专访 | 六位策展人详解2026成都双年展

2026年2月8日，备受瞩目的“烟火指数·成都双年展”在成都市美术馆盛大启幕。这场跨越五大洲、汇聚29个国家及地区、251位艺术家的文化盛宴，以“烟火指数”为名，不仅是一次全球当代艺术的检阅，更是一场关于城市生命力的深度对话。

从“哪里值得”的价值追问，到“日常奇境”的感知重构；从“城市棱镜”的影像折射，到“穿梭时空”的历史回响；再到“回到生活”的感官沉浸与“廿四小时”的跨界实验——本届双年展通过六大策展版块，将艺术从象牙塔引向街头巷尾。这里既有法国国宝级艺术家贝纳·维内、英国大师朱利安·奥培的重磅新作，也有大量90后青年艺术家用AI与科技书写的未来寓言。

正如总策展人吴洪亮所言：“‘指数’在经济中是冷冰冰的数据，但在双年展里，它是心情，是温度，是爱。” 当艺术真正溢出美术馆，融入成都的茶馆、市集与日夜，它便拥有了最动人的力量。

为了深度解码这场艺术盛会背后的策展逻辑与思想火花，99艺术采访了吴洪亮、何桂彦、纪尧姆·德·萨尔德、许杰、马丁·伦德尔、肖飞舸六位策展人。他们从各自的版块出发，拆解“烟火指数”背后的多元维度。

“烟火指数·成都双年展”启幕仪式

“烟火指数·成都双年展”开幕现场

Q&A
99艺术专访

吴洪亮
总策展人、“哪里值得”版块策展人

“哪里值得”这一策展主题的初衷是什么？为何选择构建一种引导观众从“观看者”转变为“追问者”与“感受者”的策展角度？

吴洪亮：

“哪里值得”这个主题其实包含双关语。第一层含义是指向“地方”，即我们在哪里生活最值得？这当然隐喻了成都这座城市。第二层含义则更深层，指向生命的“价值”。今天大家的生活都很不容易，年轻人有工作的痛苦，老年人有银发之后的纠结，孩子有读书的压力……那么，我们所有的付出是否值得？

我希望通过艺术提出这个问题，让观众在观展中找到抚慰或信心。前期策划时，我脑海中跳出两件作品：一件是徐冰的“艺术为人民”，另一件是齐白石为中央美院成立题写的“从群众中来，到群众中去”。虽然这是过往的概念，但植入当下尤为重要。今天物理空间上人的距离虽近，心理距离却因手机等媒介变得遥远。因此，我希望构建一个能重拾人与人之间真正关系的场域，让观众不再仅仅是观看，而是去感受、去追问。

齐白石《从群众中来到群众中去》
楷书（轴），227×54cm，纸本笔墨，1950

如何通过“哪里值得”这一版块，来诠释和回应总主题“烟火指数”？

吴洪亮：

我认为成都人最能解释“烟火”这个词。这座城市本身就是雪山下最具烟火气、人情味和艺术感的样本。我去鹤鸣茶社喝茶时，深刻体会到那里既谈论生活中的微观细节，也谈论宏观宇宙，这就是真正的烟火气。

对于双年展而言，核心在于“在哪里做”。这次我们提出了“艺术溢出”与“烟火指数”结合的概念，将成都市美术馆所在的园区视为一个整体的艺术展场。这种“在地性”让双年展不仅是艺术圈的事，更是大众和公众的事。当艺术真正植入这片泥土，因在地而更具国际性思考时，就是对“烟火指数”最好的回应。

徐冰《艺术为人民》
综合媒材装置，450×200cm，1999年，2026年

这一版块的作品通过怎样的空间布局，引导观众完成从“外部叩问”到“内在观照”的心理旅程？

吴洪亮：

这一次的展览布局，实际上是引导观众进行一次心理旅程。一进门，大家看到的是色彩斑斓的部分，例如梁铨对自己儿时花园的描述，我们为其营造了一个特别的场域，代表单纯快乐的生命状态。吴尚聪的小小雕塑作品置于高处，是对某种向往的隐喻。

