洛宁的创作骨架支撑在万物有灵论（Animism）与炼金术之上。植根于北欧的文化血脉，她将自然视为拥有意识的生命体，每一片土地与水源都由“守护神”（Haltija）所感知。艺术创作成为了一种沟通仪式，旨在重联人类与自然灵性之间失落的平衡。基于萨洛宁的实验室美学与炼金术，她将中世纪炼金术视为理解宇宙关联的工具。通过使用玻璃器皿、蒸馏过程和矿物研磨，她不仅在提炼物质，更是在模拟宇宙的演化，试图理解个体灵魂与万物本质的“反复蒸馏”。
萨洛宁最负盛名的贡献是她在2010 年代初期研发的“萃取法”。
她通过诗意的操作将生物能量可视化：从花卉中提取出的色素被储存于容器中，与退化为苍白纤维的“肉身”并置。在她看来，色彩即是生命能量的表征，这种并置直观地呈现了“生命力”与“躯壳”的分离。
萨洛宁的一个重要坚持即是她完全背离了工业合成颜料，而是经过多年实践构建了一套基于自然物质的“观念色谱”。对她而言，颜料本身就是叙事者。她的原材料涵盖了坠落地球的陨石（携带宇宙的时间记忆）、动物遗骨与海贝（承载生命的轮回），以及药用草本与菌类（蕴含治愈的古老知识）。颜料不再是装饰工具，而是作品的灵魂。通过研磨这些具有特定生态意义的物质，她将具体的地理现场与普世的生命命题相连：当星际尘埃被抹入画作，观者面对的不仅是颜色，更是生命与星辰同源的证据。
在全球生态危机背景下，萨洛宁的创作展现了一种极具深度和克制的“慢哲学”。她的作品不仅是实验性的视觉呈现，更是在工业文明之后，试图重建人类对自然秩序的敬畏。其作品在“新材料主义”与“生态艺术”学术圈内备受推崇，并凭借其对精神性与物质能量的深刻洞察，在国际当代艺术界确立了不可替代的地位。
萨洛宁的作品因其深刻的哲学内涵与独特的媒介探索，被欧洲多家顶尖艺术机构永久收藏。
萨洛宁的展览轨迹跨越欧亚大陆，其创作常作为连接非人类中心主义与物质灵性的桥梁，受邀于全球多家前沿当代艺术机构。
View of the facade, Le Clézio Gallery (Paris). Photo : Bruno Pellarin © Le Clézio Gallery.
View of the facade de Le Clézio Gallery (Aranya JinShanLing, China). Photo: Zhang Hui © Le Clézio Gallery.
Le Clézio Gallery 勒齐奥画廊
诞生于巴黎圣奥诺雷郊区街(Rue du Faubourg Saint-Honoré, 75008 Paris)，勒齐奥画廊是一家在闹市中坚持关注「朴素且严肃」的当代艺术画廊。展览艺术家来自芬兰、苏格兰、法国、中国、日本、爱沙尼亚等地，呈现多元文化视角下的当代创作。
来到金山岭，画廊继续延续「朴素、严肃、当代」的生长理念，从世界各地遴选艺术家作品，以独到视角介入当下，对复杂变动的现实做尽量诚实的回应与关照，与不同背景的艺术家一起去理解此时此刻的世界。
Antoine Le Clézio(安东尼)曾在巴黎圣日耳曼德佩区担任多年画廊经理，在此前主要研究中世纪艺术和当代艺术并发表有领域贡献的学术论文。其对当代艺术和艺术家天然的热情与兴趣让他周围生长出基于扎实分享与认同的藏家与学术群体。
王雁(Yan)在法国生活了16年，先在大学时期于南法创立了自己的同传翻译工作室，为包括法国前总统萨科齐和奥朗德在内的多位外交政治人物提供服务，后于巴黎与合伙人共同创办了一家艺术策展公司，与法国、韩国和中国的多家美术馆合作策划及举办展览。
两位创始人共同秉持一套衡量当代艺术的准则，其核心基于四大支柱:无常性(L'impermanence)、跨文化性(La transculturalité)、记忆(La mémoire)与游戏性(Le jeu)。
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