国外作品
Ahlam Shibli
阿兰·希比丽
Since her emergence as an artist, in the late 1990s, Ahlam Shibli has been making photographic series that convey heartfelt sympathy for those who are marginalised, usually by international politics. Not surprisingly she took her own community, Palestinians of Bedouin descent, as an early subject, focusing particularly on the inhabitants of towns ‘unrecognised’ by the Israeli government. Despite abject living conditions, the resilience of these people shines through Shibli’s imagery, thus reflecting her determination not to portray them as victims. Later series also dealing with the urgent dilemmas of her native land, such as Goter (2002–03) and Trackers (2005), are more bleak due to their less domestic focus.
九十年代晚期，阿兰·希比丽以艺术家的身份进入人们视野。她的摄影作品以国际社会的边缘人物为对象，表达了由衷的同情之感。身为巴勒斯坦的贝都因人，阿兰·希比丽的早期作品自然而然地把她所在的社区作为主要对象，尤其关注那些未被以色列政府承认的定居城镇。尽管生活在水深火热之中，当地人坚韧的适应力在希比丽的作品中一览无遗，这也反映出她决定不以受害人的身份来描摹他们。后期的系列也以她祖国所面临的迫在眉睫的困境为题材，如“去那儿”(2002-03)和“追踪者”(2005)皆因它们跨国界的视角而更显阴郁。
More recently Shibli has broadened the scope of her artistic enquiry into notions of home and belonging, dealing with subjects such as Eastern lesbian, gay, bisexual, transgender people in London, Zurich, Barcelona, and Tel Aviv (Eastern LGBT, 2006), immigrant care workers in Barcelona (Dependence, 2007), and young orphans in Poland (Dom Dziecka: The House Starves When You Are Away, (2008).
最近，希比丽将她艺术探索的范围扩展至家和归属的概念，开始涉及的题材包括：生活在伦敦、苏黎世、巴塞罗那和特拉维夫的来自东方的同性恋者、双性恋者和变性人(“Eastern LGBT”,2006)，巴塞罗那外来的家政服务者(“独立”，2007)，和波兰的孤儿(“儿童教养院”，2008)。
Ann Veronica Janssens
安·维罗妮卡·让森斯
Belgian artist Ann Veronica Janssens is concerned essentially with the nature of human perception. Her work is often minimal, impinging on us often through the use of light, its reflection and refraction, to evoke feelings of wonder. Her statement, ‘Our Body Does Not Have Clear Borders’, makes clear that she is concerned with interaction rather than the possibility of isolating phenomena. A relentless curiosity in what and how things occur to us is engaging because we are ultimately the subject of Janssens’ work.
比利时艺术家安·维罗妮卡·让森斯主要关注人类感知的本性。她的作品通常极其微小，通过运用光的反射和折射对观众产生影响，激发好奇之感。她声称“我们的身体并无清晰的边界”，表明她所关注的是互动性而非孤立现象的可能性。什么会在我们身上发生?如何发生?无休止的好奇心越来越强烈，因为我们就是让森斯作品的终极对象。
Richard Deacon
理查德·迪肯
Richard Deacon’s work tests the definition of sculpture. Playful in its radical propositions about art and life, his work intrigues through formal variety. Developing his current practice out of previous bodies of work, whilst consistently defying expectation, Deacon remains pre-eminent amongst contemporary British artists, at once an extremely influential figure and refreshing through his constant innovation.
理查德·迪肯的作品挑战了雕塑的传统定义。他的作品处处透着对艺术和生活的激进主张，趣味感十足，通过作品在形式上的变化激起观赏者的兴趣。他目前的创作沿袭了之前的风格，但每一件作品都有新意，不落俗套。迪肯一直都是现代英国艺术家中的领军人物，通过不断的作品创新，他已经成为雕塑领域令人眼前一亮的重要人物。
Being part of an artistic generation that continued to assert the relevance of sculpture through the heyday of conceptualism and the subsequent emergence of postmodernism, Deacon makes work that is disarmingly straightforward. At the same time it embodies a smart knowingness. He acknowledges the tradition of his art form – sometimes alluding to the work of other artists – but is not hidebound by it. He communicates an optimistic scepticism, the enjoyment of an aesthetic freedom that is based on the understanding that art can be made out of anything, deriving its identity and meaning through its context, audiences and milieu as much as physical environment.
作为继续坚持雕塑的相关性这一主张的一代艺术家的一份子，迪肯经历了 概念主义的全盛时期和随后兴起的后现代主义的蓬勃发展时期，他的作品非常亲民、直白，同时又表现出聪颖的知晓。他认可雕塑这种艺术形式的传统——有时暗指其他艺术家的作品——但却不守旧死板。他传递出一种乐观的怀疑态度，享受一种基于艺术来源多样化的审美自由。迪肯认为，艺术品的特性和意义不但源自其物理环境，其所在的背景、观赏者的态度和社会环境也会对其产生影响。
Clare Rojas
克莱尔·罗哈斯
Clare Rojas is best known for her folk-inspired work, encompassing a wide range of media, including painting, installation, film, quilting and print-making. In addition, she sings and plays guitar and banjo under the name of Peggy Honeywell. She has produced several CDs of her own songs, such as Faint Humms (2005) and Green Mountain (2006).
