第九届画廊周北京于2025年5月23日正式开幕，30家主单元参展画廊携36场精彩展览共同呈现了一场汇聚前沿艺术创作与多元文化表达的城市艺术盛会。
今年的展览在数量与质量上双向提升，充分展现了画廊周北京以缔造“北京艺术季”为核心目标的持续扩容，促进北京城市文化能级的提升。
为更好回应参与画廊整体体量的扩容与内容维度的深化，画廊周北京对“最佳展览奖”与“探索无界奖”的评选机制进行了重要更新，进一步强化了奖项的专业性、开放性与前瞻性。
为了回应本年度项目中展览体量的扩容与展览内容丰富度的提升，构建更开放、更具前瞻性的评选体系，进一步激发艺术创作的多样性与批判性思考，第九届画廊周北京对“最佳展览奖”与“探索无界奖”的评选机制进行重要更新。这也是画廊周北京对艺术生态可持续性的承诺——通过结构优化，打破壁垒，让不同世代的专业声音共同塑造评价标准。
本届“最佳展览奖”的评选将由青年策展人与资深非营利机构馆长之间的跨代合作完成：本届画廊周北京邀请陈立、富源、刘倩兮、孙文杰、王欢（按姓氏首字母排序）5位长期关注北京艺术生态的青年策展人组成初审评审团，共同提名了9个候选展览。
在终选阶段，由卢迎华、田霏宇、唐昕、杨北辰、闫士杰（按姓氏首字母排序）5位非营利艺术机构馆长组成的终审评审团，从提名展览中选出“最佳展览奖”获奖展览。
“最佳展览奖”
“最佳展览奖”的评选以“嘉许参与画廊在画廊周北京期间呈现的年度最引人注目的展览、以及参与画廊为提高展览的整体质量、推广当代艺术方面所做的努力”为宗旨，经过严谨和全面的评选，最终由“魔金石空间”获得2025年画廊周北京“最佳展览奖”。
展览介绍
1947年，计算机哈佛马克II在运行过程中出现了一次系统故障，操作员在机器内部发现一只飞蛾卡在继电器之间。这次事件被认为是早期计算机历史中最著名的一只“bug”。生态圈层与技术圈层的这次偶然碰撞，是从20世纪到21世纪多个事件的起点——包括郭城此次名为“虫”的展览。
展厅被分成两个场景：一间异样的数据中心机房，以及一片诡异的田野。两者分处于展厅隔墙的两侧，通过一扇窗户彼此连通， 穿行其间的生物或将经历主体性层面的模糊与错位。
进入机房，两根缓慢旋转的岩芯被数簇随网络桥架一同脱落的网线环绕。绿色薄膜掠过之处，岩芯上显现出仿佛原始汤般的图腾，似细胞，又似斑纹。角落中的服务器里有一台手机挤压着地球玩偶，上面运行的日历软件可持续至系统时间极限（约292亿年，远超宇宙历史），指涉环境的拟人化与商品化，以及技术基础设施对地质资源的消耗。一旁被融化金属包裹的芯片装置则暗示了技术进程中潜在的毁灭性力量。
穿过“窗户”进入另一场景，发光的帐篷装置源自郭城在墨脱田野灯诱昆虫的经历：关于昆虫夜间被光线吸引的现象，有一种假说认为昆虫利用月光导航，而人造光源则扰乱了它们的导航机制，观众走近这件作品的行为，就像是夜间趋光昆虫的动作。同一区域中的作品可视为一系列的“准物件”（quasi-objects），它们构成了由当代技术设施——公路、发电设备、电缆、冷凝器及其副产物——共同构筑的复杂网络。同时，这些作品亦演练了自然系统强大自我协调机制，无法被掌控，且不断处于动态平衡的状态之中。
“虫（bug）”不仅是技术物中亟待清理或修正的技术缺陷，亦是真实环境中的生物实体。它们常被视为干扰的对象，却揭示了不同圈层交叠之处的复杂生态环境及共生关系。数据中心和田野山川之间的关系实难以用窗户或其他结构搭建明晰隔断。《大戴礼记·易本命》中提及，人为倮虫，并与羽虫、毛虫、麟虫、甲虫并称为五虫，涵盖了世间所有动物。这种分类方式将人类置于更广阔的生命谱系之中，指认了万物的复杂纠缠。
