中国嘉德2025春季拍卖会
预展
5月7日-5月10日
嘉德艺术中心（北京市东城区王府井大街1号）
拍卖
二十世纪及当代艺术
5月13日 13:00
当代艺术夜场
5月13日 19:30
嘉德艺术中心A厅
当代艺术的全球图景呈现“根系本土，枝叶交错”之特征，东西方艺术环境既在文化基因与叙事逻辑、媒介路径、市场价值体系等方面存在差异，又在对各自历史与身份的追溯和关注上具备共性。
本季，我们择选重要海外艺术家极具代表性力作，希望能够在作品的并置与互动中，深入探讨中西方当代艺术的行进轨迹：弗朗西斯•培根（Francis Bacon）以扭曲的肉体变形和存在主义式的孤独恐惧与暴力美学揭示人性的撕裂与荒诞、安塞姆•基弗（Anselm Kiefer）以材料构建物证从而建立对个体与集体罪责的挖掘、安迪•沃霍尔（Andy Warhol）以“规模生产”实现对艺术边界的拓展和再定义、草间弥生（Yayoi Kusama）在“无限”重复中所完成的自我消解、吕克•图伊曼斯（Luc Tuymans）通过模糊图像质疑媒介的真实性、加藤泉（Izumi Kato） “胚胎人形”中东方图腾与禅宗思想实现人神共生的精神场域、傅丹（Danh Vo）以殖民历史的碎片化叙事为核心，在物件重组中揭露文化记忆的撕裂与重生。艺术是档案也是预言，我们相信当代艺术的意义正在于批判与反思，在于作品中所体现出的主动性，在于启迪思考、打破边界、敢于冒犯和更加包容。
兼收并蓄，当代亚洲藏家正在建立独立于西方的艺术价值坐标系，也在建立更加明确也更具分量的收藏话语权。相应地，市场也当应时而变，建立兼顾文化价值与收藏逻辑的迭代体系。本次春拍，我们希冀为藏家提供更加全面和完整的择选名单，符合当下审美亦响应收藏需求。我们也期待您亲临预展，共同观看当代艺术的全球图景。
Lot 302
弗朗西斯·培根（1909-1992）
头像Ⅰ
1958年
布面 油画
60.5×50.5 cm.
发表
《现代艺术收藏家》，都灵，1963年，第12页
《弗朗西斯·培根》，伦敦，1964年，图版，编号144
《弗朗西斯·培根：回顾展》，耶鲁英国艺术中心，纽黑文，1999年，第114页
《镜头下的培根：摄影、电影与绘画实践》，哈得逊出版社，伦敦，2005年，第205页，编号229
展出
“弗朗西斯·培根：1947-1958年十二幅画作”，编号12，1959年，理查德 · 费根画廊，芝加哥
“新收藏”，编号3，1959年至1960年，理查德·费根画廊，芝加哥
“弗朗西斯·培根”，编号8，1962年，伽拉忒亚艺术画廊，米兰
来源
汉诺威画廊，伦敦
理查德·费根画廊，芝加哥
世界之家画廊，纽约
查尔斯·威廉姆斯，伦敦
皮卡迪里画廊，伦敦
埃里克·埃斯托里克，伦敦
Finarte米兰，1961年11月22日，Lot102
伽拉忒亚艺术画廊，都灵
美国私人收藏
卡菲索艺术画廊，米兰
佳士得伦敦，1988年6月30日，Lot583
日内瓦私人收藏
法伊特画廊，比利时
苏富比伦敦，当代艺术晚间拍卖，2015年10月16日，Lot43
RMB：19,000,000-25,000,000
1958年创作的《头像Ⅰ》是培根艺术语言的集中体现，并被认为是浓缩了培根50年代风格的精品之一。画中的男子是培根在1950年代最深沉、最具毁灭性的情人彼得·莱西 (Peter Lacy)，他是前英国皇家空军的战斗机飞行员，外表英俊却性情乖戾、酗酒成性。莱西时常对培根施加暴力，导致其面部缝合、右眼受伤，但培根并未因伤远离，反而愈加沉溺于这种激烈的关系之中。培根曾半是坦白、半是隐喻地回应这种情感逻辑：“你杀害你所爱的。”这句话源自王尔德，仿佛也道出了培根艺术实践的逻辑——在扭曲和撕裂中表达最深刻的爱与痛苦。
完成《头像Ⅰ》时，培根正处于风格转型的节点。本作一方面延续了“教皇”系列中极具表现力的肖像构图，承接了“蓝衣人”系列所营造的隐秘、不安氛围。另一方面，又抛弃了培根早期惯用的伪建筑背景，转而采用单色的蓝黑色块，仅以一条淡淡的白线点缀其间。这一转变也预示着他在色彩与构图上的处理将朝向更为自由、开放的方向发展。
《头像Ⅰ》同时表现出的温柔和暴力，充分说明了培根和莱西之间充满了激情的情感深度。男子眼神朦胧，眼角和嘴角似乎带着一丝轻蔑笑意，带着某种轻蔑。右手以拳托腮，依然只留下残影。面部扭曲、变形，躯体从灰蓝和黑色背景中浮现，孤立且不屑一顾。在《头像Ⅰ》扭曲的轮廓中，有被虐的爱，有不可言说的记忆，也有绘画本身对生命经验的强烈回响。培根不去追求人物的“像”，而是在一片废墟中唤起一个人存在的“气息”。他告诉我们，绘画是为了揭示那些藏在皮肤之下、语言之外的东西，而正是在这些撕裂之中，我们才真正看见了真正的人性。
Lot 306
安塞姆·基弗（b.1945）
玫瑰酿蜜予蜜蜂
1996年
布面 综合材料
280×380 cm.