克莱尔·罗哈斯以其来自民间灵感的作品最为著名，包含了广泛的媒介，如绘画、装置、电影、接缝和版画。此外，她还以佩妮·哈尼维尔的艺名进行吉他和班卓琴的弹唱。她已经制作了几张专辑，如“轻声哼吟”(2005)和“青山”(2006)。
Rojas’ work is made using flat blocks of colour, betraying her origins as a printmaker. Filled with imagery from fables - giving rise to feelings of nostalgia, and even loss - its apparent naivety and homespun quality, is countered by a political edge. A fundamental proposition is the artist’s challenge to sexual stereotyping; with ironic humour she foils interactions between men and women by a natural world that serves as a powerful mysterious backdrop. Men are often shown naked, whereas women are fully clothed, in a sexualized poses reminiscent of the way women are often portrayed, not only by fashion magazines and other mass media, but also in the art world.
罗哈斯在作品中运用单调的色块，透露了她版画制作家的出身。大量来自寓言和传说的形象，激发了观众的怀旧甚至失落情绪，这种溢于言表的天真和日常家庭的特质，遭遇了政治冲击。其中最基本的命题是艺术家对传统的性别角色发起的挑战。她以自然界的强大神秘为背景，用反讽的幽默手法衬托了其所设定的男女交往关系。男人总是赤身裸体，而女人则穿得严严实实，摆着极具性别特征的姿势，让人联想起时尚杂志和大众媒体，以及艺术世界对女人进行描绘的单一方式。
方力钧作品
“光头”不再是现实社会中具体的人，而是“人”与“事物”之间的一种关系。换言之，是人与现实环境、人与现实世界的关系。使得不得不正视我们现实中的黑暗，正视个体的有限性，正视我们现实中的虚假与邪恶。“光头”，也使我们看到了一种敢于叛逆的精神和勇气。
绿灰蓝 俸正泉作品
我最近的这批作品总的说来是围绕我的艺术工作本体为中心来展开的，也就是说，创作的过程就是我创作的目的。颜料、颜料管、画笔、书籍、甚至一个笔触等等，这些都是我艺术创作的工具，但是我在作品里转换了它们的角色，让其成为我创作的对象，我试图传递出这种悖论和纠缠的关系。
My recent works focus on the ontology of my art. That is to say, the process of art making is exactly the purpose of it. Paint, tube, brush, book, and even a brushstroke are methods of art making, but I changed their roles in my work, making them the object of my art. I try to convey the idea of this paradox and complexity
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这批有文字的作品和我的阅读体验有关。当我不画画的时候，阅读是我另一个很重要的工作，我希望通过阅读带来一些新的感受，但是在阅读的过程中我遇到了很多障碍：一个词语，一段话，有时候甚至一整篇文章，我都无法理解其到底在说什么，当然这和我的知识储备不够强大有关，但是也不排除现在的批评写作有生硬造作的嫌疑，我只能通过一些关键词大概知道作者在说哪方面的内容，但是这种阅读的结果是断裂的，这种断裂感是我阅读的体验。
There works with letters are related to my reading experience. Reading is another important task for me when I am not painting. I hope to get some new feeling from reading, but it turn out to be difficult: it is hard to understand a word or a sentence, and sometimes I cannot understand the whole article. This has something to do with the limited range of my knowledge, but the obscure style of contemporary criticism should also be held responsible. I only grasp the main idea of the article from the key words, but this is a rupture in reading. This rupture is my experience in reading.
《我的颜色》系列，我抽离了绘画的所谓意义，留下一种视觉体验，远看我的画画得很真实，很具象，近看则是很抽象的笔触，什么都不是，这纯属我内心对绘画行为的体验。我很喜欢油画颜料在布上滑动的感觉，它可以覆盖、可以修改，可以厚可以薄，可以保留痕迹也可以让痕迹消失等等，油画的这些特点让其技术性来说更加容易控制，这也使得我在创作过程中不会陷入对技术的迷恋甚至研究。我需要呈现那种既真实又让人炫晕的质感，这种质感吻合了我内心对绘画这种艺术方式的复杂情感。
In My Colors series, I do away the meaning of painting, leaving only a visual experience. Looked from a far, my painting is realistic; when looked closely however, there are nothing but abstract brushstroke on the surface. This belongs to the realm of my inner experience of painting. I like the feeling of brush moving on the canvas. I could cover the paint, change it, make it thick or thin, and I can choose to leave the traces or erase it. Such features of oil painting make it technically easy. I need to demonstrate the real and dazzling texture, which is in line with the complicated feeling towards this form of art in my heart.