但这种单纯的幸福不会永远延续。随后，观众会看到李洪波关于课本的作品，艾格格对试卷的态度，表达了孩子上学成长的某种“痛”。再往后，是来自五条人和曹斐的作品，它们呈现了复杂的当下和青年人的感悟。

从快乐到痛感，再到对复杂的当下的反思，我希望这个展览能引发共鸣：在充满挑战的生活中，我们是否能在艺术中找到让生命“值得”的答案。这便是我和唐胜老师及团队，借由作品的铺陈，从外部观看转向内在观照的过程。

“哪里值得”版块展览现场

何桂彦
“日常奇境”版块策展人

“日常”通常意味着熟悉与惯性，而“奇境”则指向未知与陌生，这两个词在字面上构成了某种张力。您是如何界定这一版块的核心策展理念的？

何桂彦：

策划“日常奇境”这一版块，首先要厘清“日常”的定义与上下文。在我看来，中国当代艺术对“日常”与“现实”的真切关注，起点可以追溯到1978年，是改革开放与思想解放的产物。而在此次展览中，我们将“日常”置于与本届双年展总主题“烟火指数”相连接的语境中，旨在探讨艺术如何与大众、城市及周遭现实发生关系。

至于“奇”与“境”的引入，是因为我们不希望展览仅停留在纯粹的现实主义层面。“奇境”代表着艺术家通过视觉、思想与观念的植入与转化，构建出一种超越日常的体验。特别是在数字化、新媒体及智能时代，这种转化能带来独特的审美与视觉张力。因此，“日常奇境”即是在现实关注的基础上，通过艺术转译所构建的超越性场域。

“日常奇境”版块展览现场

 “日常奇境”如何与“烟火指数”对话？您提到的“无法被量化的知觉强度”，是否意在为量化的“指数”概念提供一种感性的反向补充？

何桂彦：

确实如此。为了回应“烟火指数”，我们在“日常奇境”版块中规划了五个维度，包括“日常之名”、“日常与数字”、“日常与生态环境”、“日常的行为与观念”以及“社会剧场”。我们希望从这五个角度，深入解析艺术与今日中国现实及日常生活的丰富联系。

在我看来，“烟火指数”背后隐含的是每个个体的生命体验、周遭现实以及情感记忆。它是包容的、贴近肉身经验的，具有独特的质感与温度。这种“指数”并非冰冷的数据，而是带着鲜活的个体记忆。例如参展艺术家唐勇、陈粉丸等，他们多次深入成都采风，作品中融入了鲜明的区域文化与风土人情。我们试图通过这些作品——无论是从在地性出发，还是借助数字新媒体，去挖掘日常背后那些隐蔽的深层内容，如文化肌理、身份政治以及个体的权利与感知。这正是对“指数”这一概念在感性与人文深度上的补充。

“日常奇境”版块展览现场

在构建参展名单时，您贯穿始终的选择标准或学术线索是什么？

何桂彦：

本次展览涵盖了国内与国际两个部分，艺术家群体跨越了老中青三代。我更看重的是作品背后的创作逻辑，以及它能否与展览内部结构形成有机咬合。我们希望这些作品在内部能构建出一个严谨的学理结构。因此，作品的学术深度及其与版块主题的契合度，是我们邀请艺术家的核心考量。

许毅博《规定生长2号》
动态机械装置、影像映射，400×400×260cm，铝、不锈钢、亚克力、LED光源、电子元件，2023

请您结合展览中的具体案例，谈谈这些作品是如何打破观众的视觉惯性，将普通的日常经验转化为具有空间诗学的“奇境”的？

何桂彦：

相比于单独列举某一件作品，我更想谈谈整个版块希望带给观众的整体感受。无论是“烟火指数”还是“日常奇境”，我们的初衷都是希望观众走进美术馆时，能产生一种全新的顿悟。