部分作品由北京大学博古睿研究中心“创意未来”项目委任（首展于《时间的幼虫》，龙星如策划）。
艺术家介绍
郭城，1988年生于北京，现工作生活于上海。他的艺术实践着眼于既有/新兴科技对社会与文化方面的冲击与影响，以及置身其中的个体与社会生活之间的关系。近年来，他的工作围绕着行星视角下的泛人造物和基础设施展开，并结合人类世、（中国）互联网等主题。郭城的作品常以雕塑/装置的形式呈现，他经常使用幽默又冷峻的形式语言，将宏大议题与看似随意的物品相连结，为想象和讨论提供了批判性的视角。
他曾于四方美术馆（南京）、魔金石空间（北京）和广州画廊（广州）举办个展，作品展出于各机构，比如上海纽约大学当代艺术中心（上海）、M+（香港）、美凯龙艺术中心（北京）、天目里美术馆（杭州）、澳门艺术博物馆（澳门）、松美术馆（北京）、剩余空间（武汉）、现代汽车文化中心（北京）、UCCA Edge（上海）、OCAT西安（西安）、OCAT上海（上海）、上海多伦现代美术馆（上海）、OCAT深圳（深圳）、六厂纺织文化艺术馆（香港）、德国卫生博物馆（德累斯顿）、金鹰美术馆（南京）、新时线媒体艺术中心（上海）、X美术馆（北京）、世界文化宫（柏林）、上海当代艺术博物馆（上海）、UCCA沙丘（秦皇岛）、今日美术馆（北京）、泰康空间（北京）、熊本当代艺术博物馆（熊本）、MU艺术中心（埃因霍温）、何香凝美术馆（深圳）、尤伦斯艺术中心（北京）。
郭城曾获选新世纪当代艺术基金会“艺术家创作及展览资助计划”（2022）、2020-2021保时捷“中国青年艺术家双年评选”（2021）、奥地利林茨电子艺术奖荣誉奖（2020）、CAC:// DKU“研究与创作学术奖金”（2020）、 奥地利林茨STARTS Prize提名奖（2020）、数字地球学术奖金（2019）、华宇青年奖评委会特别奖（2018）、海牙生物艺术奖（2017）。
其作品已被香港 M+ 博物馆、上海当代艺术博物馆、瑞士希克收藏，以及中国国际艺术与科学研究院等机构和个人收藏。
画廊周北京2025“最佳展览奖”颁奖现场
“探索无界奖”
自第八届画廊周北京开始，画廊周北京为更加聚焦于展览的边界与可能，强调艺术创作的开放性与多元性，增设了“探索无界奖”。该奖项更强调艺术创作的无边界特性并试图探索展览的无限可能，该奖项的设立旨在鼓励艺术家们打破传统的束缚，勇于尝试新的艺术形式、媒介和表达方式，并鼓励艺术参与者们共同打破展览的边界，以全新的视角和方式呈现艺术作品，从而推动艺术领域的创新和进步。
在今年的评选中，“探索无界奖”由陈立、富源、刘倩兮、孙文杰、王欢五位青年策展人组成的评审团独立评选，既代表着全新的时代视角，也为当代艺术注入更具前沿性的判断力与活力。
经过多轮走访与评选，最终由空⽩空间的“碧虚”和⻢刺画廊的“47天（⽆声）”共同获得2025年画廊周北京“探索无界奖”。
展览介绍
展览以唐代诗人张九龄"修竹含清景，华池澹碧虚"为灵感，通过绘画作品，探索水作为"神性存在"的哲学意涵，并以此延展对生命、能量及虚实本质的思考。此次展览不仅是李姝睿近年来迁居洱海后创作脉络的集中呈现，更是其在"光"与"抽象"的创作线索之外、向着更多维度感知世界迈进的实践。
