4月-5月的伦敦一如既往地塑造着当代艺术的实验场域：在美术馆与画廊的边界上，材质与观念、历史与未来、技术与身体彼此交织。
巴比肯艺术中心的诺亚·戴维斯（Noah Davis）回顾展以跨媒体叙事构建个体记忆与公共场域的共同记忆；Tate Modern的“Electric Dreams”与“Solid Light”分别从技术史与感知实践的不同维度，展现了技术与艺术共舞的种种可能；卓纳的“When Found becomes Given”在雨后阴冷的伦敦角落里，用绘画治愈着人们；Whitechapel展示了唐纳德·罗德尼（Donald Rodney）对于疾病与生命的极致经验；里森画廊的图恩加（Tunga）个展让观者在铜铅编织与木偶机制中体察身体与控制、现实与幻象的张力；Hayward的“Danger Came Smiling”则以更广阔的策展语言，为女性主义图像政治开辟了新的反思路径。
漫步泰晤士河畔，这几场展览如同历史与当下的共振，为我们在艺术与技术、个体与集体之间，提供了考古学、心理学、神话与技术交织的多维思考。
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巴比肯艺术中心
诺亚·戴维斯：个体记忆的集体回响
（图源巴比肯艺术中心）
此次巴比肯艺术中心的诺亚·戴维斯（Noah Davis）回顾展通过精心设计的展陈空间与多维度学术叙事，展示了艺术家生前对社区、物质与历史的深入思考。
本次展览以“情境再现”与“介入现场”为策展核心，将超过50件跨媒体作品按照时间与主题分区，打破了传统美术馆中的“被动观看”模式，鼓励观众在不同尺度的画作、装置与影像中穿梭。
对比戴维斯早期的叙事性实验与后期针对社会空间的实践，本次展览作品更着重凸显个体经验与集体记忆的张力与连贯性。展览仍以惯常的线性时间为导引，将2007年至2015年的作品分为四大单元，每个单元配以不同高度的展墙与移动隔断，形成“连续性”与“切断感”的反差，以呼应戴维斯作品中现实与幻象交织的主题。
展览场地特殊铺设了多段可移动地台与灰色地毯，不仅为戴维斯的“Pueblo del Rio”系列营造了社区地景的延续感，也与他对公共空间改造的实践形成呼应。诺亚·戴维斯回顾展以其在场域设计、物质介入与公共参与等方面的实践，不仅重现了艺术家短暂而丰沛的艺术生命，更为当代艺术如何在社会空间中实现“知识—行动”提供了范式。观众在跨越不同作品与体验项目时，得以从戴维斯的个人叙事出发，思考集体记忆、城市结构与艺术民主化之间的复杂关系。
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Tate Modern
Electric Dreams 电子遗迹的回声
图源Tate Modern
Tate Modern的展览“Electric Dreams: Art and Technology Before the Internet”，回顾了1950年代至1990年代早期的100多位艺术家们对于技术对于艺术的思考。
策展人利用大规模的光学、动力与自动化装置艺术品营造出震撼的视听体验，并且将批判性的文本内容与档案、影像结合，引领观众在回溯技术史的同时，投身对当下数字化语境的深刻反思。
在展厅中，早期计算机程序、 AI 实验影像、关于监控技术与算法劳动的学术评述互为呼应，促使观众重新审视人工智能在当代艺术与公共治理中的伦理与权力维度，同时那些看似“过时”的装置，仍然能为揭示数字劳动与监控机制的内涵提供一些启示。尽管这些技术在当下看似过时，但前卫、先锋的概念在当下仍具有时代效应，尤其是面对当下人们对于技术的热切追捧，以及技术快速迭代的境况，或许回顾历史才能带来新的启示。
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Tate Modern
安东尼·麦考尔：远距离的触觉
图源Tate Modern
Tate Modern的Solid Light展览，呈现了艺术家安东尼·麦考尔（Anthony McCall）对于光影装置的精细把控，这与当下沉浸式艺术、交互装置的潮流一致。作为实验电影和装置艺术的早期先驱，麦考尔以其材料电影装置而闻名，这些装置利用薄雾增强投射光，从而产生固体光的形式，将电影、雕塑和绘画融为一体。
展览现场的高度交互性增强了观众沉浸式体验，走入这个光与雾的场域内，如同进入梦境一般。麦考尔并没有利用光影与镜面带来“炫技”般的傲慢感，而是利用“实体化”光束带领观众进入一个在空气中“绘制”立体图形的雕塑空间。观众的移动与呼吸使光墙成形，切实地体会了与光共创的参与感。
“Solid Light”这一展览不仅再现了麦考尔在光影实验领域的开创性贡献，同时为“后关系美学”（relational aesthetics）和“场域介入”研究提供了生动范例。展览通过精心设计的光学场域，不仅唤醒观众对感知机制的深度体验，更重新界定了光与物质的边界，为当代艺术实验开辟了新的方法论视野，并引发了关于“可触光学”（haptic optics）与“身体记忆”研究的再思考。
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海沃德美术馆
林德：拼贴中的身体政治
图源Hayward gallery
“Linder：Danger Came Smiling”于海沃德美术馆（Hayward Gallery）呈现了英国艺术家林德（Linder）五十年来横跨拼贴、行为、摄影与影像实践的创作全貌，这场回顾展不仅重申了她在女性主义视觉语言中的开创性地位，也凸显了她对图像政治持续而犀利的干预。
在展览布局上，策展人将手工拼贴、录像作品与互动装置分类，通过开放式空间与非线性叙事引导观众在游走中完成对图像权力结构的“拆解式”阅读。