我们对当下的生活往往是“熟视无睹”的，但在展览现场，观众会突然发现，原来这些看似平淡的周遭日常背后，隐藏着如此丰富的人文内涵、生命体验以及微观的情感细节。正是因为艺术家的创造性转化——无论是在材料、视觉还是观念层面，让我们得以重新打量生活。

这种从“熟悉”到“惊奇”的转化，让观众意识到当代艺术与日常生活的联系是如此紧密且充满质感，这正是我们试图营造的“奇境”体验。

纪尧姆·德·萨尔德
“城市棱镜”版块策展人

您将展览划分为“真实之城”（复数）与“梦想之城”（单数），这种从“复数的个体经验”到“单数的本质理念”的转向，意在引导观众完成怎样的认知跃迁？

萨尔德：

我利用两个独立空间来构建这种结构。“真实之城”遵循“一位艺术家对应一座具体城市”的规则，呈现的是多样、独特的个体经验与视角。而“梦想之城”则希望从这些具体经验中抽离，转向一个更普遍的、关于城市的乌托邦理念。这种安排意在引导观众从观看“诸多具体城市”出发，最终走向对一个抽象的、作为“理念”的“梦想之城”的思考，完成从具象到抽象、从经验到观念的认知转变。

“城市棱镜”版块展览现场

如何通过“真实”与“梦想”这两个截然不同的维度，共同回应总主题“烟火指数”？

萨尔德：

城市是解读“烟火指数”最直接的现场。“烟火指数”不仅指向具体、鲜活、充满人间气息的日常生活图景——这正是“真实之城”所捕捉的每个城市独特的温度与呼吸；也指向一种照亮未来、凝聚希望的精神光芒与理想愿景。因此，“真实”是烟火的基底，是此刻正在升腾的温暖。而“梦想”是烟火绽放时照亮夜空的绚烂形态与想象。两者共同诠释了一座城市既有温度、又有光度的完整“烟火”意象。

“城市棱镜”版块展览现场

您选择艺术家参加本届双年展的核心标准是什么？

萨尔德：

选择是策展工作的核心，它混合了多重因素。首要标准是我个人对“作者摄影”的偏好。其次，是基于我长期积累的艺术知识网络与个人审美。再者，策展也是一项“委任”，我希望能平衡地呈现欧洲与中国艺术家的视角，并聚焦于30至60岁这个年龄段的中坚力量。因此，标准是主观审美、知识积累与特定文化对话需求的结合。

“城市棱镜”版块展览现场

在“梦想之城”部分，作品媒介扩展至影像与装置等多元形式。这种媒介的变化如何服务于从“实体”到“观念”的叙事转变？能否结合具体作品，谈谈艺术家是如何构建无疆界的“精神之城”的？

萨尔德：

媒介的转变正是为了超越对物理城市的再现，服务于观念的隐喻化表达。以穆尼尔·法特米的装置作品为例：它用展开的VHS录像带构建了成都的天际线及其倒影，材料本身就带有记忆与连接的隐喻。艺术家并非精确描绘城市外貌，而是通过这种抽象形进行寓言——城市中所有的居民、楼宇都是彼此相连的整体。我们不再处于精确再现的层面，而是进入了隐喻与象征的领域。这件作品正是通过物质媒介的转化，构建了一座关于关联、记忆与社区精神的、无具体疆界的“精神之城”。这正是“梦想之城”版块的核心追求。

“城市棱镜”版块展览现场

许杰
“穿梭时空”版块策展人

 “穿梭时空”极具动态感，您确立此主题的初衷是什么？这里的“时空”更多指向物理层面的虚实交错，还是关乎记忆与未来的心理旅程？

许杰：

“穿梭时空”确实描述的是一种动态的场景。我们在日常生活中，常被物理的时空所限定，习惯将时间视为线性的（从早到晚），将空间视为具体可测量的。但这只是我们肉身的感官体验。

实际上，能量的转换和状态的存在是多元且并行的。这就好比做梦，梦中的时间不是线性的，空间是折叠和重叠的。确立这个主题，就是希望超越我们本能的感官认识，去呈现那种多维度的并存状态。因此，这里的“时空”既是物理感知的超越，更是关于精神层面、历史记忆与未来想象的心理旅程。我们以生活为起点，追求的却是精神层面的对话与梦想。