三年前，李姝睿迁居大理洱海边，这片宽阔的水体逐渐成为其创作的核心意象。展览标题作品《碧虚》以1.8米见方的画面呈现一汪托举光斑的绿水，虚实相生的笔触中暗含艺术家对水的复杂情感：它既是物理性的存在，亦是超越能量的载体。李姝睿拒绝将水简单"女性化"----"水的洪荒之力超越性别与文明，祂是神性的"，艺术家以"祂"指代水，既是对传统符号的颠覆，亦是对自然力量的敬畏。
哺育生命的亲身经历与洱海的潮汐节律意外交织，形成此次展览中作品的独特创作语境。哺乳期的“白色溪流”、孕期汹涌的泪水与洱海的波光共同构成了"体内水系与外界水体的共振"。艺术家坦言，这段经历迫使她以"躺平的视角"凝视水面，在身体的脆弱与自然的永恒之间，重新理解生命的聚合与消散。
在东西方的绘画传统中，水常常作为另一事物的对照或陪衬，李姝睿试图跳出这一框架，捕捉水作为主体的"动能"与"不可规训性"：如在《妈妈，你勇敢一点》（2025）中，光斑如弦上振动的能量，穿透水雾升腾为斑斓的云霞，再凝为雨滴回归大地，循环往复。
尽管常被指认为抽象画家，李姝睿却质疑"抽象"与"具象"的二分法。展览的深层逻辑源于李姝睿对物理学与佛学的兴趣与交叉探索。弦理论中粒子即振动的发现与《心经》"五蕴皆空"的哲思形成奇妙互文：若万物本质皆为能量振动，则"抽象与具象的界限无非是人类画地为牢"。这一认知也直接体现在其创作方法论中----如果说早期作品《深白》（2017）是以点阵模拟光的理性秩序，那么《夜涌》（2025）则在色块交融间引入"失控的轻盈"：在画面的结构中，点与线虽仍然构成了李姝睿标志性的视觉，但于远处遥望，画面中的水汽挣脱重力升向高空，汇聚为星辰；于切近处端详，流淌的水体又在坠落中与光共舞。这种"有序中的无序"既是艺术家对现时生命状态的回应，亦是对存在本质的思考："我们皆是虚空中振动的能量，聚合为'我'，又消散于无。"
艺术家介绍
研究“光”和“色彩”的本体及其所负载的文化内涵是李姝睿艺术实践的核心。艺术家坚信在不同的文化和时代里，“光”和“色彩”的运用都能反映、记录和塑造时代中个体需求和精神状态，更与广义的集体意识形态相关联。近年来，艺术家发展出更综合性的工作方法系统，并从切身的生命经验出发，以极具个人化的绘画方式及其延伸实践，探讨绘画本体边界及光与色彩的功能性、社会性、政治性等。
李姝睿，1981年生于重庆。2004年毕业于四川美术学院，获亚洲文化协会（ACC）2016年纽约奖助金驻留项目。近期个展包括：碧虚，空白空间，北京，中国（2025）；人工情绪，Carl Kostyál，伦敦，英国（2024）；震荡的高光，龙美术馆，上海，中国（2021）；浪荡在抽象与具象之间，Carl Kostyál，米兰，意大利（2020）；LSR·多情，New Galerie，巴黎，法国（2018）；光的萃取，Salt Project，北京，中国（2018）；LSR · 深白，空白空间，北京，中国（2017）。近期的群展包括：柏拉图的阶梯，颂艺术中心，北京，中国（2024）；等待的剧场，萃舍云集当代艺术收藏中心，南京，中国（2023）；多重景观——龙美术馆十周年特展，上海，中国（2022）；Good Pictures, Jeffrey Deitch，纽约，美国（2020）; Restons Unis: You’ll Never Walk Alone，贝浩登，巴黎，法国（2020）; 李姝睿 - Zevs，New Galeries，巴黎，法国（2019）；Only Connect!