“Linder: Danger Came Smiling”在Hayward Gallery首次大规模回顾展中，被巧妙地分为Seduction、Cut和Glamour三个章节，引导观众在不同节奏和情感调性的空间中完成一次图像与身体的解构式旅行。
展览中，观众不仅面对图像本体，也不断被卷入图像生成与感知的过程中。在视觉层面，作品保留了拼贴手工的痕迹与材质的不稳定性，刻意突显图像边缘的撕裂与残留，这不仅是形式选择，也是艺术家揭示文化压抑、身体规训与媒介暴力的策略。但最重要的是，展览并未将女性主义作为封闭的框架，而是拓展至更广泛的身体政治、欲望建构与身份流动议题。通过融入宗教意象、神秘符号与数字社交图景，林德以一种近乎仪式化的方式，让个体经验与图像时代的社会神经系统产生关联。她所营造的，是一种图像与身体、技术与情感、历史与未来交错的空间迷宫，而观众的行走其中，也成为对当代视觉文化结构的再度审视。
整场展览不止是回顾某位艺术家的创作演变，更像是一场关于图像、观看与感知方式的深度批判性思考。
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卓纳画廊
罗斯·怀利：绘画即生活，错落即诗意
图源David Zwirner
在卓纳画廊伦敦展厅中，“When Found becomes Given”不仅是对罗斯·怀利（Rose Wylie）个人艺术历程的回顾，更是一场关于时间、情感与视野的多重体验。以怀利的事迹链接当下焦躁的社会环境，阐释艺术对于生活的重要性。
策展人通过将单幅巨幅和多联系列交错陈列，没有沿用传统叙事的线性顺序，使观众在色彩与符号的碰撞中自行编织记忆与想象——仿佛每幅画都是一段浮光掠影的心灵日记。
怀利那种“在画中行走”的创作态度，在展厅中被具象化为一种参与感：暖室光线下，观者与画布之间没有隔阂，连同那不加修饰的涂抹笔触和手写标记，一同构建出疗愈般的现场氛围。她以“错误即美好”（Imperfection can be perfection）的直觉精神回应了当下社会的普遍焦虑，邀请我们在拥挤的色块与松散的线条中放下防备，找回“随性而行”的自由。
作为“大器晚成”型艺术家的代表，怀利的经历鼓舞了更多艺术从业者，并促使机构重新审视“艺术家的黄金期”观念，推动当代艺术生态向包容性与多样性方向发展。更重要的是，这场展览让人意识到：艺术的意义不在于峰回路转的惊艳，而在于持续发声的温度——无论是对年华流逝的坦然，还是对内心波动的柔软倾听，怀利的作品都如同一剂“色彩疗愈剂”，在纷乱时代里为观众提供了一隅心灵庇护。
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Whitechapel gallery
唐纳德·罗德尼：循环的伤口
图源Whitechapel gallery
Whitechapel gallery的Visceral Canker由诺丁汉当代艺术馆、斯派克岛画廊和白教堂画廊联合举办。唐纳德·罗德尼（Donald Rodney）的“Visceral Canker”以一种近乎有机的方式将科技、身体与记忆缠绕在一起，使观众不再是被动的旁观者，而是随着展厅中机械脉动和光影流转，自觉融入到艺术家的实验场域中。
展览以医院影像与油画棒的粗犷笔触交叠，打造出似乎在呼吸的墙面，其内在的“伤口”与外显的动力装置相互映照，让人直观感受到生命的脆弱与重塑的力量。透过“Autoicon”数字互动作品，罗德尼打破了常规观看模式，当我们触发屏幕或走近影像时，艺术装置随之回应，仿佛我们本身就是这台“内脏机器”的心跳与神经。
空间设计上，半暗的厅堂、重叠的隔断与光影投射共同编织出一条不规则的观展路径：每一次转角都可能陷入新的视界、开启新的思考——这种“游走中的未知”正是罗德尼期望观众带走的核心体验。
更为新颖的是，当机械管路循环运作之时，你会发现自己对时间的感知同步被放大：展览让我们意识到，艺术并非静态的呈现，而是一场不断循环、不断更新的生命实验。这些作品不仅展示了罗德尼对材料和技术的创新运用，还引导观众反思疾病、种族和社会边缘化等议题。
如此，Visceral Canker不仅呈现了罗德尼在媒介与技术上的前瞻，更以多层次的感官与情感触发，为当代观众搭建了一座在机械与身体、历史与当下之间自由“流动”的桥梁。
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里森画廊
图恩加：物质即诗|一场哲学实验
（图源里森画廊）
图恩加（Tunga）的伦敦个展不仅是对其艺术生涯关键时期的回顾，更是对当代艺术跨学科实践深度与广度的探讨。展览呈现了2004年至2014年间的十件雕塑作品，体现了他在材料和形式上的持续探索与创新。
其中，《光的碎片》（Fração de Luz）系列的早期作品借鉴了木偶的物理机制及其与操控者之间的关系，展现了图恩加对控制与被控制、现实与幻觉之间关系的深刻思考。另一件核心作品《无题》（2008）通过悬挂在半空中的铸铝重物和垂到地面的半透明布帘，强化了木偶运动时的幻觉，暗示着看不见的力量在操控着作品的运动。此外，《Estojo（盒子）》系列通过混合水晶石英和铁等地球材料，传达其独特的景观，体现了图恩加对材料之间能量关系的探索，以及他对物质与观念之间对话的关注。
这些作品不仅展示了图恩加在雕塑和装置艺术方面的创新实践，还体现了他如何将考古学、神话、哲学、心理学和文学等领域的元素融入创作，推动了当代艺术中跨学科融合的趋势。通过这些作品，观众可以深入了解图恩加如何通过物质实验与观念论辩的双重作用，回应新物质主义和观念艺术的双重诉求，拓展了雕塑与装置艺术的可能性。