发表
《我把整个印地握在我的手中》，安东尼奥菲画廊，伦敦, 1997年，图版
《安塞姆-基弗：天与地》，科雷尔博物馆，威尼斯，1997年，第328页至第329页
《安塞姆-基弗—风、天气、寂静》，索菲亚王后艺术博物馆，马德里，1998年，第129页
《安塞姆·基弗展览图录》，毕尔巴鄂古根海姆美术馆，毕尔巴鄂，2007年，第272页，编号108
《安塞姆·基弗》，泰晤士与哈德逊出版社，伦敦，2017年，第263页
展出
“我把整个印地握在我的手中”，1996年至1997年，安东尼奥菲画廊，伦敦
“安塞姆-基弗：天与地”，1997年，科雷尔博物馆，威尼斯
“安塞姆-基弗—风、天气、寂静”，1998年，索菲亚王后艺术博物馆，马德里
“安塞姆·基弗”，2007年，毕尔巴鄂古根海姆美术馆，毕尔巴鄂
来源
安东尼奥菲画廊，伦敦
阿克曼斯收藏馆，克莱韦
舍内瓦尔德画廊，桑腾
德国私人收藏
苏富比伦敦，当代艺术晚拍，2015年7月1日，Lot43
RMB：2,800,000-3,800,000
安塞姆·基弗（Anselm Kiefer）出生于二战结束前两个月，成长于德国战败的废墟与集体遗忘的阴影中。他是德国新表现主义的代表人物，也是战后欧洲最具思想深度与历史重量的艺术家之一。他的创作以对德国历史、文化身份和人类命运的深刻反思为核心，通过综合材料与史诗般的视觉语言，构建了一个介于废墟与神话之间的精神世界。
本季所呈现的《玫瑰酿蜜予蜜蜂》（Dat Rosa Mel Apibus）标题直接引用17世纪玫瑰十字会的拉丁格言“Dat Rosa Mel Apibus”，是基弗在20世纪90年代中期的标志性作品。以玫瑰十字或玫瑰十字架为象征的玫瑰十字会，是由克里斯蒂安·罗森克鲁兹（Christian Rosencreutz）于17世纪创立的秘密哲学教派，玫瑰十字代表了一个迷宫：通往中心的旅程可能荆棘丛生，但其目的地却如蜂蜜对蜜蜂一般甘甜可口。作品中俯卧的人物形象与基弗本人极为相似，似乎是自画像，但这一时期的笔下人物通常被认定为16世纪的占星家、宇宙学家、哲学家、神秘主义者和玫瑰十字会成员罗伯特·弗拉德（Robert Fludd）。
本作曾于2007年由著名策展⼈杰尔玛诺·切兰特（Germano Celant）策划的毕尔巴鄂古根海姆美术馆安塞姆·基弗同名大型个展中展出。它标志着基弗由对德国具体历史的追问，转向对人类存在本质的玄学探索。通过玫瑰十字会的古老密语，基弗将战争废墟、炼金术、宇宙论编织为一部视觉史诗，追问艺术能否在历史的荆棘中酿出蜂蜜。正如其2010至2011年间创作的十七米同名巨作所延续的——基弗的创作始终是“一座联结地狱与星辰的桥”，在毁灭与重生、禁锢与超越的张力中，重塑战后人类的灵魂图景。
Lot 303
安迪·沃霍尔（1928-1987）
布赫女士及小狗丝兰
1981年
布面 丙烯 丝网印刷
101×102 cm.