，Braverman Gallery，特拉维夫，以色列（2019）；经由时光的九次旅程，余德耀美术馆，上海，中国（2019）；万物灵源，龙美术馆，上海，中国（2019）；漫游者之歌，空白空间，北京，中国（2019）；Who Cares，New Galerie，巴黎，法国（2019）；经由时光的九次旅程，米兰王宫，米兰，意大利（2018）；一沙艺世界：探索社会几何形态，三亚·亚特兰蒂斯，三亚，中国（2018）；星群，格鲁吉亚国家博物馆，第比利斯，格鲁吉亚（2017）；No Man’s Land: Women Artists from the Rubell Family Collection，国际女性艺术博物馆，华盛顿，美国（2016）；转向：2000年以来的中国当代艺术，上海民生当代美术馆，上海，中国（2016）；已然／未然，民生现代美术馆，上海，中国（2015）。出版物包括：Vitamin P2, PHAIDON 2011；Younger than Jesus Artist Directory: PHAIDON 2008等。李姝睿现工作生活于北京和大理。
画廊周北京2025“探索无界奖”颁奖现场
展览介绍
展览《47天（无声）》名称与越南艺术家阮纯诗（Nguyen Trinh Thi）的综合媒介影像装置作品《47天（无声）》（47 Days, Sound-Less，2024年）同名。这部作品由新加坡美术馆、哈恩內夫肯基金会、森美术馆及香港M+共同支持的2021年流动影像委约计划赞助制作，通过声音、影像与空间的交织，反思自身与自然、历史及影像叙事的关系，同时对人类感知的固有认知展开挑战。对观众来说，这将是在北京艺术周期间的一场特别体验。
《47天（无声）》的标题源于一个偶然的发现。阮纯诗在研究1979年好莱坞电影《现代启示录》时，注意到片中菲律宾北部的伊富高村民被当作越南原住民拍摄。巧合的是，越南中部高原的嘉莱族原住民也有类似的宰牛仪式。疫情导致交通阻断的情况下，阮纯诗发现谷歌地图测算出从越南嘉莱族聚居地到菲律宾伊富高的步行距离要耗时47天。这一数字既是对殖民历史中地理错位的追问，也暗喻了记忆、身份与边界之间的模糊性。
在暗黑的展厅中，两块对角线相对的屏幕与悬挂于天花板的镜面装置构成核心展陈。镜面将投影光线折射至四周墙壁，形成八道游离的光影。阮纯诗刻意弱化视觉的主导地位，转而强化听觉的经验：影片中，越南嘉莱族原住民的吟诵、好莱坞战争片的丛林音效、科幻文本的错位字幕彼此缠绕。影片字幕引用了厄休拉·勒古恩的小说《世界的词语是森林》中关于“暴力自卫与主权”的论述——进一步解构了线性叙事的权威，暗示语言与权力之间的脆弱联系。
阮纯诗的装置刻意制造感知的不安：强光与深暗交替，寂静突然被环境噪音打破。悬挂的镜子使观众无法一次性捕捉全部影像，正如我们永远无法穷尽历史的复杂真相。被好莱坞或越南电影用作“无声背景”的树木、雨水、鸟群成为作品中的主角，而人类的存在退居边缘。展览通过听觉的扩张，似乎在述说“听到‘无声’”的重要性，如影片最后出现的字幕——“风止了，再无半点声响。他竖耳聆听。”
艺术家介绍
阮纯诗，电影人，艺术家，生活和工作于越南河内。阮纯诗的实践超越了电影、纪录片、录像艺术、装置和行为表演之间的界限。她目前的创作焦点在于探索声音和听觉的潜力，以及图像、声音和空间之间的多重关系，并对历史、记忆、生态、再现和未知抱有持续的兴趣。
阮纯诗的作品曾在众多国际双年展、三年展和机构展出，包括卡塞尔文献展，Artes Mundi，里昂双年展、亚太当代艺术三年展、悉尼双年展、日本森美术馆和福冈亚洲艺术三年展。
画廊周北京2025“探索无界奖”颁奖现场