“穿梭时空”版块展览现场

总主题“烟火指数”往往指向当下的生活气息，而您的版块打破了过去与未来的边界。您如何通过“穿梭时空”来回应“当下烟火”？

许杰：

“烟火”不仅仅是民间的饮食生活，它同样是一种能量转换的动态过程。在我的理解中，“烟火”具有双重意涵：一方面它是世俗生活的象征；另一方面，在祭祀与信仰中，火是将世俗之物转化为神圣精神的媒介。这种从“人间”上达“天际”的过程，本身就是一种穿梭。

因此，“穿梭时空”是对“烟火指数”的深层回应——它不只停留在日常生活的表象，而是通过这种“穿梭”的状态，揭示出烟火背后物理与精神、具象感知与超越体验之间的关联。

“穿梭时空”版块展览现场

在构建参展名单时，贯穿始终的核心线索是什么？这些背景各异的艺术家，是如何共同构建起您设想的这个“非线性”时空结构的？

许杰：

贯穿始终的线索是“个体化的叙事”。历史是由无数个体的故事构成的，而我的策展思路也源于我个人在不同文化、不同角色间不断穿梭的生命体验。

在名单构建上，我特别关注那些处于动态身份中的艺术家，尤其是亚裔美国艺术家。他们身处主流社会与族裔文化的张力之中，这种独特的文化背景成为了创作的重要资源。同时，我也特别注重性别平衡，女性艺术家与男性艺术家各占一半。通过将这些跨越国界、地理、性别和文化的个体叙事聚集在一起，我们共同构建了一个非线性的、充满张力的时空结构，让观众在这些具体的个体故事中通过共情看到自己。

叶锦添《深梦》
装置、影像，装置高度：460(H)cm，玻璃钢，2026

您提到时间和场域在展览中会被“拉伸、折叠与重组”。能否结合具体作品，谈谈艺术家是如何在视觉上实现这种“时空重组”，并引导观众重新定位自身的？

许杰：

我一直持有一个观点：世界上没有所谓的“古代艺术”，只有“当代艺术”。因为每一件伟大的古代作品（如三星堆青铜器）在当时都是最前卫的当代艺术。我们在展览中试图打破人为的时间范畴，让“21世纪的创作”与“古代艺术的当代体验”发生折叠与对话。

以参展的一位华裔女性艺术家的陶瓷作品《通道》为例。这件作品一方面引用了“女娲造人”的古代神话典故；另一方面，它影射了早期美国唐人街为规避歧视而挖掘的地下通道系统。在这里，物理的通道变成了意念的通道，连接了神话时间、移民历史与当下的社会现实。这种古今融合的处理方式，在视觉上实现了时空的折叠，引导观众在凝视作品时，重新思考自身所处的历史坐标与文化身份。

喻红《拯救》
绘画，300×1250×5.5cm，布面油画，2021

马丁·伦德尔
“回到生活”版块策展人

“回到生活”这一主题的初衷是什么？您强调构建“沉浸式体验空间”而非传统展览，是出于什么样的考量？

马丁：

“回到生活”这一主题的灵感源自一首80年代的歌曲。它提出了一个简单却深刻的设问：我们究竟要回归什么样的生活？回归怎样的现实？当下的生活与现实是否真实？

基于此，我和团队决定不做一个传统的“展示型”展览，即展示一件作品并告知观众“这就是答案”。

我们构建了一段沉浸式的旅程。通过黑、白、绿三个色调迥异的空间，让观众感受到自己不再是旁观者，而是亲历者。这段旅程旨在向观众发问，而非提供定论。

“回到生活”版块，俞衫杉《自拍31》作品现场

如何通过“回到生活”回应总主题“烟火指数”？引入神经科学与香氛等跨学科内容，是否意在通过多重感官体验，重新定义生命的“活力指数”？

马丁：

“烟火指数”指向的是生活的活力与状态。在现代生活中，我们面临着严重的信息过载与观念过载。因此，回应“烟火”的第一步是“净化”。

我们将旅程的起点“黑空间”设计为一个感官净化的场所。这里光线幽暗，仅有一块石头和一部影片。我们邀请观众在这里静下心来，通过视觉、嗅觉与触觉的沉淀，清空大脑，找回感官的敏锐度。这正是为了重新定义生命的活力：在过载的世界中通过做减法，找回感知的平衡，进而思考“我是谁？”、“我在社会中的位置是什么？”以及“我期望的未来是怎样的？”。