隋建国作品
隋建国的《中国制造》
一座废弃的厂房里，从墙上的一枚钉子上悬挂下一根霓虹灯管做成的框架。“中国制造”这几个字在一片红光中泛着苍白的萤光。
所有的东西总是由人，在某个地方制作的——而这些东西最终走向我们，我们由此获取愉悦。小时候，我有一个玩具车，在车底位于减震板和排气管中间，有行小而清晰的凸字显示出“英国制造”的字样。有一天，我认识了这几个单词，于是明白，这个小车也有它的来处，从某个叫做英格兰的地方。这就像一个家庭地址：小车一路旅行，而当下就在这里。这个地址同时暗示出，这小车其实属于另一个地方。在此之前我对自己生活中的东西的来源还没有什么概念，我意识到他们的存在，却没意识到他们从何而来。我以为玩具就是从商店里来的，就像很多欧洲的小孩子都认为婴儿是空中的鹳鸟衔到他们父母这里的，或者就是在藨子灌木丛中找到的。
东西从何而来的问题，概言之是关于发端和起源的问题。(1)起源问题对一件艺术品来讲是一个关乎意义的重要因素;这个意义将作品标记在时间上。《中国制造》是非常明确地指明其起源，却并不确切指示其含义;这就是我们必须转向艺术家本人的原因。艺术家是一个制造者，他从他所做的过程与结果中获得自由，然而他也意识到他所创造的是他之前的人的作品的影响之结果。艺术家归属于这样一个行为、技术和方法被不断保存和发展的传统之中。他知道这一点，而这个意识使他可以将整个国家的力量转换成为一件艺术作品，将他的想象力等同于全中国的生产力。这件作品赋予“中国制造”以一个身份。这四个字不再意味着全球化的分工和贸易;而变成了一个自主的和自我指涉的形象，催眠式地生发出一个可以感知到整个国家的活力的宇宙。
《中国制造》同时是一种个人的表述，是艺术家关乎存在的声明：“我是。”作为西方世界笛卡尔式的信条“我思故我在”的平衡，它声称，“这是中国制造，这是我。”《中国制造》已经变成了一个签名，而这个声明进而延伸为一个有意的挑衅和对艺术作品和艺术家的单一性神话的冲刷。它取代了消失在这四个字背后的艺术家，同时包含下了一个巨大的国家。只有理解不附属于他者的，毫无条件约束的，自由的艺术家，才能把自己和他的国家归结于这种终极象征之中。
《中国制造》以公共性作为工具和规定，造就了自己做为艺术作品的完美性，将乍一看是自明的东西变得隐晦。身份，无论是民族身份还是每个人自己阐释的个人身份，都是短暂和富于弹性的。自从1999年以来，《中国制造》经过了几次的重新创造，但它总是紧紧围绕同样的四个字“中国制造”。这是一个陪伴艺术家人生的作品，同他的生活同时进行，与他的性格并行发展，并反复收纳变迁的社会背景。这件作品呈现了对艺术的召唤及其与世界的关系的持续评论。它建立起了一个人人参与的网络。它讲述生活，因为它是在社会发展的活力之上茁壮生长的有机构造，并总是对现实的关注。这是一件不会衰老的作品。这是一件完美的作品，中国制造。
亨克·维施
艾恩德霍芬，2009年10月
注释：
1. 但是不存在开端;开端和开始同时发生，它不能孤立地存在。同样地，知道不能先于已知，因为他们同时发生，他们只能成对地存在。在西方，对于一件艺术作品的起源的质询，就等于对其含义和意义的追寻，好像一件艺术品如果没有起源就没有意义一样。
绿墙1号，布上油画，200 x 150 cm,2009 Green Wall-2009 No.1 Oil on canv 张晓刚作品
在候诊室里，在家庭的沙发后面，在各种各样的卧室里都能看到这种千篇一律的绿色墙面，就好像我们能通过这种绿色能进入并区隔所有卧室中的私人空间。但在中国，政府建筑和机关大院的外墙也会使用这种绿色。看到绿墙的时候，我们可能是在室内或室外，公共场所或私人空间;绿墙是一种对界限的藐视，它超越了具有偶然性的场所与事实，界定出一种普遍的心理空间。
We find the institutional green of these interior walls in a waiting room, behind the family couch, in various bedrooms (as though we might expect it to enter and define the private space of all bedrooms). It also covers the exterior walls of government buildings and compounds all over China. Looking at the green wall we could be inside or outside, in a public or private space, the green wall defies such boundaries. The green wall defines a psychological space that is more than the happenstance of place and observation.
【编辑：singer】
