Andy Coolquitt从街头收集东西。那些人们扔掉或留下的东西：从公共空间到不知名地点等各种边缘对象。艺术家会分类整理这些东西，它们要么是“造物（somebody-mades）”要么是“介质（in-betweens）”。“Somebody-mades”是指某些他或她自己制造的东西，也许有些用处。而“In-betweens”既不是什么东西，也不完全不是东西，大部分时候会被用作生产正当的雕塑的原始材料。但这些东西被收集来的状态其实并不非常重要；这只是艺术家在某个时间点上需要做出的决定（或者在某个时间点上去改变它）。重要的是这些东西的个体性和它们所在的社会。这些离散的东西不仅脆弱，而且其性质很容易被破坏，而且同时质疑着所有权和它们自己的状态。这就导致其现在作为展品后的不稳定的状况，即使这些东西在过去也有着公共性。
所以这些东西作为对象非常复杂。而Coolquitt通过现代零售商店的设计在博物馆和画廊里展出这些收藏，触发了社会经济学的层面，使得整个状况更加复杂。被问及这种强烈的隐喻中的审美结构，他区分了三种类型：“Comme des Garcons（像男孩一样）”（一个小型剧院）；“Urban Outfitters（城市旅行者）”（20世纪50年代艺术家的阁楼式风格）；和“Salvation Army（救世军）”（全部）。它们描述了稠密性和开放性的三个档次。就像在现实生活中一样，这些对应的事物也在Coolquitt的展览中相互妥协着。它们可以被解读为一种审美领域的离散的、个体的对象的附属品，以及在乡村或城市个人主体的复杂性。
Andy Coolquitt并没有把重点放在物品上，而重点考虑着它们同类之间的关系，以及提出了一个更积极的协作机制。规则如下：
对于艺术经手人——把东西放进这个房间
对于策展人——完成工作
对于艺术家——放一天假
那些随便看看的人，或者第一次看这个展览的人也许会问：“这有什么大不了的？”，或“它们通常也这么做？”因此传递这样的信息就更重要了；我过去几年对于雕塑的关注，已经围绕展览设计的性质而变化了，围绕家庭环境，或者更确切的说，围绕的是离散的对象和事件的背景或环境，它的存在使展览的形式发展和转化了。这种转化有时是通过翻译者，或者在艺术世界中我们喜欢称之为策展人，从盲目和残破中修修补补几个月，通过东西解释情感，通过材料解释观念认知，通过错位导致的不安全的结果解释见解……
对我来说，作为这个展览的艺术家，这也是一种对于放松控制的练习，练习混淆生产者和消费者的角色，练习从新的感知创造一种可能性。