“回到生活”版块展览现场

30位跨领域的参展者，是如何在同一个场域中实现对话，并最终融合为“整体概念”的？

马丁：

作为一个大型国际双年展，我邀请了来自12个国家的30位创作者，涵盖了平面设计、时尚、景观、建筑、电影、音乐乃至脑科学等多个领域。

我的核心策略是“跨界与融合”。我特意安排中国艺术家与外国创作者合作，或让不同学科的专家（如设计师与脑科学家）共同探讨。这种碰撞产生的不再是单一文化的产物，而是一种全新的、超越国界与学科的“混合观念”。此外，本版块并非简单的作品陈列，绝大多数展品都是为本次双年展量身定制的。我们将整个空间本身视为一件完整的艺术品，串联起所有跨界创作，形成一个有机的整体体验。

“回到生活”版块展览现场

肖飞舸
“廿四小时”版块策展人

“廿四小时”是一个非常具象且让人充满联想的时间刻度。作为策展人，您最初确立这个主题的契机是什么？

肖飞舸：

契机源于我被赋予“时尚”这一初始主题。我的理解是，时尚不应是殿堂化的，而应融入日常，让平凡生活更美好。如何表达平凡生活？普通人最基础的时间单元就是一天24小时，尤其在成都这样富有生活气息的城市样本里。因此，“廿四小时”既是一个物理的时间框架，也是一个策展的隐喻。它象征着周而复始的日常，并试图探讨艺术如何激活每一天，让生活充满惊喜。展览的叙事也按照从清晨的孤独感，到日间的多彩，再到夜晚的放松来展开，最终以一件关于时间的作品收尾，象征一天、一生乃至世界的循环。

“廿四小时”版块展览现场

从“廿四小时”这个版块的视角出发，您是如何理解并回应“烟火指数”这一总主题的？

肖飞舸：

我理解的“烟火”，既是盛会庆典，更是成都所代表的“烟火里的幸福成都”那种日常的生活状态。因此，本版块大量作品与人的日常生活紧密相关，并融入了丰富的成都本土文化元素，如方言、嘻哈、涂鸦等。我们还邀请了本地青年科学家团队，以古蜀文明元素创作了新作品。每一件作品都在呼应日常生活与城市特性。

从“指数”维度看，我们将其理解为一种趋势表达。这个版块的艺术家构成呈现出明显的年轻化（大量90后、00后）、女性艺术家多、跨界性强的特点。我们邀请了科学家、作曲家、非遗传承人、时尚设计师等参与。因此，这个版块实际上提供了一个观察当下艺术发展趋势的切片：年轻化、跨界融合、新媒体、艺术与科技结合。

“廿四小时”版块展览现场

在搭建“廿四小时”的参展名单时，贯穿始终的核心线索或选人标准是什么？这些风格各异的艺术家及其作品，是如何共同支撑起您想要讲述的这个关于“时间”的故事的？

肖飞舸：

选择标准是综合的。首先，所有艺术家都与“时尚”主题有或多或少的关联，因此呈现出青春化、跨界的趋势。其次，艺术家在其自身领域需有代表性。第三，也是最重要的，他们的作品必须符合并构成整个版块的叙事线索。从开篇更具精神性和抽象性的作品，到中间时尚属性更强的部分，再到融合本土文化的表达，最后回归具有视觉张力的精神性作品，每位艺术家都像拼图一样，被放置在叙事的特定环节，共同构建起关于一天24小时的完整故事。