发表
《安迪·沃荷：摄影》，汉堡美术馆，汉堡，1999年，第182页
《安迪·沃荷：肖像画》，科隆雅布隆卡画廊，科隆，2002年，编号5
RMB：1,800,000-2,500,000
作为波普艺术的旗手，安迪·沃霍尔（Andy Warhol）彻底颠覆了20世纪的人们对于艺术“唯一性”与“原创性”的传统认知。他借用日常生活中常见的广告、卡通角色与名人肖像等大众图像资源，通过丝网印刷等方式反复复制与输出，打破了高雅艺术（high art）与通俗文化（low culture）之间的界限。《布赫女士及小狗丝兰》即是这一图像逻辑的产物之一。该作不仅延续了他“以摄影为起点，通过丝网工艺完成绘画”的典型路径，也体现出他晚期风格中日渐增强的个体情感与戏剧张力。
沃霍尔曾预言：“未来，每个人都能当上15分钟的名人。”自1962年以玛丽莲·梦露肖像引发艺术界震动后，沃霍尔便持续以社会名流、娱乐明星及政治人物为对象进行创作，使“名人”从崇高的个体转化为可复制的视觉符号。1965年，安迪·沃霍尔一度放弃绘画，转而投身于电影与电视。但进入1970年代后，他又借助宝丽来即时成像相机重新回归绘画领域，并将这些照片作为其肖像、丝网画、素描和版画的基础，被他称为"铅笔和纸张"。《布赫女士及小狗丝兰》便是源于1980年12月沃霍尔为布赫女士（Mrs. Buch）拍摄的宝丽来照片《Frau Buch》。
此作也是沃霍尔肖像创作中少数以“人宠互动”为主题的作品。从艺术史的视角来看，“人宠同框”的构图也似乎在回应传统肖像画中的“贵妇与宠物”这一母题。然而，沃霍尔以高饱和的色彩、平面化的处理与图像的戏谑，彻底颠覆了古典肖像中的权威与庄重，将其转化为波普时代的图像消费符号。
Lot 304
草间弥生（b.1929）
无限网
2014年
布面 丙烯
145.5×145.5 cm.
发表
《我爱台湾》，白石画廊，台北，2017，第17页
展出
“我爱台湾”，2017年，白石画廊，台北
来源
现藏家购自于白石画廊
说明
此作品附设株式会社草间弥生签发之作品注册卡
RMB：16,000,000-20,000,000
草间弥生以其独特的视觉语言和鲜明的个人风格，在全球艺术界享有无比崇高的声誉，被誉为“圆点女王”。她以标志性的圆点、网状图案以及别具一格的镜像装置闻名于世，其中“无限网”系列堪称她最具代表性的作品之一，与其南瓜系列并驾齐驱，为大众所熟知，同时也是当今全球顶尖艺术收藏家竞相追逐的珍稀瑰宝。
在草间弥生的创作中有几个标志性系列，其中“无限网”的概念去中心、去焦点，让白色画布完全被网状与圆点序列覆盖，暗示着她的幻觉以及对无垠空间的追求，是她最具代表性的原创概念之一。在艺术家拍卖市场最高价前三十强作品中，近半数出自这个系列，而“无限网”中有超过三分之一以红色为主色，与她长期以来的个人形象色彩一致，充分证明了此类作品的高度代表性。“无限网”系列作品除了在市场上大受藏家欢迎之外，在学术上也深受肯定，而被世界各地知名博物馆及机构收藏，包括纽约现代美术馆（MoMA, Museum of Modern Art）、伦敦泰特现代美术馆（Tate Modern）、东京草间弥生美术馆（Yayoi Kusama Museum）、纽约古根海姆美术馆（The Guggenheim Museum）等。
本幅《无限之网》诞生于艺术家创作生涯晚期的高峰阶段，充分体现了草间弥生的独特风格：利用重复图案与鲜艳色彩，创造出迷幻而充满力量的视觉体验。且由于“无限网”系列创作时需要高度专注力，加之大型作品创作难度高，数量本就较少，在凸显本件拍品的稀缺性。作为艺术家晚期精品，《无限之网》照见出艺术家高峰时期的创作状态，随着草间弥生在国际艺术史地位的不断确认，以及创作的影响力持续扩散，本幅2014年的《无限之网》以其视觉冲击力与独特性，加之大尺寸带给观者的沉浸感，堪称本季不可错过的杰作。
Lot 305
吕克·图伊曼斯（b. 1958）
树的肖像
2019年
布面 油画
232.3×167 cm.
