ArtDepot艺术仓库荣幸带来艺术家曾浩个展《在》，于2025年8月24日至9月24日在北京798艺术区空间呈现，并将于2025年8月31日举行开幕。本次展览将展出艺术家创作于2021-2025的15件精选架上作品。
本次个展是曾浩2022年在ArtDepot艺术仓库个展《三棵树 两个杯子 一个人》后至今创作的集中呈现，相较于3年前的个展，本次展览对作品的选取聚焦曾浩在绘画中的不断更改、破坏与尝试，试图以展览名称《在》指代状态的不断更新与生成。曾浩作品曾参加巴西圣保罗双年展（2002）、威尼斯国际艺术双年展（2009）、釜山双年展（2017）等国际展览，巫鸿、栗宪庭、黄专、黄笃等批评家曾为其撰文。

曾浩：改变作为方法创作中的改变与坚持

许多人注意到曾浩艺术之路上的两次转变。第一次在1995年，他逐渐远离“新生代”风格的绘画，开始创作被称为“小人画”的作品。评论家栗宪庭这样描述：他把日常生活中的图像拆解，重新安置于二维平面中，使人与物脱离我们熟悉的从属关系。

第二次转变大致始于2006年他在沪申画廊的个展，并在2010年由巫鸿策展的《盛夏》中更为明确。巫鸿认为，曾浩的变化“更为内在和连贯——并非与外界无关，而是借助自身语言的演进实现与外在的对话。”

但我们或许不应只以阶段划分来看曾浩，更应理解他一以贯之的追求：拒绝程式化，警惕被常规认可的“完整”。
他的改变并非间歇发生，而是持续浸润在每一幅画的生长过程中。他不预先设定最终效果，也不刻意追求某种“完成”，而是在反复涂抹与修改中，让画面逐渐生成自己的语言。他既给出明确的表达，又主动保留未决之处——色彩之间的过渡被有意模糊，一些形体游移于具象和抽象之间，空间安排看似随意却内含节奏。这些不确定之处，正是他为观看预留的入口。

走进他的工作室，会发现这些画仿佛始终处于“未完成”的状态。多个画架同时立着，他像与一批画共同工作。杂志、颜料、水杯散置四周，一块约三平米的调色板放在中央，叠压的颜料记录着时间的痕迹。数十幅画靠墙摆放，有的仅铺了一层浅色底子，有的已被多次描绘、刮擦和覆盖，底层色彩若隐若现；甚至还有些几十年前的旧稿或旧作，正等待被重新修改。

哪怕在与友人交谈时，他的目光也常徘徊于画幅之间，进行比较和推敲。对他而言，创作不是线性地完成一件作品，而是多件作品同时生长、彼此呼应。某一幅中的一片淡紫，也许会让他突然意识到另一幅里某处暖白不太合适。

这是一个不断更改、破坏、尝试的过程。但他的“破坏”并非来自情绪，而是一种冷静的、近乎必需的“否定”。他抗拒一切过早到来的“顺眼”，警惕那些轻易被接受的“完整”。他让画面在反复调整中逐渐沉淀出自身的语言。许多作品创作周期长达数月，甚至两三年。
即便描绘的是同一片树林，作品在不同阶段也可能发生巨大变化——构图、色调、形象，乃至树的种类、排列、季节，一切都可以不断调整。即使某张画已看似完成，甚至已经出版，他仍可能再次修改。地面的颜色、天空的层次、空间的比例、树的疏密……对曾浩而言，画始终处于“正在发生”的状态，是活着的、呼吸的实在。也正是在这种不间断的修改中，他实践着对程式化的拒绝。

“创作的结果谁也不知道，科学家也做不到准确预测终点。如果早就知道结果，那还有什么可探索的？我没有什么目的性，我的画只呈现一个过程，也是自我认知的不断更新。不断打破，至少带来一种兴奋——这个过程，就是创作的自由。”
“在”，既是一种动作，也是一种状态。它不是抵达，而是正在生成。它是画家身体的在场——每一笔涂抹、覆盖与刮擦；也是精神上的“此刻”——墙上的白、痕与灰，都成为“在”这一过程本身的隐喻。

关于艺术家｜About the artist

曾 浩（摄影 小米）

中国当代艺术家。1989年毕业于中央美术学院油画系，现工作、生活于北京，90年代中晚期中国观念主义绘画运动中的代表性画家之一。

从中央美术学院毕业后，曾浩曾在昆明、广州从事艺术教育工作，随后在90年代初成为了职业画家。曾浩个人风格及特点的发展为中国新生代绘画及玩世现实主义这一宏观时代提供了一个具体且微观的视角，曾浩的作品也建立了一个关于人、物及空间关系的持续讨论。

其作品曾在韩国国立现代美术馆、印尼国家美术馆、德雷斯美术馆、斯马特美术馆、罗马当代艺术博物馆、捷克国家美术馆、塔希提美术馆、法国马赛当代艺术博物馆、路德维希现代美术馆、中国美术馆、民生现代美术馆、何香凝美术馆、广东美术馆、上海美术馆等国内外美术馆展出。

部分作品也曾参加巴西圣保罗双年展、威尼斯国际艺术双年展、釜山双年展、ChinaArt—中国当代艺术巡展、布拉格双年展等国际展。