2013年8月10日，美国纽约现代艺术博物馆（MoMA）举办了第一个纯粹展示声音艺术的大型展览——“声音：一种当代配乐”（Soundings:A Contemporary Score）。16位均在1964年后出生的当代艺术家，从视觉艺术、建筑、表演、电脑编程和音乐等不同学科的角度探索声音；他们用声音构成空间中的环境，探索声音如何影响观众的感受；他们还录制真实环境中的声音，包括位于切尔诺贝利的废弃建筑和台湾的一家糖果工厂。在这些作品中，他们都表现出对物质现实和环境的兴趣，而不是对之抗拒或独立于之外。
纽约现代艺术博物馆媒体和行为艺术分部助理策展人芭芭拉·朗顿（Barbara London）在过去几年里搜寻的声音艺术家的作品，如配乐、绘画和装置等，组成该展展品。虽然大型机构对该艺术表现方式的关注也许来得有些晚，毕竟因为“声音艺术通常带有侵略性，难以控制，容易消逝”，但借助快速发展的技术，艺术家使用易于操作且价格低廉的设备，而拥有了更多的艺术自由。当然，技术的进步也给策展人带来了一些挑战。朗顿说，她想了很多办法，让展览看着不像一个设备贸易展，“因为这些展厅摆满了扩音器”。除了艺术家试图表现的声音的力度、物质性和概念化之外，值得观众注意的是，还有一些作品包含了强烈的视觉元素，符合纽约现代艺术博物馆作为视觉展示和感知场所的特点。
特里斯坦·佩里奇（Tristan Perich）的《微分音墙壁》（Microtonal Wall，2010年）是一个强调物质性的例子。这件作品安装在3楼走廊，指向展览的展厅。以每行15个、共100列排列的1500个小型扬声器，每个都能发出一个单音，当观众走过或接近、离开时，声音就发生改变，从而产生出乐曲。
完全以视觉为主的作品，则有美国艺术家卡米尔· 诺门特（CamilleNorment，1970年生）的Triplight（2008年）为例。“Triplight”这个词，意指激发紧急状态的导火索，现在也有“幻觉”之意。作品强调的是观念，实际上不发出任何声音，却又与声音有关。诺门特把一个老式的舒尔麦克风的内部装置去掉，装入脉冲灯管，让苍白的光线透过麦克风的金属网，在墙上产生的巨大投影，使人联想起一种金属制的面具，或人发声的共鸣部位——胸腔。脉冲灯管发出的类似灯泡即将报废前的那几下闪烁，暗示着历经挣扎反抗、最终被压抑住的声音。
另一件以视觉为主的声音作品，是澳大利亚艺术家马可·弗西纳托（Marco Fusinato，1964年生） 在伊阿尼斯· 泽纳基斯（Iannis Xenakis）的管弦乐乐谱的基础上制作的5件抽象绘画——《大规模黑色内爆》（MassBlack Implosion，2012年）。每幅画上，都有一根直线将音符连接到中心点，创造出类似内向爆炸线的效果。
而同样以音乐家的乐谱为基础的，是苏格兰艺术家、特纳奖获得者苏珊·菲利普斯（Susan Philipsz，1965年生）的作品《弦乐器练习》（Study for Strings，2012年）。作曲家帕维尔· 哈斯（Pavel Haas）在1943年创作的《弦乐团练习》，被纳粹选为在宣传样板集中营——古堡特莱西恩施塔特的影片中演奏的音乐，影片录制结束后，哈斯和大多数弦乐团成员一起被押送至奥斯维辛集中营处死。尽管这部曲子的配乐已经在集中营遗失，但幸存下来的乐团指挥卡尔·安塞尔在战后设法找到并重组了弦乐部分。艺术家邀请中提琴和大提琴演奏了这首曲子中各自的部分。在2012年卡塞尔文献展上，艺术家将分别录下的每个音符，从单独的扩音器里播放出来，又将这些扩音器安装在火车铁轨上。播放时的效果，犹如一首乐曲支离破碎地飘散一个面积广大的空间范围里，类似将单个音符从作为曲子的整体中提取出来。
展厅之外还有展览延续，例如美国艺术家斯蒂芬·维迪耶罗（Stephen Vitiello，1964年生）的《每分钟响起的铃声》（A Bell for EveryMinute，2010年）就在博物馆的雕塑花园展示，用贴标牌的方式表明它们是“发声”展的一部分。这件曾经在高架公园展出的作品，提取了纽约城内各种各样的铃声，如教堂钟声、猫铃声、自行车铃声、纽约股票交易所的开盘铃声。每一分钟都有不同的铃声，到整点时所有的铃声会一同响起。
另一件在主展厅外展出的作品，则是美国艺术家谢尔盖·齐尔品（Sergei Tcherepnin，1981年生）的《电动机长凳》（Motor-Matter Bench ，2013年），它是一个用纽约市地铁木头长凳制成的传感器，长凳下连接了扩音器和媒体播放器，观众坐上去时就会发出刺耳的噪音和循环播放的颤音，将任何与展厅空间关联的其他声音淹没。纽约城市交通管理局把这些经历了岁月磨砺的地铁长凳拆除后，以650美元一把的价格销售，市民可以按需购买，从而为这件作品提供了创作材料和灵感。