发表
《好运》，卓纳画廊，香港，2020，图版
展出
“好运”，2020年10月27日至12月19日，卓纳画廊，香港
RMB：15,000,000-20,000,000
吕克·图伊曼斯（Luc Tuymans）于1958年出生于比利时，作为当代艺术界最具影响力的画家之一，以其对图像的特殊解构，对历史的隐喻性表达以及对绘画媒介的革新性探索著称，融合了北方文艺复兴传统与现代媒介的视觉语言，图伊曼斯将绘画视为“历史的间离工具”，对绘画的整体发展产生了广泛且深刻的影响。从历史到当代议题，图伊曼斯的创作素材植根于生活，作品的最终呈现却显得陌生而疏离。近乎严苛的自律也体现在图伊曼斯对于创作的极高要求中，年均仅产出二十幅作品，他曾坦言，部分题材需经五六年沉淀才落笔。为捕捉灵感迸发的瞬间，每次提笔前的最后两三小时，他的精神始终处于高压状态。
本件《树的肖像》曾于2020年卓纳画廊为图伊曼斯举办的“好运”个展中展出，作为其在香港举办的首场个展，有着不容忽视的份量。自2006年图伊曼斯第一次来到北京，他与中国似乎有着绕不开的缘分，带着美丽与哀愁气质的“好运”像是远方来信，承载着艺术家对这个东方大国既熟悉又陌生的深沉凝视。
《树的肖像》以灰调巨干与僵直枝桠构筑视觉陷阱：看似郊野原生的林木却实为人造树。图伊曼斯通过这种人造物的虚饰性，揭示了人造与自然间的微妙裂隙：当塑胶枝干的矫饰性与画布笔触的粗粝感形成张力，作品既成为消费社会景观的荒诞显影，又暗含对当代认知体系中“真实”概念的尖锐质询。艺术家以极简构图迫使观者直面真实与虚构的边界——那些被集体系统性默认的葱郁表象，或许正是物质本体的溃散。在“后真相”时代，他的作品提醒我们：视觉的模糊性或许正是接近真相的可靠路径。尺幅达232.3×167 cm.，《树的肖像》简洁利落，稳定有力，精准体现艺术家对这次展览的概括：“事关两个基础的想法：贸易——全球化——以及有关静默无言之物的一些想法。”
Lot 87
加藤泉（b.1969）
无题
2019年
布面 油画
118.5×45.5 cm.
展出
“ART021上海廿一当代艺术博览会”，2019年11月7日至10日，上海展览中心，上海
RMB：500,000-800,000
日本艺术家加藤泉（Izumi Kato）的创作以原始生物形态为内核，构建了一个穿梭于远古神话与未来异界的视觉宇宙，其作品以扭曲的类人生命体为载体，融合绳文土偶的朴拙肌理、非洲面具的抽象神性与现代荧光色彩的冲击力，通过木雕、绘画、软雕塑等跨媒介实验，将断裂的肢体、蔓延的触须与未凿尽的刀痕化为生命能量的通道，既挑战人类中心主义的认知霸权，又以“未完成性”的粗糙质感对抗数字时代的虚拟完美；他以荧光触须的呼吸般明灭与变异肢体的共生形态，隐喻被科技异化的现代文明对肉体感知的遗忘，这些游走于畸形与神性间的生物恰似一剂解毒药，用沉默的手工温度与跨时空的文化基因，重写后人类时代的精神图谱——那些从出云大社神域中生长出的发光生命体，既是对绳文时代泛灵论的当代转译，亦是对生态危机与元宇宙狂热的诗意叩问，在文明的裂痕处，他证明真正的先锋性或许正深藏于未被现代性斩断的远古根脉之中。
Lot 92
傅丹（b.1975）
我们人民 (A-4)
2011年
铜
213.1×246×8 cm.
来源
佳士得伦敦，战后及当代艺术日间拍卖，2016年6月30日，Lot132
RMB：400,000-600,000
丹麦籍越南裔艺术家，傅丹（Danh Vo）是当代艺术领域最具国际影响力的创作者之一，其作品以碎片化叙事、文化挪用与政治隐喻著称，深刻探讨殖民历史、离散身份与权力结构等议题。作为越南船民后代（1975年随家庭逃难至丹麦），傅丹的创作拒绝单一身份认同，以碎片化手法呈现移民经验的复杂维度：文化撕裂、语言隔阂、记忆的不可靠性。他大量使用带有明确历史标签的现成品：越战时期美军信件、传教士的十字架、拿破仑三世的金漆家具等。如同一把手术刀，剖开全球化时代文明冲突的伤口，却在冷峻中蕴含诗意。他的作品证明：艺术不必呐喊，物的碎片足以成为重写历史的密码——在殖民与后殖民的废墟上，沉默的追问往往比喧哗的回答更震耳欲聋，将私密哀悼升华为对战争伤痕的集体追忆。
