正关注的核心问题是心灵问题，这个问题需要通过长期艰苦的工作、持续性的阶段展览实践去逐渐接近答案。”——范勃
今日美术馆入口处的之字形通道上站满了人，从北京各处及广州、成都等地赶来的艺术家、策展人、评论家及艺术机构的嘉宾们排着长队，听从着广场上摄影师团队的引导准备合影。而这一切，都会在二楼主展厅里以热感应成像的方式呈现在巨大的墙体屏幕上。这件名为《如影》的作品中，另一面墙上的图像则呈现着展厅内的观众的热感应影像。
这是范勃个展“无形的剧场”在今日美术馆的展出现场，在主厅两侧的《如影》以热感应热感应成像与对人的行动与温度进行捕捉呈现，观众走进展厅，即可看到右边墙上投射出自己的巨幅热感应影像，而左侧墙壁，则是正在入口处的下一波观众的影像的投射。展厅本身成为一个剧场或舞台，走进去的人即是观众，也是演出者。
主厅中心水池中的人形投影构成了《降临》，主体形象的背影浸在水中而又仿佛浮在水面，漂浮感与窒息感，一定程度上体现了当下时代的身体体验，与范勃早期绘画中人物形象所处的状态似乎有着关联的一面，同时又起到链接左右两边一内、一外两处影像的作用。现场搭建的仪式感，以及水的诗意而温柔的一面，也在试图于莫名的压抑和流动的剧场中给人们以内心慰藉。
如果说前两件作品的对象还是相对侧重于“正常”的视觉体验，副厅中“无形的剧场”的另外两件作品则更多侧重触觉与听觉的转译与体验，侧重于通过多种感知的方式呈现艺术家的关照。《终有乌篷船吱吱哑哑》包括视障少女的独语视频和诗歌文本，视频以自述的方式，讲述盲女的生活、工作及关于写作的认知和心境变化，同名诗歌文本来自视障少女在江南小镇的行走体验，而艺术家将其诗句转化成盲文并予以断开和重组，使原本属于两个不同感知系统的阅读得以互通。
最后一件作品《Emmanuel》中的“明室”和“暗室”的一明一暗对应了常人与视障者两个不同的感知世界。前者用纯白色药粉对日常之物进行覆盖和尘封，造成视觉的陌生化；后者对盲人家庭日常陈设复制，全黑的环境让观者可以体验盲人的感知世界，提供一种去视觉化的感官体验场域。
关于现成品药粉的使用，范勃之前谈到：“药在作品中是隐晦的、秘密的、被遮蔽了的在场。如果非要阐述其在作品中的意义，那么，药片在作为艺术表达媒介时，也提示了艺术本身是一种保持社会肌体健康的活性物质，尽管比重不大，但不可或缺。”正像杨小彦在一篇文章谈到，“范勃的作品就是现场，离开这一现场，意义将会消失，作品也就行将就木，重新变回‘前作品’的状态，盲文重新变成盲文，药丸重新变成药丸。”
范勃的创作可以说经历了抽象和观念化的漫长历程，近期他的艺术实验又得到进一步拓展，正如展览前言谈到，“范勃的感知体验和研究表达，也由视觉、触觉、听觉的交叠与转换，被遮蔽的经验世界的唤醒，连接中枢神经的沉浸式实验，延展到有关体感、心理疗愈以及弥散的隐性气氛的观照，从而试图建构起另一幅更为整体和具有某种力量的感知图景。”
在展览现场，谈起从视觉到多种感知的媒介转变，范勃告诉99艺术网，每一种媒介都很重要，在平面的绘画时期多重叙事的观念已经呈现在里面了，随着知识结构不断的建构有了更多的思考，单一媒介已经满足不了个人创作的需求，开始转向综合媒介。并思考在图像景观化时代如何去图像化，关注非视觉的感知表达，进而扩展到听觉、嗅觉，进一步的构建一个新的体验场所。《如影》即以沉浸式的方式来全方位的寻找一种完整的记录，调动多种感官神经，并且通过里面开放的、闭合的种种不同的环境条件，通过仪器对捕捉到的即时信息的直接反馈，从而制造一个相遇的场所，在这种特定的场域里面建构一种关注城市生活、关注自我及内心的对话。
策展人胡斌则表示，随着多元的感知系统的发展，创作媒介必然发生变化，这种转变不是说好像一个艺术门类的转换，而是艺术家关心的东西更进一步的丰富，多了感知的通道。范勃创作的内在关联和逻辑，在于对某种被遮蔽的东西的呈现和对人的精神世界的关照。
UCCA尤伦斯当代艺术中心副馆长尤洋谈到，当代的美术馆代表了某种社区精神，应像一个剧场，提供一种空间场所，让观众用这个空间去上演某种剧目，从而去思考、去链接和激发更多观众。“无形的剧场”也正是从这个角度切入，展览本身作为一个剧场，具备了一种反身性：观众在里面，即是作品的一部分，同时又是一个观看者。策展人鲍栋表示，艺术家虽然用了一些新技术、新媒介，但他没有一味的追求酷炫，讨论是关于受众、心理、个人、精神和社会的话题。
纵观整场展览，其中所触及的包括体感、视觉、触觉、听觉等各种感知体验，呈现出明与暗、日常与非日常，以及多个感知系统的交叉，串连起“无形的剧场”中的多重叙事，力图表现的都是不可见和不可触及的内心世界和精神领域。
注：本文部分作品图及现场图由今日美术馆提供
